Publiée le 28 August 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nous l’avons vu le cinéma est un art de l’imaginaire et de la création, mais il puise aussi sa force dans la réalité et cela passe par les décors qui l’entourent. Ces décors, qui semblent parfois n’être qu’un fond passif sur lequel les personnages évoluent, sont en réalité des acteurs à part entière dans la narration cinématographique. Si les studios de cinéma font bien souvent office de terrain de jeu pour des productions monumentales, il existe un univers parallèle où les lieux réels, les paysages authentiques, et les monuments historiques participent activement à la magie du grand écran.

Les décors français sont sans doute parmi les plus emblématiques du cinéma mondial. De la grandeur des châteaux aux ruelles pavées des petites villes, en passant par les majestueuses plages méditerranéennes, la France a tout pour servir de toile de fond à des récits épiques. Prenons l’exemple Les Trois Mousquetaires, au lieu de tourner dans un studio, Martin Bourboulon a décidé de tournée à 55km de Paris au château de Fontainebleau. Y a pas que la Tour Eiffel !

Puis nous avons aussi les grands films fantastiques tels que Le Seigneur des Anneaux, Harry Potter, et Narnia qui utilisent également des paysages naturels pour créer des mondes parallèles. Ces films, bien que reposant sur des effets spéciaux et des décors en studio, n’ont pas hésité à incorporer de véritables paysages époustouflants.

Si une grande partie de l’univers de Tolkien a été recréée dans des studios néo-zélandais, il est impossible de parler de Le Seigneur des Anneaux sans mentionner les décors naturels qui ont servi de toile de fond à l’histoire. Les montagnes de la région de Fiordland et les forêts de la vallée de Wellington sont devenues les lieux mythiques où se sont déroulées les aventures de Frodon et de ses compagnons. Ces paysages, d’une beauté brute et sauvage, ont magnifiquement servi l’histoire de la Terre du Milieu. Comme quoi, il est essentiel de préserver notre planète si nous voulons encore qu’elle nous émerveille, tant dans la réalité que sur les écrans. Petite pensée de prévention pour rappeler que nous avons besoin de la planète pour vivre, mais elle, elle n’a pas besoin de nous.

Puis il y a aussi le classique de notre enfance, Harry Potter. Il faut savoir que le premier volet a utilisé bien moins d’effets spéciaux que les suivants, et, je dois dire, on le voit ! Car c’est avec Harry qu’on découvre le monde de la magie, et pour lui donner un côté plus authentique, autant faire de la vraie magie pour les enfants. Les décors d’Harry Potter sont un fascinant mélange de magie et de lieux réels. Par exemple, le Château de Durham, avec ses tours imposantes, a servi de modèle pour Poudlard dans plusieurs scènes des films. Le pont de Glenfinnan en Écosse, qui relie l’île de Skye au reste du pays, est également devenu un symbole du monde magique.

Autre univers fantastique, Narnia. Vous savez, ce lieu parallèle où le petit Edmund a trahi ses frères et sœurs pour des loukoums… Bon, on va pas lui en vouloir, il était encore enfant, et puis il a bien grandi après. Vous ne trouvez pas qu’il y a une forte ressemblance entre les 4 maisons de Harry Potter et les 4 enfants Pevensie ? (Désolée, je m’égare avec mes théories, je reviens, je reviens).

Donc, les films de Narnia, basés sur les romans de C.S. Lewis, sont eux aussi un mélange de décors réels et d’animation. L’un des lieux les plus marquants est la forêt de Glendurgan en Cornouailles, utilisée pour représenter le monde magique du Lion Aslan. L’arrière-plan de la mer, les collines verdoyantes et les grottes naturelles sont autant de décors qui apportent un côté onirique et intemporel aux aventures des enfants Pevensie.

Alors, bien que les décors réels soient souvent au centre de ces productions, les studios de cinéma restent un élément indispensable à la création d’ambiances et d’univers impossibles à reproduire sur place. De nombreux films utilisent des décors de studios comme Cité du cinéma en France, ou les célèbres Pinewood Studios en Angleterre. Ces derniers permettent de recréer des environnements fantastiques que les paysages réels ne peuvent offrir. Le cinéma a toujours eu une relation complexe avec ses décors. Si les studios et les effets spéciaux sont incontournables pour certains genres, les décors réels, les véritables lieux historiques ou naturels, sont d’une importance capitale pour l’immersion du spectateur. Qu’il s’agisse des vastes paysages de la Terre du Milieu, des rues pavées de Paris ou des plages de l’île d’If, le cinéma puise sa magie dans la richesse de notre patrimoine naturel et culturel.

Finalement, les vrais décors, les vrais paysages, sont bien plus qu’un simple arrière-plan : ce sont des personnages à part entière, qui contribuent à la narration, à l’émotion, et à la vérité du film. Ce sont eux qui, parfois, nous rappellent que, même dans les films les plus fantastiques, la réalité a toujours un rôle à jouer.

Alors soyez authentique, après tout, c’est bien la seule chose qui compte, non ?

Lelia Tostivint

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Publiée le 12 August 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On a eu la chance d’être invités aux Trophées Clarins 2025, cet événement où le sport rencontre la transpiration et où l’on crie “Allez !” comme si notre vie en dépendait. Entre raquettes et passion, ça nous a donné envie de parler du tennis au cinéma, et surtout de célébrer les femmes qui ont frappé fort sur grand écran. Parce que oui, dans le tennis comme dans le cinéma, les joueuses ne sont pas là pour faire de la figuration.

🎬 Challengers : le film qui fait monter la température sur le court

Sorti en 2024, Challengers est un film réalisé par Luca Guadagnino, connu pour ses œuvres sensuelles et esthétiques. Le film met en scène Tashi Duncan (interprétée par Zendaya), une ancienne prodige du tennis devenue coach, qui se retrouve au cœur d’un triangle amoureux avec son mari Art Donaldson (Mike Faist) et son ancien petit ami Patrick Zweig (Josh O’Connor). Le tout se déroule dans l’univers compétitif du tennis, avec des matchs tendus et des émotions à fleur de peau.

Zendaya apporte à Tashi une intensité rare : chaque regard, chaque mouvement est chargé de sens. Elle ne se contente pas de jouer une sportive ; elle fait vibrer la fragilité, les doutes et la rage intérieure de son personnage. Sa prestation a été saluée pour son authenticité, prouvant qu’elle peut porter un film entier sur ses épaules, avec finesse et puissance. Le personnage de Tashi a marqué les esprits car elle est vraie. Pas un cliché de la femme “forte” invincible, mais une femme avec des contradictions, qui doute, qui aime, qui se bat. Tashi, c’est aussi la représentation d’une nouvelle génération de femmes dans le sport et au cinéma, qui refuse les cases et les limites.

Le film a été salué pour sa direction artistique et sa bande-son électro signée Trent Reznor et Atticus Ross, qui ajoute une dimension supplémentaire aux scènes de match. Cependant, certains critiques ont estimé que le film manquait de profondeur émotionnelle et se contentait de survoler les thèmes abordés.

🎾 Le tennis au cinéma : une histoire de passion et de rivalité

Le tennis a inspiré de nombreux films au fil des ans. Parmi les plus célèbres, on peut citer :

• Battle of the Sexes (2017) : ce film raconte le match historique entre Billie Jean King et Bobby Riggs, mettant en lumière les enjeux de genre dans le sport.
• Borg vs McEnroe (2017) : un drame psychologique qui explore la rivalité intense entre les deux légendes du tennis.
• King Richard (2021) : l’histoire inspirante de Richard Williams, le père des célèbres sœurs Williams, qui a guidé ses filles vers le sommet du tennis mondial.

Ces films montrent que le tennis n’est pas seulement une question de raquette et de balle, mais aussi de stratégie, de psychologie et de détermination.

Invitation aux Trophées Clarins 2025

Et maintenant, imaginez-vous sur le terrain en terre battue des Trophées Clarins 2025, un événement prestigieux qui célèbre le tennis féminin. C’est l’occasion rêvée de croiser des stars du tennis, de discuter stratégie de jeu et de partager des anecdotes croustillantes sur les matchs mémorables.

Les Trophées Clarins ne célèbrent pas seulement les performances, ils soutiennent aussi la promotion du tennis féminin et encouragent la prochaine génération à se dépasser, avec passion et fair-play. Que vous soyez fan, joueuse, ou simplement curieux·se, c’est une occasion unique de plonger dans l’univers du tennis avec style et bonne humeur.

En résumé, le tennis au cinéma, c’est bien plus que des échanges de balles : c’est une métaphore de la vie, avec ses hauts, ses bas, ses rebonds et ses smashs. Alors, que vous soyez fan de tennis ou de cinéma, n’hésitez pas à vous laisser emporter par la passion et l’émotion que ces films ont à offrir.

Lelia Tostivint

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Publiée le 23 July 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Basée sur une série de livres écrite par Suzanne Collins, Hunger Games fait parler d’elle depuis plus de 10 ans… et oui, déjà ! Mais alors, pourquoi un tel phénomène ?

Eh bien non, ce n’est pas juste parce que Jennifer Lawrence tire à l’arc comme une reine ou parce que Peeta Mellark est LE book boyfriend adoré sur TikTok. Hunger Games, c’est bien plus que ça. C’est un univers qui frappe fort, un message qui tape là où ça fait mal, et surtout une leçon de courage que nous devrions revoir de temps en temps.

Avant d’écrire cette saga culte, Suzanne Collins bossait dans la télé jeunesse, notamment chez Nickelodeon (ouais pas super super). C’est en zappant entre une émission de guerre et une télé-réalité qu’elle a eu l’idée de Hunger Games. Comme quoi, regarder la télé peut parfois donner des vraies pépites. Fun/Sad fact : elle ne voulait pas que les acteurs des films soient trop jeunes, car elle connaissait les conditions parfois dures du milieu hollywoodien, alors elle a dit “nope” direct. Née en 1962 dans le Connecticut, fille d’un militaire, Suzanne a grandi avec une conscience aiguë de la guerre, des sacrifices et de la propagande. Nous, on a grandi avec Dora et Foot 2 Rue (pas la même ambiance, hein). Elle n’écrit pas pour le simple divertissement, mais pour qu’on se pose les bonnes questions :

• Pourquoi regarde-t-on la souffrance des autres comme un spectacle ?
• Pourquoi suit-on les règles même quand elles nous détruisent ?
• À quel moment choisissons-nous de désobéir ?
• Quand la peur devient-elle moins forte que l’espoir ?

Donc nous avons une autrice engagée, avec des personnages…réalistes

Katniss n’est pas une héroïne lisse et parfaite. Pourquoi le serait-elle ? Elle est humaine, avec ses doutes, ses colères, ses failles. Collins ne veut pas de héros irréels, parce que la perfection, ça n’existe pas, et ce n’est pas identifiable. Katniss est traumatisée, froide, parfois injuste, mais surtout lucide. Elle a 16 ans (rappel important, surtout quand Hollywood fait parfois passer les ados pour des adultes). Elle n’a pas besoin d’être sexy ou souriante pour être puissante. Katniss est brute, là pour survivre, protéger et se battre, pas pour faire un tuto Morning routine avant chaque scène. Bref, Katniss, c’est la fille du feu du District 12, paumée mais qui se porte volontaire pour sauver sa sœur. Elle doute, râle, s’énerve et agit… Et malgré tout ça, elle devient un symbole. Parce que parfois, dire “non”, c’est déjà une révolution.

Peeta, le king des discours et l’anti-mâle toxique ! Le petit blond, doux, stratège et charmant, Peeta est l’opposé parfait de Katniss. Il ne veut pas juste sauver Katniss, il veut qu’elle survive en restant fidèle à elle-même. Il la soutient même quand elle lui rentre dedans (et franchement, elle ne manque pas une occasion). Après un petit passage par un lavage de cerveau et quelques séances de torture, Peeta reste droit dans ses bottes… et retombe amoureux de Katniss. Les filles, prenez-en de la graine, parce que les “Peeta” dans la vraie vie, ça ne court pas les rues, surtout avec autant de “Snow” à côté.

En parlant du Loup, Coriolanus Snow, le président-tyran, passif-agressif et machiavélique. Sans doute le meilleur méchant écrit de ces dernières années. Froid, raffiné, méthodique, il crée l’illusion du choix pour mieux écraser la rébellion. Dans La Balade du serpent et de l’oiseau chanteur, on découvre un jeune Snow ambitieux, cruel, qui deviendra le monstre politique qu’on déteste. Snow ne tue pas pour tuer, il tue pour l’exemple. Son idée géniale ? Transformer la punition en spectacle : tu te rebelles ? On fait tuer tes enfants en direct, avec sponsors et costumes (vous avez dit déjà-vu ?). C’est le dictateur moderne qui fait peur sans jamais hausser la voix. Il manipule, anticipe, politise tout.

 

Bon la saga ne se résumait pas qu’à son autrice et ses personnages incroyables, même si c’est déjà ce qui pèse dans la balance. La saga a aussi marqué la pop culture, car avec son univers, ses personnages Hunger Games ont changé la donne. Depuis, on ne compte plus les dystopies qu’elle a inspirées : Divergente, Le Labyrinthe, The 100… Et voilà que, quelques années après le 4e Hunger Games, on pensait que c’était fini… Mais non !

 

La Balade du serpent et de l’oiseau chanteur est sortie en livre puis en film, relançant la saga avec une nouvelle vision, plus sombre, plus politique. Et alors qu’on croyait que c’était la fin, un nouveau livre débarque : celui de Haymitch, notre mentor sarcastique préféré, The Hunger Games : Sunrise on the Reaping prévu pour une sortie le 20 novembre 2026. Ce nouveau roman, plus dark que jamais, va bientôt être adapté au cinéma avec un casting annoncé récemment sur les réseaux sociaux : Joseph Zada dans la peau de Haymitch Abernathy, Maya Hawke incarnera Wiress, Ralph Fiennes qui jouera non pas Voldemort mais bien notre magnifique et cruel Coriolanus Snow. Et puis on retrouvera toujours Lionsgate à la production, Francis Lawrence à la réalisation et Billy Ray (qui a fait l’adaptation du premier Hunger Games). On ne change pas une équipe qui gagne ! Et n’oublions pas que Suzanne Collins ne se contente pas d’écrire, elle gère aussi la production des films, assurant que lecture et cinéma servent à faire passer des messages forts, à dire tout haut ce que beaucoup pensent tout bas.

Parce que oui, quand tout semble parfois partir en feu, Hunger Games nous rappelle qu’il suffit d’une flamme pour allumer une révolte.

Lelia Tostivint

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On sait tous que le cinéma, les séries et même les vidéos qu’on regarde sur YouTube ont ce pouvoir incroyable de nous faire voyager. Mais au-delà du simple divertissement, l’image est un formidable outil d’apprentissage. C’est comme un super pouvoir que l’on ignore souvent. T’as déjà regardé un film et, après, tu t’es retrouvé à googler des choses randoms ? Genre, après avoir vu Les Dents de la Mer, tu t’es dit “Ok, mais c’est quoi un mégalodon ?”. Si ça t’est déjà arrivé, tu n’es pas seul. L’image a cette capacité de nous transporter dans des univers nouveaux, de nous apprendre des choses qu’on n’aurait jamais imaginé apprendre, juste en regardant un écran.

Regarde, c’est simple : si tu ne savais pas comment était la vie à Paris au début du XXe siècle, tu pouvais soit lire un livre, soit regarder Midnight in Paris de Woody Allen. Et boum, en une soirée, tu voyages dans le temps. (Bon après c’est quand même mieux de se renseigner car des fois c’est pas totalement ça !)

N’est-ce pas fascinant de découvrir des vies qu’on n’a jamais vécues, des luttes qu’on ne comprend pas forcément, mais qui nous parlent d’une manière ou d’une autre ? Cercle des Poètes Disparus ? Un film qui t’apprend la valeur de la liberté de pensée dans un monde d’autorité. La série Mixte, elle, te plonge dans les défis du passage au mixte dans les lycée, un sujet super actuel, qui traite des luttes sociales tout en étant accessible et bien ficelé.

Les films ne sont pas là juste pour te faire rêver, bien que, soyons honnêtes, rêver c’est déjà pas mal. Mais ils ouvrent aussi des pistes pour comprendre le monde. L’histoire devient vivante. C’est comme ça qu’on apprend, sans même s’en rendre compte. Chaque image, chaque scène, chaque mot sur un écran peut éveiller une réflexion profonde, t’amener à poser des questions sur ta propre vie, sur la société, ou même sur l’avenir.

Le Cinéma et la Formation : L’Avenir du Métier

Mais là où ça devient encore plus intéressant, c’est que le cinéma ne se contente pas de nous montrer des mondes imaginaires. Aujourd’hui, il devient un véritable terrain de formation :

Les avancées technologiques, comme les VFX, l’animation 3D ou les nouvelles techniques de prise de vue, transforment chaque film en une aventure visuelle. T’as vu les progrès de la motion capture, non ? C’est fou comment on peut rendre un personnage en effets spéciaux numériques, aussi vivant qu’un acteur réel !

Et puis, le rôle des coordinateurs d’intimité sur les plateaux, rôle important. Ce métier, qui veille à la sécurité des scènes de nudité ou de violences physiques, est un exemple de la manière dont le cinéma évolue pour être plus respectueux et responsable. Et pour ceux qui cherchent à entrer dans ce monde fascinant, sachez qu’il existe maintenant des formations spécifiques. C’est l’avenir de la profession qui se construit maintenant, et c’est pour notre génération.

Apprendre avec le Cinéma : Pourquoi ça fonctionne ?

Pourquoi est-ce que l’image est aussi un excellent moyen d’apprentissage ? Parce qu’elle capte notre attention. les cerveaux sont câblés pour réagir à ce qu’on voit. Que tu sois en train de regarder un documentaire sur l’écologie ou un film d’action, tu es connecté d’une manière que l’info écrite ou parlée n’arrive pas toujours à égaler. Regarde Les Misérables de Victor Hugo, un livre super épais, un peu dense parfois… Mais après l’adaptation cinématographique, t’as capté la dimension sociale du récit à fond. Le visuel est un raccourci vers la compréhension.

Et soyons réalistes, on apprend mieux quand c’est fun, non ? Un film te permet d’absorber des informations tout en étant diverti. Ce qui rend l’apprentissage plus digeste. Tu vois, même les blagues qu’on fait entre potes sur les films ont une place ici. Un bon film ou une série qui te fait réfléchir, c’est comme un cours de philosophie mais avec des explosions et des scènes d’action en bonus. On va pas se mentir, c’est plus captivant qu’un PowerPoint, non ?

Pourquoi il faut Rester Curieux ?

Outil d’apprentissage certe, mais il faut garder un esprit critique face à ce qu’on voit. Si les films nous captivent et nous offrent des récits fascinants, ils romancent souvent la réalité. Prenons F1, un film captivant mais rempli d’erreurs techniques que seuls les vrais passionnés de Formule 1 remarqueront. Ou Titanic, un drame historique qui, bien qu’inspiré d’un événement réel, invente l’histoire d’amour de Jack et Rose. Ces films peuvent nous enseigner des faits, mais ils les adaptent pour raconter une histoire. C’est là qu’intervient notre curiosité : après un film, il est essentiel de chercher à en savoir plus, de distinguer la fiction de la réalité. Le cinéma peut être une source d’apprentissage, mais il ne doit pas être la seule. Restez curieux et allez au-delà de l’écran pour découvrir la vérité !

Lelia Tostivint

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Publiée le 8 July 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le Comte de Monte-Cristo

Alors oui, c’est un classique ! On en parle encore, mais franchement, qui n’est pas fier d’un excellent film français ? Avec Pierre Niney qui incarne à merveille Edmond Dantès, cet ange de l’injustice et de la vengeance, le jeu des acteurs.ices est tout simplement époustouflant.

La photographie, magnifiquement travaillée, et la bande-son qui vous coupe le souffle, ajoutent à l’intensité du film. Franchement, le film produit par Chapter 2 (les producteurs des Trois Mousquetaires) est une véritable œuvre authentique. On voyage non seulement avec les personnages, mais aussi à travers les paysages splendides de la France !

Anora

Un Pretty Woman revisité, mais dans une version plus réaliste et sombre. Un sujet qu’on connaît bien, mais qui, étonnamment, ne nous lasse jamais. Le film prend son temps, tout en étant dynamique, et ça, on adore. Un jeu de couleurs saisissant, oscillant entre euphorie et réalisme, amour et illusion, liberté et responsabilité. Ce film ne se contente pas de mélanger les couleurs, il fusionne aussi les langues, les univers, tout en offrant une direction artistique et un personnage principal profondément complexes. Un film qui a marqué le Festival de Cannes en 2024 et puis, il fallait bien inclure un film Le Pacte.

Thunderbolts*

Les anti-héros, ça fonctionne. Pourquoi ? Parce qu’ils sont humains, avec des défauts. Ce film aborde la santé mentale et est sorti pendant le mois dédié à cette cause. Thunderbolts* réunit plus qu’une équipe mais une famille. Avec des scènes d’action dignes des anciens Marvels, des personnages plus complexes, et une bande-son absolument folle (Bucky a enfin trouvé sa musique de super-héros). Alors oui, c’est un film de super-héros, mais c’est surtout un film qui fait du bien et nous rappelle que l’on n’est pas seuls.

La Plus Précieuse des Marchandises

Réalisé par Michel Hazanavicius, ce film est une œuvre d’animation bouleversant sur la Seconde Guerre mondiale. Adapté du roman de Jean-Claude Grumberg, il raconte l’histoire de deux êtres qui tentent de se protéger dans un monde dévasté. Il touche à l’innocence même, un enfant un être à protéger. Avec une cinématographie poignante et une bande-son inoubliable, le film nous touche profondément. Porté par des voix comme celles de Jean-Louis Trintignant et Dominique Blanc, il rappelle l’importance du souvenir. Un film essentiel, qui mérite sa place.

Mémoires d’un escargot (Memoir of a Snail)

Réalisé par Adam Elliot, ce film d’animation en pâte à modeler casse les codes. Ce long-métrage australien, destiné à un public adulte, raconte l’histoire de Grace Pudel, une jeune femme solitaire passionnée d’escargots, qui trouve un nouvel élan après la perte de son père et la séparation avec son frère jumeau, grâce à sa rencontre avec Pinky, une octogénaire excentrique. Le film se distingue par son esthétique unique, mêlant minimalisme et folie. Mémoires d’un escargot est une exploration touchante de la résilience humaine et de la quête de soi. Un film profondément émouvant, qui s’impose comme un chef-d’œuvre.

Dragons

Si vous avez aimé l’animation, vous allez adorer le live action. Il a été placé ici pour sa prouesse technique, avec des VFX et des effets spéciaux parfaitement réussis. Les dragons sont incroyablement réalistes. Visuellement époustouflant, le film nous plonge dans un univers où la mythologie nordique se mêle à l’amitié. La séquence de vol est parfaitement réalisée, offrant un bel hommage à l’original. La bande-son originale reste aussi puissante que jamais. Un excellent remake live action, fidèle à l’animation (en même temps même réalisateur, Dean DeBlois), qui parvient à séduire aussi bien les adultes que les enfants. Preuve qu’il est possible de réussir un remake tout en restant fidèle à l’œuvre d’origine.

Beetlejuice Beetlejuice

He’s back ! Que ce soit avec son univers déjanté ou sa direction artistique ultra-colorée, Tim Burton ne cache pas son talent. L’humour noir et les situations absurdes sont bien présents ! On retrouve des clins d’œil au premier film, une musique électro-gothique et, bien sûr, le style Burton qui nous fait vivre dans son monde décalé de morts-vivants. Les acteurs du premier film sont de retour, avec en prime la talentueuse Jenna Ortega. Michael Keaton est plus que parfait dans son rôle, et la magnifique Winona Ryder ajoute une touche magique. Un vrai délice, à la fois étrange et captivant. On a hâte de découvrir le prochain opus pour clore cette saga !

Partir Un Jour

Ce film d’Amélie Bonnin met l’accent sur l’aventure humaine et l’évasion. Partir Un Jour raconte l’histoire d’une jeune femme en quête de sens qui décide de tout quitter pour partir à l’aventure. Entre paysages désertiques et forêts luxuriantes, la caméra capte chaque émotion, chaque souffle de vent. Un appel à l’évasion et à la recherche de soi, soutenu par une bande-son envoûtante qui vous prend aux tripes. Un court-métrage devenu film, qui raconte plus qu’il en y parait, un film qui se fait se demander “Qu’est-ce que je veux vraiment ? “

Superman

Dans une version plus humaine et plus colorée du super-héros classique, James Gunn rend hommage aux comics de Stan Lee. Ce n’est pas seulement un super-héros américain, mais un être plus vulnérable, qui aspire à la paix pour tous. Lois Lane, avec son caractère bien trempé, apporte une vraie touche de fraîcheur. Le film est un véritable cri de liberté, un mélange de punk rock, d’espoir et d’humanité. Et si vous aimez les chiens, vous allez adorer Krypto. Quant à la musique de Hans Zimmer, elle transforme chaque instant en un moment intemporel !

L’Amour Ouf

L’Amour dans tous ses états, mais version 2025 ! Réalisée par Gilles Lellouche, L’Amour Ouf est une comédie romantique qui déconstruit les clichés. L’histoire est à la fois drôle et d’une sincérité qui touche profondément. Encore un film d’amour ? Non, un film avec une vraie cinématographie, une direction artistique soignée, des plans qui feront rêver certains d’entre vous, et des couleurs pleine de sens. Les plans-séquences sont d’une grande finesse et, surtout, le film respecte à la fois les spectateurs cinéphiles et ceux qui ne le sont pas.

Lelia Tostivint

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Ah, le Festival de Cannes ! Ce rendez-vous mythique où le cinéma mondial se donne rendez-vous, où les stars défilent sur un tapis rouge plus long qu’une soirée Netflix, et où les dramas coulent à flot… autant à l’écran que dans les coulisses. Mais au-delà des flashs et des robes de gala, ce festival a une histoire aussi riche que… parfois rocambolesque.

La revanche sur Venise

En 1938, un député français propose de créer un festival international plus démocratique… mais surtout plus français. C’est en 1939 que Cannes a été créé. Oui, tu as bien lu : juste avant la Seconde Guerre mondiale. Pas le meilleur moment pour organiser un festival international.

Pourquoi Cannes ? Parce que Venise, le festival « cool » de l’époque, avait tendance à privilégier les films italiens (le favoritisme, tu connais). Alors la France a décidé : “Ok, on va faire pareil, mais en mieux.”

Le premier festival a été annulé à cause de la guerre (comme si on ne l’avait pas vu venir). Mais en 1946, Cannes est enfin lancé pour de bon. Et là, c’est la fête… même si à l’époque, il fallait un ticket pour voir les films (et pas un pour le tapis rouge, on est encore loin du glamour). Le festival est un véritable feu d’artifice culturel : premières projections publiques, jury international, et des films venus du monde entier. Mais attention, c’est loin d’être la fiesta permanente : on est en pleine guerre froide, et la politique se mêle déjà du festival. Certains films soviétiques ou américains sont boycottés, et le festival devient un terrain de jeu diplomatique.

Les années 60-70 : entre art et contestation

Cannes, c’est aussi le berceau de la Nouvelle Vague française, avec des cinéastes comme Godard, Truffaut ou Rohmer qui chamboulent les codes du cinéma. C’est là que le cinéma devient audacieux, casse les règles et provoque.

En 1968, le festival est carrément suspendu à cause des événements de Mai 68 en France. Les réalisateurs, à la place de remettre des prix, ont préféré faire grève pour protester. Oui, Cannes a eu son “lockdown” bien avant tout le monde. Ce moment montre que le festival n’est pas qu’une vitrine, mais un lieu où la contestation politique se mêle au cinéma.

Dans les décennies suivantes, Cannes devient la scène idéale pour lancer des carrières internationales. Des acteurs comme Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, ou plus récemment Marion Cotillard ont foulé son tapis rouge. Mais Cannes, c’est aussi une usine à scandales : disputes entre réalisateurs, films censurés, jurys divisés, robes trop courtes ou trop extravagantes, ou stars qui oublient de remercier le jury (traître !). … Chaque année, Cannes, c’est aussi un soap opéra à ciel ouvert.

Aujourd’hui ,

Cannes, c’est LE lieu où se mélangent les genres, les cultures et les talents. Des blockbusters hollywoodiens aux films d’auteur plus intimistes, tout le monde peut (en théorie) trouver sa place. Le festival essaie aussi de devenir plus inclusif et engagé : plus de films de réalisatrices, plus de sujets sensibles abordés, plus de débats sur l’avenir du cinéma. Bon, il reste encore du boulot, mais les mentalités bougent. Et puis, Cannes, c’est aussi une énorme machine économique : hôtels blindés, soirées ultra privées, deals à plusieurs millions, et… selfies impossibles à éviter.

Malgré ses défauts et son côté parfois trop bling-bling, Cannes reste un carrefour incontournable du cinéma mondial. C’est là que les films qu’on va adorer (ou détester) sont révélés au grand public. C’est aussi un laboratoire de tendances : quels sujets, quels styles, quelles stars émergent ? Quel cinéma va faire vibrer les prochaines années? Et surtout, Cannes, c’est un peu le festival du rêve, où le septième art est célébré dans toute sa splendeur, avec ses hauteurs de vue et ses dérapages bien humains.

Lelia Tostivint

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Publiée le 25 June 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le cinéma, c’est avant tout une histoire de transmission. De gestes, de regards, de voix passées de génération en génération. Derrière chaque image qui captive, chaque émotion qui bouleverse, il y a des “mamans” et des “papas”, pas ceux qui jouent ou dirigent, mais ceux qui portent la mémoire, la passion, et la force invisible du 7e art.

Les Mamans du cinéma

Elles portent en elles la capacité rare d’ouvrir le cœur des histoires. Qu’elles soient réalisatrices, scénaristes, ou simplement premières admiratrices, elles insufflent une humanité profonde aux récits. Dans leurs mains, les mots prennent vie, les silences deviennent palpables, et les personnages se dévoilent dans leur fragilité et leur grandeur.

Mini zoom : Agnès Varda, la “grand-mère de la Nouvelle Vague”

Pionnière et artiste sensible, Agnès Varda a su bousculer les codes du cinéma avec douceur et audace. À travers ses documentaires et fictions, elle a raconté les vies ordinaires avec une poésie unique, mêlant engagement politique et tendresse humaine. Son œuvre, pleine de regards bienveillants et de curiosités infinies, nous rappelle que le cinéma est aussi un acte d’amour porté aux invisibles, aux oubliés, aux femmes, aux marges.

Les Papas du cinéma

Les papas du cinéma construisent des mondes. Ils sculptent la lumière, orchestrent les mouvements, dessinent l’espace. Ils sont souvent ceux qui initient, qui préparent le terrain, qui veillent sur les fondations du récit. Leur héritage, c’est une invitation à voir autrement. Des visions audacieuses de Kubrick à des envolées émotionnelles de Coppola, ou encore des explorations intimes d’un Terrence Malick.

Mini zoom : Jean-Luc Godard, le révolutionnaire de l’image

Icône de la Nouvelle Vague, Godard a bouleversé les règles du cinéma avec son style inclassable et son regard politique incisif. Ses films déstructurent le récit, jouent avec le montage, et interrogent le spectateur sur le sens même du cinéma. En père du cinéma moderne, il a montré que l’image est aussi un langage, une arme, une poésie en mouvement. Godard, c’est l’art de faire du cinéma un acte de liberté et de pensée critique.

Le cinéma finalement c’est un peu une famille ! Au-delà des rôles, le cinéma se vit comme une famille fragile et passionnée, où chaque membre apporte sa pierre à l’édifice. C’est une alchimie entre force et vulnérabilité, autorité et tendresse, maîtrise technique et poésie. À travers eux, nous comprenons que réaliser un film, c’est un acte d’amour, un don où l’on transmet un fragment d’humanité, une part de vérité, un éclat d’éternité.

Donc en cette fête des mères et des pères, célébrons ces bâtisseurs silencieux, ces passeurs de rêves, ces gardiens du feu sacré du cinéma. Ils nous rappellent que, derrière chaque chef-d’œuvre, il y a une histoire d’héritage, de confiance, et surtout d’amour. Parce que le cinéma, au fond, c’est ça : un regard que l’on reçoit, que l’on transmet, que l’on partage.

Bonne fête aux mamans et papas du cinéma, celles et ceux qui font battre le cœur du grand écran.

Lelia Tostivint

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Publiée le 5 May 2025

 

 

 

Passer de Connell, un mec qui a de gros problèmes de communication, à un Gladiator, en passant par un jeune papa totalement paumé, Paul Mescal a à son épée une belle filmographie. Alors z’est parti pour zoom sur l’un des acteurs les plus prometteurs de notre génération ! 

 

 

 

 

 

Avant d’être le chouchou des festivals et des plateaux, Paul Mescal aurait pu rester un athlète prometteur. Né le 2 février 1996 (un verseau ahah !) à Maynooth, en Irlande, Paul jouait au football gaélique (c’est un mélange de football, rugby, volleyball et de basket, une bonne tourte à la Guinness ! ) à un niveau compétitif. Mais bam , une blessure à la mâchoire l’a forcé à réévaluer ses plans (ça change de Neymar !). 

Et là, coup de théâtre (littéralement) : il troque le ballon pour les planches et s’inscrit à la Lir Academy, une école de théâtre de Dublin. Diplômé en 2017, il débute sur scène dans des classiques comme The Great Gatsby et A Midsummer Night’s Dream. Mais c’est à l’écran que sa magie opère. 

Normal People

En 2020, Paul décroche le rôle de Connell Waldron dans Normal People, une adaptation du roman de Sally Rooney. Connell, c’est le mec réservé, introverti, et tellement attachant qu’il te brise le cœur juste en baissant les yeux (oui, je suis toujours trauma de cette série). La série, diffusée sur Hulu et BBC Three, explore sa relation compliquée avec Marianne (Daisy Edgar-Jones). Les émotions à fleur de peau, les silences pesants et… le fameux collier en argent (oui, lui aussi est devenu une star ), tout dans la performance de Paul est magnétique.

Pourquoi ce rôle l’a propulsé ?  Car Normal People met en lumière la complexité des relations modernes avec une authenticité rare. La série a marqué une génération et lancé des discussions sur la masculinité, la santé mentale, et les relations amoureuses. Paul, lui incarne un jeune homme en lutte avec son identité et sa santé mentale, un sujet encore trop peu abordé de façon aussi sensible. Ce qu’il lui a valu une nomination aux Primetime Emmy Awards, et il devient un sex-symbol malgré lui. Spoiler : il est bien plus que ça.

 

Filmographie

Après Normal People, Paul aurait pu se contenter d’être “le mec sensible de la télé”. Mais non, il attaque des rôles cinématographiques variés et ambitieux : 

• Aftersun (2022) : Il joue un jeune père dévasté par des troubles mentaux, dans un film déchirant qui te laisse en miettes émotionnelles. Nominé aux Oscars, merci. 

• The Lost Daughter (2021) : Petit rôle mais big impact, aux côtés d’Olivia Colman. Tu le regardes et tu te dis : “Mais pourquoi il est aussi bon en trois scènes ?” 

• God’s Creatures (2022) : Un homme accusé de crimes graves. Nuances, dilemmes moraux… Paul brille dans les zones grises. 🌫️ 

• Carmen (2023) : Un opéra revisité version cinéma. Paul joue un ex-marine américain qui tombe sous le charme de Carmen, une femme pleine de passion et de mystère. Entre danses hypnotiques et paysages désertiques, il montre qu’il peut aussi être intense et romantique. Mais bon, soyons honnêtes, Carmen était un peu un warm-up pour… 

⚔️ Gladiator 2 (2024) ⚔️ : Là, on est sur du lourd. Paul endosse le rôle de Lucius, le fils de Lucilla (Connie Nielsen) et neveu de Commode (Joaquin Phoenix). Suite de l’épopée de Ridley Scott, le film plonge Lucius dans des intrigues politiques et des batailles colossales au Colisée. Paul passe de “guy next door” à “guy with a sword” sans broncher. Est-ce qu’on est prêt pour ce niveau d’intensité ? Non, mais on le suivra dans l’arène quand même. 🐾 

 

Vous allez me dire, c’est bon on a compris le mec monte depuis 4 ans, pas besoin d‘en faire toute un fromage. Où est l’icône de notre génération ?  

N’avez-vous jamais rêvé d’un acteur qui est à l’écoute et qui joue avec authenticité ? Paul dégage une “vibe” humble, loin du star-system hollywoodien bling-bling. Il reste ce gars irlandais qui parle de ses rôles avec sincérité, et ça nous touche. 

N’avez-vous jamais rêver d’un acteur “caméléon” ? Qui sait tout jouer ? 

 

Paul privilégie les projets avec du sens et des thèmes profonds. Il peut être un étudiant introverti, un jeune papa paumé, ou un guerrier antique. Il incarne chaque rôle avec un réalisme désarmant.  

 

Alors oui, on aurait pu parler de Zendaya, de Timothée Chalamet ou encore de Barry Keoghan…mais Paul Mescal, c’est l’acteur qui donne envie de croire au pouvoir des bonnes histoires. Qu’il joue dans un drame intimiste ou un épique historique, il nous rappelle que le cinéma, c’est avant tout un art de l’émotion.  

Alors, étudiants en cinéma, prenez note : trouver vos acteurs à l’acting authentique. 

 

Et toi, tu paries combien qu’il aura un Oscar dans les 5 prochaines années ? 

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Publiée le 30 April 2025

Après des études de gestion dans une école où il se sentait « comme un fantôme », Tristan Séguéla décide de se consacrer à sa vraie passion : l’image. Débrouillard, il s’empare d’un camescope Sony et se lance dans de petits documentaires, tournés avec les moyens du bord. « Le plus important, c’est que je faisais », dit-il. « Je me sentais encore très loin de la fiction et le cinéma me semblait un territoire lointain. » En 2000, il traverse les États-Unis pendant trois mois pour filmer la campagne présidentielle : ces images deviendront November, USA, documentaire de 52 minutes autoproduit et vendu à la chaîne Canal Jimmy. Une première victoire pour le jeune réalisateur.

À partir de là, il se passionne pour le documentaire politique. « J’avais beaucoup d’admiration pour Raymond Depardon et Errol Morris et, de manière générale, les documentaristes d’observation », reprend-il. En 2001, il propose de suivre Lionel Jospin, pendant la campagne présidentielle : Les Communicants (2003), diffusé sur France 5, est très accueilli par la presse. « J’avais montré le film à la journaliste Raphaëlle Bacqué, du Monde, et elle avait consacré toute la Une du journal au film. Ça m’a donné une grande confiance que le documentaire soit reconnu. »

Dans le même temps, pour gagner sa vie, Tristan Séguéla tourne des clips et des publicités. C’est ainsi qu’il devient réalisateur attitré du DJ Martin Solveig avec qui il lance une série de petits films diffusés – Smash – diffusés sur YouTube. « C’était le début de YouTube et la série, tournée dans des décors incroyables, a eu un grand retentissement », poursuit Séguéla. « Je suis alors passé du camescope à l’appareil photo Canon 5D avec lequel j’ai fait tous les clips de Martin. » L’occasion, aussi, de se frotter à la fiction : « Martin voulait que je mette en scène de petites saynètes de comédie, dont j’étais l’unique cadreur et preneur de son, et le canal 5D me permettait d’avoir un ‘style cinéma’. » Le succès est tel que certains épisodes de Smash recueillent plus de 100 ou 150 millions de vues.

Remarqué par un producteur de cinéma qui recherchait un réalisateur pour un premier long métrage, il commence par refuser le projet car il n’a pas envie de s’embarquer dans une comédie. Mais il se ravise et finit par tourner le film, 16 ans ou presque (2013), avec Laurent Lafitte. C’est d’ailleurs sa rencontre avec ce dernier qui donne naissance au projet sur Bernard Tapie… qui mettra dix ans à se concrétiser. « C’est le projet qui m’a demandé le plus de travail et qui m’a le plus exalté », confie-t-il. « C’est aussi celui qui ressemble le plus à l’idée que je me faisais du métier que je rêvais de faire quand j’avais 12 ans. » Coécrite avec

Olivier Demangel, la série Tapie, diffusée sur Netflix, remporte un immense succès public et critique.

Entretemps, Tristan Séguéla aura réalisé Rattrapage (2017), autre comédie régressive qui, malheureusement, ne trouve pas son public. Puis, il écrit et réalise Docteur ? (2019), avec Michel Blanc, qui connaît un joli succès en salles, et Un homme heureux (2023), qui réunit Fabrice Luchini et Catherine Frot. Son dernier film, Mercato, autour d’un agent de joueurs de football à la dérive, est sorti en salles cette année. Porté par Jamel Debbouze, le projet est accueilli par le réalisateur comme un « véritable cadeau. » Un film, construit comme un thriller extrêmement soigné, qui révèle Jamel Debbouze dans un registre totalement inédit.

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Publiée le 21 April 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Si vous êtes un passionné de cinéma, vous avez sûrement remarqué un phénomène intéressant : les enfants d’acteurs célèbres (comme Belmondo) suivent parfois les pas de leurs parents dans l’industrie. Et cela n’est pas une simple coïncidence. Dans des familles où la scène et l’écran sont des éléments centraux, il est difficile de ne pas être attiré par ce monde. 

Victor Belmondo

Prenez l’exemple de Victor Belmondo, petit-fils du légendaire et aimé Jean-Paul Belmondo. Bien que la question du “né sous une bonne étoile” soit fréquemment soulevée, l’héritage familial joue un rôle fondamental dans le parcours de nombreux jeunes acteurs. Victor, qui a grandi sous l’œil du grand public, porte un héritage énorme (et peut-être pesant ?). Mais ce n’est pas seulement son nom qui attire l’attention. C’est sa capacité à incarner une forme de cinéma qui perpétue le style de son grand-père tout en y ajoutant sa propre touche personnelle. Le cinéma français a évolué, et la nouvelle génération d’acteurs comme Victor doit trouver son propre équilibre entre hommage et innovation et il le fait avec brio ! 

Ce phénomène d’héritage ne se limite pas à la famille Belmondo. Il touche aussi des enfants d’autres légendes comme Maya Hawke, fille d’Ethan Hawke et Uma Thurman. Maya a grandi dans un univers où le cinéma et les arts étaient omniprésents. Pourtant, elle n’a pas suivi un chemin tout tracé. Elle a su se faire un nom grâce à son talent, prouvant que même avec un nom aussi connu, il faut une bonne dose de travail acharné et de persévérance pour briller. Son parcours dans Stranger Things en est un exemple frappant : elle n’est pas seulement la fille de ses parents, elle est une actrice à part entière (et également une chanteuse à la voix divine). 

Patrick Schwarzenegger

Arnold Schwarzenegger, l’un des plus grands noms de l’action, a vu son fils, Patrick, se lancer également dans une carrière d’acteur et de modèle. Mais tout comme ses homologues, Patrick ne repose pas uniquement sur l’héritage familial. Bien qu’il bénéficie d’un nom, il doit également convaincre le public par son talent, prouvant que même les “enfants de” doivent se battre pour une place sous les projecteurs. 

Dans tous ces cas, l’héritage joue un rôle double. D’un côté, il sert de tremplin pour accéder à l’industrie, mais d’un autre côté, il porte un fardeau considérable. Les enfants de ces grandes stars doivent non seulement prouver qu’ils ont leur propre identité, mais aussi qu’ils respectent et transcendent l’héritage laissé par leurs parents. Dans l’industrie cinématographique actuelle, où la compétition est plus rude que jamais, l’héritage familial peut être à la fois un privilège et un défi. Mais au final, ce sont leurs talents qui feront leur succès ! 

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