Quand on se lance dans l’univers passionnant du cinéma, on ne peut pas échapper à quelques petites problématiques sur les tournages, mais vraiment très drôles à raconter. Aussi préparé qu’un réalisateur puisse être, un tournage est toujours bourré d’imprévus : c’est ce qui fait tout le charme de cette profession. 

L’ESIS : entre pratique et improvisation  

À l’ESIS, on prépare les cinéastes de demain. Les étudiants sont mis dans des situations professionnelles, avec du matériel actuel, et supervisés par des intervenants encore en activité dans le secteur. Et pourtant, aussi préparé que l’on puisse être, que ce soit en tant qu’étudiant ou en tant que professionnel certifié, on n’évite pas les maladresses ou pire : les imprévus.  

Contraintes liées au terrain, accidents de plateau, aléas en tout genre : la vie de réalisateur, de caméraman, de scénariste, de costumier, ou de mixeur est jonchée de surprises plus ou moins bonnes. Nos étudiants, qui réalisent chaque année de nombreux projets, connaissent bien cette difficulté. 

C’est d’ailleurs l’un des buts de tous ces projets : apprendre aux étudiants l’art subtil de l’improvisation. Une discipline subtile mais ô combien appréciée des cinéastes et pour cause ! Quand toute l’équipe est capable de faire avec les moyens du bord, ça donne non seulement un tournage exceptionnel, mais aussi des anecdotes incroyables. 

6 anecdotes de tournage 

Quand on voit des films aussi travaillés, avec une post-production aussi perfectionnée, on a bien du mal à imaginer les scènes rocambolesques qui se sont déroulées hors champ (ou carrément face caméra d’ailleurs). Et pourtant, derrière tous ces grands films, quasi–intemporels, se cache toujours au moins une petite histoire de tournage. Dévoilées par les acteurs ou les réalisateurs, ou carrément gardée au montage, ces anecdotes sont ensuite soigneusement répertoriées sur IMBD (une base de données en ligne sur le cinéma, la télévision et les jeux vidéo), Wikipédia et même Allociné (un service de la société Webedia qui à l’origine donnait des informations sur les programmes télévisés ou cinématographique via un numéro de téléphone, d’où le nom). 

Et maintenant, place aux anecdotes ! 

1. Les figurants à quatre pattes 

Dans Charlie et la Chocolaterie (2005), Tim Burton a fait appel à des figurants un peu particuliers pour la fameuse scène de décorticage de noisettes : des écureuils. Il ena fait dresser une quarantaine rien que pour cette seule et unique scène qui dure à peine 2 minutes si l’on prend en compte la danse des OompasLoompas. Ramenée à l’échelle du film (1h55), cette scène est ce que l’on appelle de l’investissement. (Et, oui, cette scène aurait pu être faite en post-production, via des effets spéciaux). 

D’ailleurs, dans la version de 1971 du film, l’acteur principal (Peter Ostrum) n’a joué que ce seul et unique rôle, puis est devenu vétérinaire.  

2. Baleine + âne = brachiosaure, …  

Toujours dans le thème du royaume animal, le producteur de Jurassic Park (Steven Spielberg) s’est donné beaucoup de mal pour trouver le cri parfait du brachiosaure. Le choix final ? Une combinaison bien particulière entre les cris d’une baleine et d’un âne. Et ce combo fonctionne à la perfection. 

3. Google vs.Yahoo 

Vous saviez que dans les films, les méchants n’ont pas le droit d’avoir un Iphone ? C’est une demande spécifique de la marque. Eh bien, le film Benjamin Gates et le Trésor des Templiers poussent la règle encore plus loin : les gentils de l’histoire utilisent Google, et les méchants Yahoo. 

4. Interdiction de couper ! 

En 1999, alors que Harvey Weinstein reprend le film d’animation Princesse Mononoké pour l’adapter au marché américain, le réalisateur original Hayao Miyazaki lui fait parvenir un cadeau qui dépasse de loin la barrière de la langue. Quelle ne fut pas la surprise de monsieur Weinstein en découvrant un katana accompagné d’un petit mot : “Pas de coupure”. (Parce que, oui, il a été question en off de passer d’un film de 135 minutes à 90… ce qui n’était pas vraiment du goût de Miyazaki : réaction disproportionnée ? Probablement. Efficace ? Assurément.) 

5. Une histoire de lunettes 

À votre avis, combien de paires de lunettes est-il possible de porter en une seule saga ? Pour Daniel Radcliffe, le chiffre s’élève à plus de 160 sur l’ensemble des films Harry Potter. On ne sait pas s’il s’agit d’un record (sûrement), mais ça reste tout de même une très belle performance. 

6. Alien surprise 

Comment ne pas se souvenir de cette scène emblématique (et un peu surprenante il fait bien l’admettre), dans Alien, le huitième passager ? Celle où ce fameux huitième passager sort littéralement du ventre de l’un des membres de l’équipage (John Hurt). En tout cas, les autres acteurs ne risquent pas de l’oublier pour la simple et bonne raison qu’ils n’étaient pas au courant ! Un épisode sanglant un peu surprenant, qui a su déclencher des cris plus vrais que nature. Et oui, Ridley Scott (le réalisateur)étaitfier de son coup. 

Depuis quelque temps, les années 70, 80 et 90 reviennent en force au cinéma mais aussi et surtoutsur les plateformes de streaming.Les séries sont tellement appréciées que leurs bandes son se hissent dans les toplistes d’écoutes de Deezer et Spotify, ranimant avec elles des titres oubliés, pour la plus grande joie des mélomanes. Et dans ce domaine, Netflix en particulier excelle. 

Des titres rétros en bande son

Si beaucoup de films et de séries font le choix de créer une bande son originale pour marquer les esprits, une grande majorité achète les droits d’auteur et de diffusion de musiques préexistantes et/ou prennent des morceaux libres de droits ou tombés dans le domaine public (70 ans après le décès de leur créateur).

Pour intégrer une musique non libre de droits dans sa série, un réalisateur se doit d’obtenir toutes les autorisations nécessaires : auprès de l’éditeur, du créateur du titre, et de son ou ses interprètes (d’autant plus s’il s’agit d’une reprise). Souvent, un titre implique plus de personnes que l’on ne pourrait le penser au premier abord, il est donc essentiel de s’assurer de l’accord de chacun d’entre elles, sous peine de poursuites légales.

À l’ESIS, les étudiants apprennent à connaître tous les tenants et aboutissants qui entourent l’achat des droits d’une musique ou d’un album.

Tendance années 80

Parmi tous ces titres exhumés de l’histoire de la musique, on retrouve surtout des titres des années 80. Il faut dire que les séries les plus populaires, en ce moment, se déroulent également à cette période. On peut citer par exemple StrangerThinges, un des succès de la plateforme de streaming du géant américain. 

Même si les réalisateurs n’ont pas vécu dans les 80’s, ils en ont la nostalgie : coupe de cheveux en pétard, couleurs flashys et boules disco. Les années 80 apparaissent presque comme un passé idéaliste (ou au moins idéalisé) : ce qui explique leur popularité.

5 musiques redevenues cultes 

C’est d’autant plus vrai aujourd’hui : on ne peut pas se contenter de regarder une série, il faut aussi en apprécier la bande son.Dans ce domaine, Netflix règne : ses bandes sons sont particulièrement appréciées. 

Écrit par Harry Nilsson en 1971, ce titre sert de chanson d’ouverture de l’album Nilsson Schmilsson. Le thème abordé : la transition entre jeunesse insouciante et adulte responsable. Une chanson qui sert de point d’encragedans la série Netflix “Poupée Russe”. Cette dernière met en scène l’actrice Natasha Lyonne, confrontée à une boucle temporelle dans laquelle elle meurt et renaît. GottaGet Up en devient la musique emblématique en 2019 (une bonne partie du budget de la série est d’ailleurs passée dans l’achat des droits de diffusion d’après les déclarations de Natasha Lyonne elle-même). Le titre est également repris en 2020 dans la saison 32, épisode 4, des SimpsonHorror Show XXXI.  

Juste après la sortie de Poupée Russe, GottaGet Up passe de 8 000 lectures à 216 000, soit une augmentation de flux de recherche de 2 466% (chiffres communiqués par Nielsen SoundScan). 

2. GooGooMuck (1981) 

Grâce à la série Mercredi (Wednesday en version originale), c’est le second titre de l’album Psychedelic Jungle (1981) des Cramps qui retourne sur le devant de la scène.Il ne s’agit pas d’un titre original mais d’une reprise.Lachanson est tout de même arrivée à la 26e place (sur 100) du classement Spotify des titres les plus écoutés dans le monde, remettant par la même occasion “la danse gothique” aux goûts du jour. TikTok s’est même emparé de la danse, ce qui a également beaucoup contribuer à ce magnifique retour sur scène de GooGooMuck. 

3. Fever (1956) 

Sortie pour la première fois en 1956, et interprété par R&B Little Willie John. La musique connait un grand succès et des critiques élogieuses. Elle est d’ailleurs reprise par un certain nombre d’artistes, entre autres Peggy Lee, dont la version reste la plus connue du grand public. C’est aussi l’interprétation de Peggy Lee qui est utilisée dans le Jeu de la Dame. 

4. Master of Puppets (1986) 

La saison 4 de StrangerThings a battu presque tous les records d’audience de Netflix : sa bande son a beaucoup aidé. C’est loin d’être la seule musique que la série a rendue à nouveau populaire, mais les résultats sont particulièrement frappant : les taux d’écoute ont augmenté de 325% sur Deezer après la diffusion du dernier épisode de la saison. D’ailleurs, le groupe d’origine, Metallica, a même officiellement remerciéla série d’avoir utilisé ce titre, via un tweet. 

Eddie Munson’s Upside Down Guitar GOD Scene – Master of Puppets | Stranger Things | Netflix 

5. Running Up That Hill (1985) 

Une fois encore, ce titre doit son grand retour à StrangerThings. Bien que, chronologiquement parlant, cet épisode arrive bien avant le solo de guitare de Master of Puppets, c’est le record d’audience le plus marquant. Grâce aux nouvelles écoutes à la sortie de la saison 4 de StrangerThings, Kate Bush (l’interprète originale de la musique) aurait touché 2,3 millions de dollars (chiffre annoncé par CBS). Une remontée dans les classements d’autant plus étonnante que le titre n’avait jusqu’à présent pas eu énormément de succès. 

Il était une fois, dans l’univers enchanteur du cinéma, une étape à franchir. Elle est aussi attendue que redoutée : l’organisation des castings. Sans castings, pas d’acteurs. Pas d’acteurs, pas de tournage. Pas de tournage, pas de film. Pas de film… pas de film. C’est un moment clé dans la vie d’un réalisateur. Le choix des acteurs doit être rigoureux, car il en va de la réussite du film. Organiser un castingest bien un art à part entière. 7 étapes pour comprendre.

Étape 1 : la première préparation

Avant de commencer quoi que ce soit, il est très important de bien se préparer en amont. Sur la check-list : définir de façon très claire les objectifs, les postes à pourvoir pour les acteurs (combien de rôles principaux, secondaires et de figurants), et quelles sont les ressources dont vous aurez besoin. Il faut savoir exactement quels sont les talents que vous recherchez et élaborer un budget (attention à être réaliste lors de cette estimation, il faut pouvoir être sûr de tenir ce budget).

Étape 2 : annoncer le casting 

C’est le premier contact que vous aurez avec vos futurs acteurs, il faut donc prendre un soin tout particulier dans la formulation de votre annonce de casting. C’est un véritable travail de promotion. La raison ? Plus une annonce donne envie, et plus votre casting attirera de talents (ce qui vous laisse le luxe de faire un choix). L’ESIS a bien conscience de l’importance de la communication dans le cinéma, c’est pourquoi l’école propose (parmi sa large gamme de formations) un Mastère Communication et Production Cinématographique.

À noter : idéalement, votre annonce comporte au moins les éléments suivants. 

• La période/les dates précises du tournage 
• Les lieux de tournage 
• La description des rôles disponibles (autant physique que psychologique) 
• Le synopsis (qui résume le projet)

Si les étapes 1 et 2 se sont bien déroulées, alors vous devriez vite voir arriver les premières candidatures. Selon ce que vous avez demandé comme éléments, il faudra alors se mettre à étudier rigoureusement les CV, les portefolios, les démos et autres books qui vous auront été envoyés. Si votre communication était bonne, alors il y a des chances que vous crouliez sous les mails, c’est pourquoi il vaut mieux ne pas donner son adresse personnelle mais bien celle professionnelle. Il est même conseillé de se créer une boîte mail exclusivement réservée au casting, et de trier les réponses dès la réception : par pertinence, par personnage, etc.

Étape 4 : finaliser l’organisation du casting 

Après avoir contacté les candidats dont les documents ont retenu votre attention pour leur demander leurs disponibilités et vous être assuré que le projet les intéresse toujours, vous pourrez définir la date du casting ainsi que le lieu. Si vous êtes étudiant à l’ESIS, rien de plus simple pour la localisation : les salles sont à disposition des étudiants. Ils ont la possibilité de les réserver en se rendant au bureau de l’administration. 

Étape 5 : les auditions 

Place à une étapeimportante d’un casting : le passage des auditions. Il faut savoir accueillir les candidats, les mettre à l’aise pour qu’ils puissent donner la meilleure interprétation du texte que vous leur avez transmis, préparer vos questions pour cerner leur caractère… Même si vous allez prendre des notes pendant toute la durée de l’entretien, il est très conseillé de filmer les auditions afin de bien restituer chaque performance. Vous pouvez également les encourager à parler du rôle pour lequel ils auditionnent, pour voir s’ils ont bien compris la psychologie du personnage ou s’il y a des points qu’ils souhaitent éclaircir. Ça peut aussi être une très bonne occasion pour vous de remanier le rôle. 

Étape 6 : la sélection 

Forcément, après les auditions, c’est l’heure de la sélection. Quelles sont les performances qui vous ont le plus marqué ? Quel tempérament correspondait le plus au rôle proposé ? Quels étaient les différents points de vue concernant le projet, la psychologie des personnages ? C’est la décision finale, alors, mieux vaut ne pas se rater ! Le réalisateur, même s’il a souvent le dernier mot, ne doit pas pour autant choisir seul. Il doit délibérer avec son équipe. Il peut même nommer un directeur de casting, qui l’accompagnera dans tout le processus de recrutement. Un petit plus qui peut démarquer un candidat d’un autre : si son caractère match bien avec ceux de l’équipe de production, après tout, ils vont être amenés à se côtoyer un moment alors autant que ce soit dans la bonne humeur générale.

Étape 7 : choix et annonce 

C’est la toute dernière étape d’un casting : le moment est venu d’annoncer les candidatures retenues ! Alors, bien sûr, il faut appeler les acteurs que vous souhaitez embaucher pour leur annoncer la bonne nouvelle et les féliciter…mais pas que ! Il faut également bien penser à contacter les personnes qui ne sont pas retenues et leur fournir un retour constructif sur le pourquoi du comment.

La suite vous la connaissez déjà : transmission du scénario complet, lecture de texte, répétitions, tournages, etc., etc. Ces 7 étapes donnent une idée globale de ce à quoi doit ressembler un casting réussi, mais bien sûr, chaque projet a ses propres spécificités. À l’ESIS, les étudiants sont à la tête de tous leurs projets : que ce soit lors des étapes d’écriture du scénario, de casting mais aussi du tournage, de la post-production, des VFX, de la bande-son. Les étudiants s’entraînent dès leur première année de Bachelor. 

Parfois appelé VFX Composing Artist, le digital compositor travaille en post-production à la finalisation d’une œuvre audiovisuelle. Il assemble tous les éléments constitutifs des effets spéciaux (fond vert, éléments 3D, images de synthèse, etc) en vue de créer un plan qui correspond à la vision du réalisateur. Garant de la qualité esthétique et technique de son projet, quelles sont précisément les missions du digital compositor et comment s’y former avec succès ? 

Digital compositor : des missions inédites 

Le métier de digital compositor a émergé suite à la numérisation croissante du secteur de l’audiovisuel et à la technicité de l’industrie. Le passage au numérique a permis d’ouvrir la voie à la création digitale et a généré de nouveaux métiers : rigging artist, modélisateur, animateur 3D, etc. Dans l’industrie du cinéma, la production d’un film est alors scindée en fonction de chaque spécialité de métier, chaque technicien opérant dans sa spécialité en raison de la très haute technicité du secteur. 

Dans ce contexte, le digital compositor est chargé des opérations de digital composing, qui consiste à assembler des images numériques dans le but de proposer un plan final qui sera ensuite imprimé, filmé ou simplement affiché à l’écran. 

Le digital compositor poursuit donc une mission cruciale pour la qualité du projet sur lequel il travaille : la cohérence de l’ensemble du film. Le métier est jeune, car le digital compositor travaille principalement en post-production de films ou d’animations. Il intervient aussi sur des supports très actuels comme des infographies, des effets spéciaux, des dessins, des images de synthèse ou même des images numérisées issues d’un tournage. 

Il opère donc en post-production (à la fin du tournage) et sur des logiciels professionnels. En pratique, le digital compositor est en charge de la qualité visuelle des prises de vue de son projet. La mission consiste à les améliorer, à les agencer ainsi qu’à intégrer son dessin 3D au déroulé du film. 

Quelles sont les compétences nécessaires pour relever les missions du digital compositor ? 

Le digital compositor est un véritable expert des logiciels qu’il manipule. C’est notamment pour cette raison qu’il effectue une veille des évolutions technologiques de son secteur. Il doit être capable de recourir à toutes les dernières propositions sur les marchés en vue de garantir le niveau qualitatif de ses interventions. Pour relever toutes ses missions, le digital compositor maîtrise parfaitement les progiciels leaders du secteur : AfterEffect, Nuke ou Motion 5. 

Les sources sur lesquelles le digital compositor travaille sont multiples et variées et il doit être capable de produire des effets spéciaux pour les séquences d’animation qu’il va intégrer dans son projet audiovisuel. Il a pour mission de mélanger plusieurs sources d’images et de VFX en vue de proposer un ensemble visuel cohérent, il peut donc manipuler des prises de vue réelles obtenues pendant le tournage au même titre que des images de synthèse. Il peut alors créer des incendies, des créatures fantastiques ou des planètes inconnues dans un univers bi ou tridimensionnel. 

Il est en mesure de travailler avec tous les autres techniciens qui opèrent en post-production cinématographique. Il collabore donc avec les professionnels de l’animation 3D, du jeu vidéo ou de la production de cinéma. Par ailleurs, après son intervention en post-production, le digital compositor peut proposer à ses collaborateurs des conseils quant aux besoins de correction du projet. Par exemple, si lors de son intégration d’une image à un plan, il se rend compte que les couleurs doivent être améliorées, le digital compositeur peut se tourner vers le membre de son équipe (ou l’étalonneur) qui supervise le processus de la colorisation. 

Pour aller plus loin, le digital compositor fait partie des premiers techniciens de post-production à intervenir sur un projet, il bénéficie par conséquent d’une vision globale de l’œuvre. Il peut donc faire des propositions à tous les membres des équipes de retouche numérique à propos de l’utilisation d’une peinture mate ou d’une teinte pastel, s’il considère que ce choix aura un impact sur la cohérence visuelle générale de l’œuvre. 

Il a donc une vision complète du processus d’élaboration d’une œuvre audiovisuelle. Il maîtrise parfaitement la post-production et bénéficie de connaissances quant aux contraintes du personnel technique au moment du tournage. Par exemple, il connaît le principe des mouvements de la caméra et utilise cette connaissance en vue de retranscrire ces mêmes mouvements de manière réaliste et cohérente depuis son éditeur logiciel. 

Comment se former pour relever les missions du digital compositor ? 

Créatif et technique, le digital compositor est un amateur de cinéma qui dispose d’une grande culture générale dans le secteur. Il connaît les principes d’élaboration de l’écriture d’un montage, les techniques de la mise en scène et fait preuve d’une grande connaissance de l’histoire du cinéma. 

Pour développer toutes les compétences requises d’un digital compositor, il est important de suivre une formation au sein d’un établissement spécialisé en production audiovisuelle. Ce cursus doit permettre de découvrir les principes du montage numérique, de la post-production et de la création d’images de synthèse. 

Ses études doivent lui apporter des connaissances en étalonnage, ainsi que la maîtrise pratique et experte des progiciels du secteur : Maya, Nuke ou 3DFX. Considérant le niveau de compétences attendues d’un digital compositor, il est important de privilégier un cursus qui comprend un ou plusieurs stages en immersion. 

Grâce à ce type de pédagogie, les étudiants prennent en charge des missions de professionnels et cumulent une expérience sur le terrain en parallèle de leurs études dans le cinéma. Il est aussi important que le programme de formation soit orienté vers l’acquisition de compétences opérationnelles et qu’il développe plusieurs modalités de mise en pratique des apprentissages : conception d’une publicité, d’une short comédie ou d’un court-métrage, par exemple. 

L’ESIS propose un Bachelor en trois ans spécialisé en Cinéma et VFX. Grâce à sa pédagogie pratique, le cursus permet de trouver un débouché en tant que digital compositor dès l’obtention de son diplôme. 

Le digital compositor peut, dès sa sortie d’études, obtenir une rétribution aux alentours de 35 000 € annuels bruts. En fonction de la structure qu’il emploie et selon ses années d’expérience, son salaire peut augmenter jusqu’à 50 000 € annuels bruts. 

Comme chaque mois, les étudiants de l’ESIS rencontrent une personnalité emblématique, un professionnel du cinéma, du son, des effets spéciaux ou de la musique. Cette fois les étudiants ont eu l’opportunité de rencontrer Herald Najar qui vient présenter son métier : chef décorateur. 

L’importance des décors : entre imagination et réalité 

Qu’ils soient imaginaires, réalistes, originaux ou même historiques : derrière tous ces décors se cache un travail monstrueux : celui d’un chef décorateur.

Que ce soit pour le cinéma ou la télévision, son rôle est central. Il imagine, crée, et réalise les décors des plateaux de cinéma et/ou de télévision. Il ne doit pas uniquement prendre en compte les aspects esthétiques ou utilitaires du plateau mais faire un décor qui a du sens. Du sens pour l’histoire racontée, et l’ambiance voulue. Un décor qui immerge totalement le spectateur au cœur de l’action. Un décor qui sait éviter les anachronismes (une erreur qui consiste à placer un événement avant ou après sa date, ou en une confusion entre différentes époques).Le chef décorateur est à la fois concepteur et technicien, il fait les décors, les ambiances et les atmosphères des films. Ils ont le pouvoir très spécial de faire voyager dans le temps ou à travers les univers.

Pour Herald Najar, un chef décorateur est là pour « donner forme aux décors d’un scénario. » Souvent contacté par un réalisateur ou un producteur, il amène une « vision sur les volumes et les espaces » dans les lieux de tournages. Il estime la faisabilité d’un film. La préparation ainsi que la prise de contact avec les autres membres de l’équipe sont des étapes primordiales.

Un chef décorateur a de nombreuses missions et en voici une liste (non-exhaustive bien entendu) :

• Collaborer avec les équipes
• Définir la ligne artistique d’un décor : dessiner ou faire des maquettes 
• Estimer la faisabilité du projet : ressources, budget, règles historiques ou artistiques à prendre en compte 
• Assurer et superviser l’installation des décors

De son côté, et en amont du tournage, Herald Najar a pris l’habitude de travailler avec le chef opérateur. Il juge que « la photo et les décors sont vraiment liés. » Les phases se succèdent : liste et préparation du matériel ; repérage des lieux ; fabrication et mise en place des décors en suivant un plan de travail détaillé sur calendrier. Arrivent ensuite les comédiens et voici les décors envahis, mieux, ils prennent enfin vie. 

L’enjeu climatique dans la création de décors 

De nos jours, la création de décors prend un tournant auquel elle ne pouvait échapper. Le climat est un enjeu central, présent au cœur de tous les corps de métier. Pour Herald Najar, il s’agissait d’une question hautement importante à aborder avec les étudiants de l’ESIS, futurs acteurs du monde cinématographique. Dans l’idéal, il faudrait pouvoir fabriquer un décor rapidement, pour pas trop cher, et surtout, de façon éco-responsable. Pour le moment, aucune solution miracle n’a été trouvée, mais Herald Najar a sa petite astuce, déjà bien connue dans le milieu : les recycleries.

Les recycleries remplissent pratiquement toutes les conditions imposées : les décors sont effectivement moins chers (puisque pas neufs), ils ne demandent que peu de ressources à produire (dans le sens où les ressources de base ont été consommées pour le tournage d’origine, finalement, il ne fait que remplacer certaines parties, mais pas la structure complète), et elle est éco-responsable : acheter en recyclerie, c’est s’assurer qu’un décor ne soit pas jeté après une seule et unique utilisation. 

Le BTS Métiers de l’Audiovisuel est un diplôme d’État qui peut être préparé au sein des écoles spécialisées dans le domaine en vue de s’assurer de réussir les tests. Quasi-incontournable pour évoluer dans le secteur, il permet de travailler immédiatement ou d’intégrer les formations supérieures en audiovisuel et cinéma. Quels sont alors les avantages à opter pour un BTS Métiers de l’Audiovisuel en alternance ? 

Le BTS Métiers de l’Audiovisuel : un diplôme fait pour l’alternance ? 

L’alternance est une modalité d’apprentissage qui consiste à suivre un cursus à mi-temps. Le programme de formation est donc rythmé par des sessions d’apprentissage. Certains moments se déroulent au sein de l’établissement scolaire et d’autres en stage en immersion dans une entreprise du secteur. Il peut s’agir de suivre quatre jours par semaine en stage ou de bénéficier de deux mois complets en entreprise.

C’est une modalité pédagogique permettant aux étudiants de se confronter très rapidement avec les réalités pratiques de leur futur métier. Dans le cadre de l’alternance, ils évoluent auprès des professionnels et se constituent rapidement de véritables compétences opérationnelles. En se constituant des relations dans leur secteur professionnel, les étudiants peuvent aussi s’appuyer sur leur popularité en vue de s’assurer une bonne insertion professionnelle.

Le secteur de l’audiovisuel est caractérisé par son aspect pratique. Les techniciens évoluent conjointement sur les tournages ou les projets en studio et doivent faire preuve d’une vision globale de leur secteur. Il leur faut connaître les contraintes de leurs collaborateurs, leurs attentes et leurs besoins en vue de ne pas empiéter sur les autres corps de métier, mais, au contraire, de travailler dans le même sens pour produire une œuvre de qualité.

Par ailleurs, le BTS Métiers de l’Audiovisuel s’organise autour d’un tronc commun et de quatre grandes options de spécialisation. Ces options correspondent à une branche technique de l’audiovisuel : production, image, montage et son. Les étudiants qui suivent leur formation en alternance peuvent alors sélectionner des stages au sein d’entreprises spécialisées dans ces filières ou demander à suivre un maître de sage qui partage leur spécialisation. Ils développent dans ce contexte de véritables savoir-faire directement sur le terrain. Ce type de compétences est mieux mémorisé par les étudiants et considérablement valorisé par les recruteurs du secteur.

Enfin, les BTS Métiers de l’Audiovisuel suivis en alternance sont généralement proposés par les écoles spécialisées dans le secteur. Ces établissements d’exception se caractérisent par leur pédagogie pratique. Lors des sessions d’apprentissage dans leurs locaux, les étudiants sont invités à participer à des projets professionnels : création d’une vidéo, montage d’une short comédie, écriture d’une web série, etc. Ces ateliers pratiques sont l’occasion de renouer avec ses compétences acquises sur le terrain et permettent de rencontrer les autres participants à la formation. Dans le secteur audiovisuel, ces projets étudiants peuvent déboucher sur de véritables relations de travail et des projets d’envergure entre deux réalisateurs qui se sont connus en tant qu’étudiants. 

Un BTS Métiers de l’Audiovisuel en alternance : la clé de l’insertion ? 

Les professionnels du secteur audiovisuel en attestent : l’alternance, dans le milieu, c’est une véritable carte de visite. Cette modalité d’apprentissage permet en effet aux étudiants d’attester d’avoir collaboré à des projets spécifiques : émissions TV à succès, web séries, etc. Par ailleurs, à l’occasion de leurs stages en immersion, les étudiants nouent des liens avec les professionnels qui les entourent. Ils se constituent un carnet d’adresses qui contribue souvent à leur insertion sur le marché du travail.

Par ailleurs, les contrats d’alternance permettent aux entreprises de proposer à leurs stagiaires de véritables missions professionnelles. Par ce biais, elles sont actrices dans la formation des étudiants, ce qu’elles apprécient et valorisent. Elles leur transmettent leur savoir-faire, mais également leurs valeurs. Ainsi, il n’est pas rare que des contrats d’alternance débouchent sur des CDI.

Les débouchés d’un BTS Métiers de l’Audiovisuel en alternance sont aussi multiples et décuplés par rapport à une formation initiale qui ne comporte pas de stage. En fonction de son option de spécialisation, l’étudiant du BTS Métiers de l’Audiovisuel peut immédiatement à l’obtention de son diplôme travailler comme :

• Assistant de production, responsable de plannings ou régisseur pour l’option gestion de production.
• Assistant opérateur, chef opérateur lumière ou régisseur lumière pour l’option image.
• Mixeur antenne, monteur son, expert de l’habillage sonore, sonorisateur ou régisseur son pour l’option son.
• Monteur, infographiste ou étalonneur pour l’option montage. 

Ces emplois offrent un premier salaire compris entre 30 000 et 37 000 euros annuels bruts. Ce chiffre peut varier en fonction de l’expérience du professionnel et du projet sur lequel il travaille.

Pour aller plus loin, un BTS Métiers de l’Audiovisuel suivi en alternance permet aussi de choisir la poursuite d’études. Il offre alors d’accéder aux parcours de formation premium des écoles spécialisées en intégrant, par exemple, un Bachelor Cinéma et VFX ou un Bachelor Son et Musique. 

L’alternance : un moyen de financement de ses études supérieures spécialisées 

Les formations pratiques dans le cinéma et l’audiovisuel requièrent de s’exercer sur du matériel de pointe, à jour et donc coûteux. Les étudiants d’un BTS Métiers de l’Audiovisuel doivent également se familiariser avec les dernières tables de mixage et maîtriser les logiciels professionnels à l’issue de leur formation. Grâce aux stages offerts dans le cadre d’un BTS Métiers de l’Audiovisuel en alternance, les étudiants peuvent manipuler des steady cam, apprendre la gestion du son en cabine speak, reconnaître et paramétrer des appareils d’enregistrement, etc.

Ce matériel et ces supports pédagogiques de haut niveau ont un coût, ce qui explique parfois l’importance des frais de scolarité demandés par les écoles spécialisées. L’alternance permet alors de faire financer tout ou partie de ses études par l’entreprise d’accueil. C’est par conséquent une modalité d’apprentissage permettant de s’ouvrir les portes des établissements faisant autorité dans l’audiovisuel et le cinéma.

L’ESIS offre à ses étudiants de se préparer aux épreuves du BTS Métiers de l’Audiovisuel au moyen d’une formation en alternance reconnue par les professionnels du secteur. D’un haut niveau académique et technique, le contenu d’apprentissage permet d’obtenir son diplôme, de trouver rapidement un emploi ou d’opter pour la poursuite d’études.

L’alternance permet aussi à l’étudiant désireux de réussir son BTS Métiers de l’Audiovisuel d’obtenir un salaire. En effet, dans le cadre de son stage, il sera amené à endosser des missions professionnelles techniques qui lui valent une rétribution. Ce premier salaire contribue à vivre sereinement sa vie étudiante et constitue une vive motivation. 

Comme tous les ans, les étudiants en troisième année du Bachelor Cinéma et VFX ainsi que du Bachelor Son et Musique se retrouvent et s’associent pour créer… des shorts comédies ! Expériences à la fois challengeantes et professionnalisantes, les semaines de shortcom sont également l’occasion d’expérimenter une toute autre forme de création cinématographique. 

Séminaire shortcom : le récap 

Alors un séminaire short comédie, comment ça s’organise ? Tout d’abord, en mixant les promotions ! Comme bien souvent lors des projets qui nécessitent à la fois de l’image et du son, les étudiants du Bachelor Cinéma et VFX ainsi que ceux du Bachelor Son et Musique s’associent. Le but, leur apprendre dès leur formation à travailler en équipe, avec des collègues d’autres branches. Ainsi, les étudiants de l’ESIS savent comprendre les besoins des équipes, même lorsqu’il ne s’agit pas de leur domaine de spécialisation. 

Une fois les groupes formés, il est temps de passer à l’écriture des premiers sketchs. Tâche très importante et qui va de pair avec la création des personnages et les premières ébauches de décors. En effet, cette première écriture sert non seulement à présenter son projet de short comédie, mais également à établir un script clair, qui prend en compte les différentes prises de vues et le texte que les acteurs devront apprendre : un début de texte essentiel donc pour faire passer les premiers castings !

Une fois le décor posé sur papier, il faut le concrétiser. La contrainte cette année : tout doit tenir sur le Grand Plateau du campus de l’ESIS. Ou du moins, le décor principal. Après ça, les étudiants ont une semaine pour tourner, puis une autre pour monter et faire toute la partie post-production. Ils doivent ensuite présenter leurs shortcoms devant un jury composé d’intervenants tous issus du milieu professionnel et toujours en activité. Comme les étudiants, ils ont leurs propres domaines de spécialisations, ce qui leur permet de juger les shortcoms dans leur intégralité. 

Les productions des étudiants 

S’inspirant des plus grands classiques de la short comédie, comme Kaamelott et Caméra Café, les étudiants en troisième année de Bachelor à l’ESIS ont réalisé leur propre production, avec des styles et des cadres bien définis. 

Pilotes 

“Pilotes” met en scène un duo catastrophique mais attachant de pilotes, d’une hôtesse de l’air et d’un contrôleur aérien : Jacques “L’aguerri”, Danielle “L’imperturbable”, Liane “La force tranquille”, et Fabrice “Le cerveau”. La shortcom compte 6 épisodes, disponibles sur la chaîne YouTube de l’ESIS Paris. 

Poilus 

Loin des airs, les “poilus” de cette short comédie offrent, depuis le fond des tranchées, une toute nouvelle image (complètement décalée), des célèbres soldats de la Première Guerre mondiale. 

Un mastère réalisation et production sonore est un diplôme reconnu et activement recherché par les recruteurs du secteur audiovisuel. Il s’agit d’une formation universitaire supérieure caractérisée par son très haut niveau académique et technique. Généralement proposé en alternance, il offre de trouver immédiatement un débouché à l’obtention de son diplôme. Alors, qu’apprend-on dans un mastère réalisation et production sonore, comment reconnaître une bonne formation et quels débouchés s’offrent aux étudiants diplômés ? 

Quels sont les objectifs du mastère réalisation et production sonore ? 

Un mastère réalisation et production sonore consiste en un cycle d’apprentissage technique de deux ans, accessibles après l’obtention d’un bac +3 en audiovisuel.

Un bon mastère réalisation et production sonore doit avoir pour objectif de former les professionnels qui savent anticiper et travailler en fonction des contraintes des salles de spectacle, des studios d’enregistrement et des plateaux de tournage. Les objectifs d’un mastère réalisation et production sonore sont donc larges :

• Médiatisation d’une œuvre.
• Distribution d’une œuvre.
• Marketing et promotion d’une œuvre. 

Les étudiants doivent aussi savoir mener un projet de production sonore pour l’industrie du disque, du cinéma, de la télévision et du web. 

Mastère réalisation et production sonore : quels apprentissages pour s’assurer un débouché ? 

Conçu comme un cycle de spécialisation, le mastère réalisation et production sonore s’adresse à un public averti : diplômés d’une filière de l’audiovisuel ou encore professionnels en reconversion. À ce titre, on considère que le programme d’apprentissage de la formation doit s’organiser entre des modules théoriques et pratiques ainsi que des projets professionnels ou des stages en immersion.

Le programme d’apprentissage doit donc permettre de se construire une vision globale de la manipulation du son dans la production audiovisuelle. Les étudiants d’un bon mastère réalisation et production sonore doivent connaître :

• Les techniques audios, la base physique de l’acoustique de salle, les techniques audio numériques.
• La direction de projet, le droit des contrats de la musique ou du spectacle vivant, les marges de négociations des boîtes de production et les enjeux financiers de l’industrie audiovisuelle.
• Les techniques du mastering et de la diffusion.
• Les fondamentaux de la gestion d’entreprise de production : droits d’exploitation, création d’entreprise, saisie comptable, bulletins de paie.
• Les principes du sound design. 

Les séminaires pratiques doivent prendre une place prépondérante dans le mastère réalisation et production sonore : réalisation d’un habillage sonore, sonorisation de spectacle vivant in situ, mastering de plusieurs titres d’un album, etc. Il est important que les étudiants soient amenés par les enseignants à véritablement créer un produit sonore prêt à diffuser. À ce titre, il est préconisé de vérifier que les professeurs qui animent le mastère réalisation et production sonore sont de véritables professionnels du secteur de l’audiovisuel reconnus ou en poste en parallèle.

Pour faire profiter aux étudiants de tous les avantages de ces accompagnements aux projets pratiques, il est conseillé d’opter pour une école spécialisée dans l’audiovisuel. Ces établissements scolaires sont en mesure de fournir à leurs étudiants les derniers équipements de l’audiovisuel. Ils apprennent alors sur les mêmes appareils que ceux sur lesquels ils travailleront en tant que professionnels.

Il est crucial que l’établissement et le titre fourni à l’obtention du mastère réalisation et production sonore soit reconnu par l’État et les recruteurs du secteur.

Ce qui est intéressant, c’est un mastère réalisation et production sonore qui permet de suivre une spécialisation : musique et sound design ou direction de production. Par exemple, les étudiants du mastère réalisation et production sonore qui préfèrent travailler dans la technique audio bénéficieront d’apports spécifiques : réalisation d’un album et techniques de mastering, de mixage, de réalisation et de direction artistique. À l’inverse, les étudiants de la spécialité direction de production suivront des modules avancés en droit, financements, réalisation, direction de tournage et post-production. 

Zoom sur les principaux débouchés du mastère réalisation et production sonore 

Si le mastère réalisation et production sonore bénéficie d’un bon programme d’apprentissage et qu’il peut être suivi en alternance, les étudiants apprennent rapidement la maîtrise des logiciels du son et obtiennent leur certification Protools. Ils connaissent également Ableton et peuvent immédiatement prendre en charge des missions professionnelles en direction de production. 

Ils peuvent alors présenter aux recruteurs du secteur un profil attractif et qui se démarque de la concurrence, et travailler :

• Pour les plateformes de VOD ou les chaînes de télévision.
• Au sein de sociétés de production et de post-production.
• Pour les salles de spectacle ou de concert.
• Pour les studios d’enregistrement ou de mixage ainsi que les éditeurs et les maisons de disques. 

Au sein de ces structures de l’audiovisuel, ils occuperont des postes à responsabilité, comme :

• Producteur ou réalisateur.
• Directeur littéraire.
• Conseiller de programme, etc. 

Par exemple, le réalisateur dirige les équipes artistiques et techniques d’une œuvre audiovisuelle. Il participe au casting, au choix des costumes et à la création des décors. Il détermine la mise en scène et œuvre avec les producteurs. Le réalisateur d’émissions des grandes chaînes TV est un intermittent du spectacle. Ses responsabilités importantes et son haut niveau de qualification lui valent un salaire très attractif. En tant que débutant et assistant réalisateur, il peut obtenir près de 3700 euros mensuels. Le salaire d’un réalisateur en milieu de carrière est, quant à lui, situé aux alentours des 4 000 euros.

Le producteur est en charge du financement d’une œuvre. Il cherche et met en place des partenariats avec des entités privées ou des structures publiques. Il peut également engager ses fonds personnels et, dans ce cas de figure, a un droit de regard sur l’émission ou l’album. Les directeurs de production des grands albums à succès sont, quant à eux, bénéficiaires d’un très haut salaire : 30 000 euros pour certains grands noms.

Le Mastère Réalisation et Production Sonore de l’ESIS bénéficie d’un très haut niveau académique. Sa pédagogie, axée vers l’acquisition de compétences pratiques, se caractérise par de nombreux projets professionnels, des séminaires réguliers ainsi que le rythme de l’alternance.

Obtenir un mastère réalisation et production sonore est une condition absolue pour trouver un débouché dans la production ou la réalisation au sein de l’audiovisuel français.

Le matte painter est un technicien professionnel qui exerce dans l’industrie du cinéma et du jeu vidéo. Il conçoit les décors et les environnements numériques en trois dimensions et joue un rôle crucial dans le rendu final, l’ambiance et les couleurs de son projet. En quoi consiste son travail, quelles sont ses compétences et comment s’y former ? 

En quoi consiste le métier de matte painter ? 

Le matte painter participe à la création d’environnements, de monde et d’univers numériques. Il conçoit les décors ou les paysages d’arrière-plan utilisés dans les plans séquentiels de l’animation cinématographique ou des jeux vidéo.

S’il travaille aujourd’hui presque exclusivement sur l’outil informatique, le procédé du matte painting consistait à l’origine à placer devant la caméra une plaque de verre sur laquelle un décor avait été préalablement peint. La plaque comportait des espaces vides au travers desquels des scènes réelles pouvaient être filmées. Le matte painter fait donc partie des premiers techniciens des effets de cinéma, bien que sa manière de travailler ait été modifiée par l’arrivée du numérique.

Quand il travaille pour le cinéma, c’est lui qui permet aux comédiens et aux équipes de tournage d’opérer sur fond vert. Il réduit les coûts de production d’un projet en intégrant en images de synthèse un décor qui correspond à la vision du réalisateur, sans le contraindre à créer matériellement un décor coûteux. Plus concrètement, le matte painter conçoit l’intégralité de ses décors virtuels pour ensuite les intégrer au plan qui compose une séquence du film.

En pratique, et grâce à son importante culture de l’animation, du cinéma et du jeu vidéo, il analyse les attentes du réalisateur pour lui proposer une ambiance, une luminosité et un univers qui correspond à sa vision. Il crée un environnement détaillé en produisant intégralement tous les composants, les images de synthèse et les éléments que comprend son décor. Il peut aussi choisir de n’utiliser que des composants d’univers préexistants, qu’il modifie pour les intégrer à son projet.

Attention, dans le cadre de son travail, le matte painter doit toujours respecter la vision du réalisateur, et à ce titre, travaille en étroite collaboration avec ses équipes. Sur des projets de grande ampleur, il est convié aux réunions des étapes de préproduction. Il peut offrir à cette occasion son avis technique quant à la faisabilité du projet du réalisateur, à l’utilisation d’un logiciel plutôt qu’un autre, etc. 

Matte painter : quelles compétences ? 

Le matte painter fait preuve d’un véritable œil d’artiste : il maîtrise la composition, a le sens des proportions et connaît très bien les techniques de la mise en perspective. En effet, même s’il élabore un décor qui existe dans un univers fantastique, il est important qu’il sache faire preuve de réalisme dans le but de construire un environnement cohérent.

Fin connaisseur de l’industrie audiovisuelle et des contraintes de la réalisation cinématographique, il sait s’adapter aux attentes du réalisateur ainsi qu’aux contraintes des autres techniciens qui interviennent avec lui en post-production. Il est susceptible de travailler avec des game designers, des modélisateurs 3D, des responsables de production, etc.

Dans la production cinématographique, de très nombreux corps de métier interviennent à la création d’une œuvre. Le matte painter peut donc intervenir sur son projet bien avant les phases de tournage.

Il peut participer aux réunions d’élaboration de l’œuvre, afin de mieux comprendre ce que le réalisateur attend de lui et le conseiller quant à la faisabilité de son projet. Lors de ces rencontres, il aura accès au premier story-board du film, ce qui lui offre d’obtenir une vision globale du projet à réaliser et de fournir des indications sur l’esthétique au réalisateur. Son intervention en préproduction est cruciale, le matte painter a besoin de connaître le positionnement des acteurs, leur manière de jouer et les autres éléments visuels qui seront intégrés au plan sur lequel il travaille afin de conceptualiser sa peinture. Il doit prévoir de la place pour tous ces éléments, anticiper les mouvements et les changements de luminosité.

Le matte painter fait aussi preuve d’une vaste connaissance de l’histoire et de l’univers du cinéma. Grâce à sa culture du secteur, il est capable de s’inspirer des plus grandes productions et de développer une ambiance unique, de créer un univers à part et de permettre aux réalisateurs de travailler dans les meilleures conditions pour offrir aux spectateurs une œuvre de très grande qualité.

Attention, il doit savoir faire preuve d’esprit créatif tout en respectant scrupuleusement les mentions du cahier des charges. Sa création respecte la volonté artistique du réalisateur en termes de références cinématographiques, d’éclairage, de rendu visuel, etc.

Naturellement, il est à l’aise avec les techniques de peinture numérique. Il connaît les meilleures techniques de l’industrie cinématographique et est capable de proposer des décors fournis de nombreux détails lorsque la caméra s’arrête sur un plan. Il maîtrise parfaitement les logiciels professionnels comme Maya, Nuke ou EDFX. Autonome, il peut également travailler en modifiant les éléments qu’il va utiliser pour créer un décor : il maîtrise donc la retouche et le montage photographique sur Photoshop. 

Comment exercer le métier de matte painter ? 

Le matte painter peut exercer dans une entreprise spécialisée dans l’animation cinématographique ou les jeux vidéo. Généralement, il travaille au sein d’une équipe dédiée aux décors numériques et opère sous la supervision d’un directeur artistique ou d’un directeur des effets visuels.

Pour trouver un débouché, l’étudiant qui souhaite devenir matte painter doit suivre une formation auprès d’un établissement spécialisé en audiovisuel et cinéma. Idéalement, le cursus a été élaboré par des enseignants issus du milieu professionnel qui proposent un apprentissage pratique qui tient compte des contraintes de l’industrie cinématographique contemporaine. Par ailleurs, il est important que la formation propose un ou plusieurs stages en immersion afin de rapidement développer toutes les compétences attendues d’un matte painter et de garantir une insertion professionnelle réussie.

Le Bachelor Cinéma et VFX de l’école ESIS permet aux étudiants de se former en trois ans pour devenir matte painter dès l’obtention de leur diplôme.

Dès sa sortie d’études, et à condition d’avoir suivi un cursus dans un établissement reconnu, le matte painter peut obtenir une rétribution de 35 000 € annuels bruts. En fonction du studio qui l’emploie et des projets sur lesquels il a collaboré, le professionnel peut voir très vite ce salaire augmenter. 

Pour la deuxième année consécutive, les étudiants de l’ESIS remportent le premier prix des écoles du concours Grand Angle, organisé par la MAIF. Retour sur la compétition et les grands lauréats de l’édition 2023. 

Le concours Grand Angle, présentation 

C’est la tradition à l’ESIS, et un passage obligatoire pour les 4e année du Mastère Scénario et Réalisation. La participation au concours Grand Angle est une façon très concrète de permettre aux étudiants de mettre en pratique leurs acquis théoriques, dans un cadre compétitif (et en dehors de leur alternance). 

Mais alors, qu’est que c’est que le concours Grand Angle ? Organisé tous les ans par la Fondation Maif, il met en compétition différentes vidéos réalisées par des professionnels et/ou des passionnés d’audiovisuel et de cinéma. L’objectif : mettre en valeur les recherches scientifiques de la fondation en créant des vidéos préventives, ce qu’il pourrait se produire sans ces inventions.

Pour ce qui est de la participation au concours, rien de plus simple : il est ouvert à tous. La seule condition, ne soumettre qu’une seule et unique vidéo dans les temps impartis.  

Focus sur le prix des écoles