Publiée le 30 juillet 2024

 

 

 

 

© Photo Karim Daher/Hans Lucas

 

La Fête de la musique est le moment le plus attendu de l’année ! Célébrée le 21 juin dans plus de 120 pays, elle trouve ses origines chez France Musique. 

 

Avoir des racines musicales 

En 1976, Joël Cohen, musicien américain travaillant pour France Musique, propose des “Saturnales de la musique” le 21 juin et 21 décembre. L’objectif est de mettre en place une programmation musicale diffusée toute la nuit, pour fêter en chanson les deux solstices (le jour le plus long et le plus court de l’année). Cinq ans après, lorsque Maurice Fleuret (un ancien de France Musique) est nommé directeur de la Musique et de la Danse au Palais-Royal, une grande enquête révèle que 5 millions de Français pratiquent un instrument de musique. Le cabinet du ministre de la Culture, Jack Lang, Maurice Fleuret et Christian Dupavillon décident alors d’organiser le 21 juin 1982 la première fête de la musique.

 

Un succès interplanétaire

Au fil des années, cette célébration commence à s’exporter au-delà des frontières en 1985, lors de l’Année européenne de la Musique. En 1997, une “charte des partenaires de la Fête européenne de la Musique” est signée à Budapest par plusieurs villes européennes : Paris, Berlin, Budapest, Barcelone, Istanbul, Liverpool, Luxembourg, Rome, Naples, Prague… Un succès planétaire, au point qu’en 1982 on lui attribue un timbre unique en son genre… un timbre-poste, au même titre que les Jeux Olympiques et la reine d’Angleterre ! Aujourd’hui, la fête dela musique est célébrée dans plus de 120 pays, alors… “faites de la musique !”

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Publiée le 30 avril 2025

Après des études de gestion dans une école où il se sentait « comme un fantôme », Tristan Séguéla décide de se consacrer à sa vraie passion : l’image. Débrouillard, il s’empare d’un camescope Sony et se lance dans de petits documentaires, tournés avec les moyens du bord. « Le plus important, c’est que je faisais », dit-il. « Je me sentais encore très loin de la fiction et le cinéma me semblait un territoire lointain. » En 2000, il traverse les États-Unis pendant trois mois pour filmer la campagne présidentielle : ces images deviendront November, USA, documentaire de 52 minutes autoproduit et vendu à la chaîne Canal Jimmy. Une première victoire pour le jeune réalisateur.

À partir de là, il se passionne pour le documentaire politique. « J’avais beaucoup d’admiration pour Raymond Depardon et Errol Morris et, de manière générale, les documentaristes d’observation », reprend-il. En 2001, il propose de suivre Lionel Jospin, pendant la campagne présidentielle : Les Communicants (2003), diffusé sur France 5, est très accueilli par la presse. « J’avais montré le film à la journaliste Raphaëlle Bacqué, du Monde, et elle avait consacré toute la Une du journal au film. Ça m’a donné une grande confiance que le documentaire soit reconnu. »

Dans le même temps, pour gagner sa vie, Tristan Séguéla tourne des clips et des publicités. C’est ainsi qu’il devient réalisateur attitré du DJ Martin Solveig avec qui il lance une série de petits films diffusés – Smash – diffusés sur YouTube. « C’était le début de YouTube et la série, tournée dans des décors incroyables, a eu un grand retentissement », poursuit Séguéla. « Je suis alors passé du camescope à l’appareil photo Canon 5D avec lequel j’ai fait tous les clips de Martin. » L’occasion, aussi, de se frotter à la fiction : « Martin voulait que je mette en scène de petites saynètes de comédie, dont j’étais l’unique cadreur et preneur de son, et le canal 5D me permettait d’avoir un ‘style cinéma’. » Le succès est tel que certains épisodes de Smash recueillent plus de 100 ou 150 millions de vues.

Remarqué par un producteur de cinéma qui recherchait un réalisateur pour un premier long métrage, il commence par refuser le projet car il n’a pas envie de s’embarquer dans une comédie. Mais il se ravise et finit par tourner le film, 16 ans ou presque (2013), avec Laurent Lafitte. C’est d’ailleurs sa rencontre avec ce dernier qui donne naissance au projet sur Bernard Tapie… qui mettra dix ans à se concrétiser. « C’est le projet qui m’a demandé le plus de travail et qui m’a le plus exalté », confie-t-il. « C’est aussi celui qui ressemble le plus à l’idée que je me faisais du métier que je rêvais de faire quand j’avais 12 ans. » Coécrite avec

Olivier Demangel, la série Tapie, diffusée sur Netflix, remporte un immense succès public et critique.

Entretemps, Tristan Séguéla aura réalisé Rattrapage (2017), autre comédie régressive qui, malheureusement, ne trouve pas son public. Puis, il écrit et réalise Docteur ? (2019), avec Michel Blanc, qui connaît un joli succès en salles, et Un homme heureux (2023), qui réunit Fabrice Luchini et Catherine Frot. Son dernier film, Mercato, autour d’un agent de joueurs de football à la dérive, est sorti en salles cette année. Porté par Jamel Debbouze, le projet est accueilli par le réalisateur comme un « véritable cadeau. » Un film, construit comme un thriller extrêmement soigné, qui révèle Jamel Debbouze dans un registre totalement inédit.

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Publiée le 11 juillet 2024

 

 

 

 

                                                                                                                                                      © FESTIVAL : NORMANDIE IMPRESSIONNISTE 2024

 

 

Cette année a lieu la cinquième édition du Festival Normandie Impressionniste. Du 22 mars au 22 septembre 2024, le territoire normand revisite son héritage lié à l’impressionnisme à travers 150 événements. Une occasion de redécouvrir de grands peintres, à l’image de Claude Monet qui développa le mouvement en Seine-Maritime. 

Avec plus de 150 événements sur le territoire, la Normandie a de quoi impressionner : le Festival Normandie Impressionniste est célébré dans toute la région ! Au programme : animations, expositions, spectacles… Tout est mis en place pour faire découvrir l’héritage des peintres impressionnistes envoûtés par la Seine-Maritime grâce à sa lumière, ses ciels changeants, son eau turquoise, les flots vifs de la Côte d’Albâtre ou encore les méandres de la Seine. 

 

 

Un territoire fier de son héritage 

Né en 2010, le Festival Normandie Impressionniste amène le public à découvrir l’histoire du mouvement artistique : de sa création jusqu’à nos jours. Ainsi, les visiteurs se plongent dans de nombreux lieux d’art et de culture présents sur l’ensemble de la région. Cette année, de grandes stars feront leurs apparitions comme le peintre anglais David Hockney à travers l’exposition « Normandism » au musée des Beaux-Arts de Rouen, ou encore Bob Wilson. En collaboration avec l’actrice Isabelle Huppert, monument du cinéma français, l’illustre metteur en scène et plasticien offre une nouvelle couleur à la cathédrale de Rouen, lors d’une animation de sons et de lumières. Au fil des années, le Festival est devenu un rendez-vous majeur dans toute la France. En 2024, la Normandie va en mettre plein les yeux ! 

 

Normandie : la muse des impressionnistes

Ce mouvement, né dans les années 1860, cherche à représenter le caractère éphémère de la lumière et ses effets sur les couleurs et les formes. En 1874, une exposition réunit 30 artistes, dont Paul Cézanne, Berthe Morisot… et Claude Monet ! C’est grâce à son tableau Impression soleil levant, représentant le port du Havre de 1874 (Seine-Maritime) que le journaliste satirique Louis Leroy invente le terme “impressionnisme”. Grâce au tableau, l’Impressionnisme s’est développé en Normandie qui deviendra une terre d’inspiration pour de nombreux artistes comme Boudin, Renoir, Pissarro ou encore Sisley, qui aiment choisir les paysages de la Seine-Maritime comme supports pour leurs recherches picturales. Quant à Claude Monet, il dédiera de nombreux tableaux à la cathédrale de Rouen ainsi qu’à la falaise d’Etretat. Merci le Havre ! 

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Publiée le 12 avril 2025

 

 

 

À l’heure où l’intelligence artificielle redéfinit les contours de la création, le groupe Skolae et son école de cinéma ESIS s’imposent comme des pionniers. Partenaires du World AI Film Festival (WAiFF), ils annoncent également le lancement d’une formation unique en IA et cinéma dès septembre 2025.

 

 

 

 

Une première mondiale à Nice : le World AI Film Festival

Les 11 et 12 avril 2025, la ville de Nice a accueilli la première édition du World AI Film Festival (WAiFF), événement international entièrement dédié à l’impact de l’intelligence artificielle dans le 7ᵉ art. Organisé par l’Institut EuropIA et le Département des Alpes-Maritimes, le WAiFF a réuni plus de 1 000 films issus de 60 pays, tous conçus grâce à l’intelligence artificielle.

Le festival a pour ambition de stimuler l’innovation dans le cinéma, tout en plaçant les enjeux de narration et d’éthique au cœur des débats.

ESIS : pionnière de la formation en IA appliquée au cinéma

En tant que partenaire officiel du WAiFF, l’ESIS (École Supérieure de l’Image et du Son), s’affirme comme une référence dans l’enseignement des nouvelles technologies appliquées au cinéma. Dès octobre 2025, l’école lancera une filière inédite : Gen-AI Film, un cursus Bac+3 (Bachelor) et Bac+5 (Mastère) intégralement dédié à l’usage de l’IA dans la création audiovisuelle.

Une pédagogie orientée vers la « creative intelligence »

Le groupe SKOLAE, auquel appartient l’ESIS, fait de l’intelligence artificielle une priorité pédagogique stratégique. Annabel Bismuth, directrice académique du groupe, affirme :

« En faisant de l’IA sa priorité pédagogique, Skolae joue un rôle de premier plan dans le développement de la creative intelligence. »

Les étudiants de l’ESIS en lice au WAiFF

Le partenariat va au-delà du soutien institutionnel : plusieurs créations étudiantes de l’ESIS ont été sélectionnées en compétition officielle au WAiFF. Ces projets, entièrement réalisés avec l’aide d’outils d’intelligence artificielle, témoignent d’un renouvellement des formes narratives et d’un fort engagement des jeunes talents dans l’expérimentation artistique.

Les étudiants d’autres écoles du groupe Skolae, comme l’ECITV (digital, communication et audiovisuel) ou l’ICAN (animation et design numérique), ont également présenté leurs œuvres.

Un partenariat salué par les professionnels du secteur

Marco Landi, président de l’Institut EuropIA et créateur du WAiFF, déclare :

« Former aux nouvelles pratiques du cinéma et de l’IA est une priorité. Grâce à son expertise et sa vision tournée vers l’avenir, Skolae est un partenaire clé pour accompagner cette transformation et préparer les talents de demain. »

Le WAiFF, soutenu par des partenaires comme techCannes, ClapAction, Génario et Studio Laffitte, se positionne comme une plateforme mondiale d’échange entre cinéastes, chercheurs, étudiants et technophiles.

L’ESIS au cœur de l’avenir du cinéma

Avec ce partenariat stratégique et le lancement d’une filière unique en cinéma et intelligence artificielle, l’ESIS s’impose comme une école de cinéma résolument tournée vers l’avenir. Les étudiants passionnés par le cinéma, les VFX et l’innovation technologique trouveront à l’ESIS un cadre de formation à la pointe des enjeux contemporains.

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Publiée le 15 juillet 2024

Affiche du film de Paola Cortellesi, Il reste encore demain. © TOBIS Film GmbH

 

 

 

l’ESIS présente Susanna Clarke auteure britannique, en 2021, elle remporte le Women’s Prize for Fiction pour son roman fantastique, Piranèse. Ce livre conte l’histoire de Piranèse, un des deux seuls êtres vivants à habiter le Palais, une bâtisse infinie remplie de statues gigantesques. Le lecteur est plongé dans un récit onirique dans lequel la frontière entre le réel et l’imaginaire frise la folie. 

 

Un immense palais, des pièces qui se comptent par centaines, des marées : voici ce qui rythme la vie de Piranèse. Reclus dans sa demeure, cet homme s’est donné pour mission de noter toutes les spécificités du Palais. Ce bâtiment aux limites inconnues apparaît pour lui comme une divinité protectrice qui veille sur ceux qui l’habitent. Dans ce récit, retrouvez Piranèse et l’Autre. Tous deux mènent des recherches sur cette cité isolée. Le premier veut transcrire la beauté du lieu, tandis que le second cherche à dévoiler son secret. La possible existence d’une troisième personne chamboule le quotidien des deux hommes. La vie de Piranèse bascule avec sa perception du monde qu’il chérit tant.

 

Piranèse est le journal de bord du personnage éponyme. Le roman commence par la description méticuleuse de l’univers englouti où il demeure. Ce passage peut paraître long, mais ce n’est que l’entrée d’une narration labyrinthique qui captive un peu plus à chaque page. Si tout semble extrêmement concret, notamment à travers les descriptions de Piranèse, une atmosphère fantastique plane sur le Palais et ses habitants. Très vite, les questions se bousculent à propos de ce lieu submergé par les vagues.

 

Le roman joue avec la règle principale du genre fantastique : la frontière entre le réel et l’imaginaire. Cela est décuplé par la narration à la première personne. Tout est perçu du point de vue de Piranèse. Le familier et l’étranger sont constamment remis en question. Cela commence par l’orthographe des mots eux-mêmes. Plusieurs mots sont écrits en capitales en plein milieu de phrases et certains perdent leur sens au sein du Palais. Les éléments connus par Piranèse – la mer, les statues, les portes – sont aussi admis par celui qui habite le monde « réel ». Mais comment expliquer que Piranèse sache ce qu’est un jardin, alors qu’il n’y a aucune végétation dans le Palais ? Ce sont ces détails qui donnent certaines clefs sur la perception de Piranèse et qui rendent la lecture prenante. 

 

Si le roman est écrit du point de vue de Piranèse, il y a un second personnage qui représente un réel mystère : l’Autre. Le second – et seul ? – autre habitant du Palais diffère de Piranèse par bien des aspects. Cet homme est la seule personne avec qui le protagoniste principal peut échanger. Il est littéralement « l’autre », c’est-à-dire l’individu qui nous fait prendre conscience de notre individualité. Ce personnage questionne le rapport entre une personne et le reste de l’humanité. Il permet d’aborder des thèmes comme la dépendance ou le syndrome de Stockholm. 

 

Le Palais est l’élément qui lie les personnages entre eux. Il est possible de le voir comme une allégorie de la mémoire : la mémoire d’un monde révolu mais surtout celle de Piranèse. Celle-ci est l’un des enjeux centraux du roman. Le monde le plus riche du livre est sans doute celui présent dans l’esprit du jeune homme. Ses paroles, ses pensées et son amour pour la beauté donnent vie à la bâtisse. Il brise le silence et l’afflux des marées. Piranèse fait remonter à la surface une des peurs principales de notre société contemporaine : l’oubli. Le thème de la mémoire permet d’aborder les grandes questions d’identité et de santé mentale. Quoi de pertinent que la mémoire pour remettre en cause l’identité d’une personne ? 

La force de ce livre est de plonger dans les racines du fantastique. Piranèse n’est pas une réécriture de la mythologie grecque, malgré ce que suggère le titre. C’est un roman empreint du souvenir d’un ancien monde représenté par les statues de style grec, ainsi que les rituels et croyances antiques. L’auteure a imaginé un autre univers à la fois bienveillant et dangereux, comme un dieu antique. Le Palais est un espace liminal, un lieu entre notre monde et un monde oublié. Les souvenirs sont la clé de cette intrigue.

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Publiée le 16 décembre 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jean-Baptiste Delafon s’est rendu au contact des étudiants au sein de l’école ESIS au campus de Paris, passionné de cinéma et diplômé en philosophie, il s’est imposé comme un scénariste incontournable, tant pour la télévision que pour le cinéma. De Maison close à Baron Noir, il explore des univers variés, tout en collaborant étroitement avec des réalisateurs comme Thomas Kruithof et Yann Gozlan. Naviguant entre séries et longs métrages, il revendique une approche où chaque projet trouve son format idéal, tout en refusant l’étiquette de showrunner.

 

Après des études de philosophie, Jean-Baptiste Delafon, qui est très cinéphile, se tourne vers l’écriture pour le cinéma et la télévision. Il écrit quelques projets de longs métrages, qui ne se montent pas, et s’intéresse au petit écran dès le début des années 2000. « C’était une époque beaucoup moins riche qu’aujourd’hui, où il n’y avait pas encore les créations originales de Canal Plus et pas d’espace pour les séries d’auteur, alors qu’il y en avait à l’étranger, et surtout aux États-Unis », se souvient-il. « Et il y avait peu de raison d’espérer que la situation change. » En repérant les noms des sociétés de production aux génériques des séries, il inonde le marché de ses synopsis pendant plusieurs mois d’affilée. Il est alors engagé pour participer à Julie Lescaut sur TF1, puis à des polars comme PJ pour France 2. 

  

Rapidement catalogué comme auteur de séries policières, Jean-Baptiste Delafon ressent le besoin de changer de registre. « C’était le moment où Canal a lancé les créations originales », reprend-il. Il collabore à une série sur Napoléon, qui ne se concrétise pas, puis réécrit un projet dont le scénario était bancal : Maison close. Mais c’est surtout avec Baron Noir, diffusé entre 2014 et 2017, qu’il s’impose comme un formidable scénariste de séries politiques. Il collabore également à D’argent et de sang de Xavier Giannoli – autour de l’arnaque sur la taxe carbone – dont il conçoit la structure. Il enchaîne avec Une amie dévouée, adaptée du livre La Mythomane du Bataclan, avec Laure Calamy, et Merteuil, relecture des Liaisons dangereuses, interprété par Diane Kruger et Vincent Lacoste. Il vient également en renfort sur Tapie de Tristan Séguéla, pour Netflix, aux côtés d’Olivier Demangel. Se considère-t-il pour autant comme un showrunner ? « Je n’emploie pas ce terme car il s’agit d’un auteur-producteur qui a tous les pouvoirs », explique-t-il. « Il a la responsabilité de livrer la série. Une telle fonction n’existe pas en France. » 

  

Côté cinéma, il coécrit 16 ans… ou presque de Tristan Séguéla et, surtout, Les Promesses de Thomas Kruithof, thriller sociopolitique parcouru par une tension constante et superbement interprété par Reda Kateb et Isabelle Huppert. Il a tout récemment coécrit le nouveau projet de Thomas Kruithof, Les Braises, porté par Virginie Efira et Arie Worthalter, qui évoque le surgissement de la politique dans la vie d’une famille pendant le mouvement des Gilets Jaunes.  Il a par ailleurs coécrit Visions de Yann Gozlan et travaille actuellement avec le même réalisateur pour Gourou, autour d’un coach de vie qui devient gourou, interprété par Pierre Niney. « C’est formidable d’explorer des sujets en se demandant s’il correspond davantage au cinéma ou à la télévision et d’avoir la liberté de trouver, pour chaque projet, son bon format », dit-il. « Je pense qu’il y a beaucoup d’échecs parce qu’ils n’ont pas le format adapté. » Aimerait-il passer à la réalisation ? « Pas du tout. Mais s’épanouir vraiment dans ce métier suppose d’avoir de vraies complicités avec certains réalisateurs. Comme avec Thomas [Kruithof] dont je suis extrêmement proche et avec qui je parle des rushes quatre fois par jour ! Quand on a les bons interlocuteurs il n’y a pas de frustration. » 

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Publiée le 4 février 2025

Vous connaissez cette sensation ? Vous êtes installé·e devant votre carnet, votre clavier, ou même une caméra, et… rien. Nada. Le vide intersidéral. Bienvenue dans l’univers terrifiant (et un peu relou) du syndrome de la page blanche. Spoiler alert : ce n’est pas que pour les auteurs de livres. Oui, chers scénaristes, réalisateurs, musiciens, et même techniciens, vous pouvez aussi tomber dans cet abîme créatif. Mais no panic : on va en parler, en rire, et surtout trouver comment en sortir. 

 

 

 

 

 

 

 

Mais qu’est-ce que c’est que cette histoire de « Page Blanche »? 

D’abord, posons les bases. La maladie de la page blanche, c’est ce moment où votre cerveau déclare forfait. Vous avez envie d’écrire cette scène incroyable, de composer cette mélodie, ou de visualiser ce plan magistral, mais… rien ne vient. Et vous restez là, à fixer le vide, comme si une solution allait sortir de votre cafetière (spoiler : elle ne sortira pas). 

Pour les scénaristes, c’est ce moment où vous vous demandez si votre personnage devrait vraiment ouvrir cette porte. Les réalisateurs, c’est le doute existentiel sur le choix d’un angle de caméra et pour les musiciens, c’est le désert harmonique où même le do ré mi refuse de coopérer. 

Le pire ? On se sent souvent seul dans cette galère. Mais je vous rassure, on est beaucoup dans le même bateau… qui rame. 

 

Suis-je atteint de la page blanche ?

Le syndrome du fichier vide : Vous ouvrez votre logiciel et il reste ouvert. Vide. Pendant des heures. Avec vous qui mangez des chips devant.

La sur-analyse : Vous passez 45 minutes à débattre avec vous-même sur un mot ou un détail insignifiant.

Le scénario catastrophe : Vous imaginez que tout ce que vous produisez sera critiqué, rejeté ou, pire, ignoré. (Merci l’anxiété.)

La procrastination : Vous avez soudain une envie irrésistible de ranger votre bureau ou de regarder des vidéos de chatons. Vous vous reconnaissez ? Alors félicitations, vous êtes officiellement un·e créatif·ve normal·e. 

 

Pourquoi ça arrive ? La page blanche a plein de coupables. Voici quelques suspects principaux : 

La peur de l’échec : Et si ce que je faisais était nul ? (Indice : c’est rarement aussi mauvais qu’on le pense.)

La pression : Vous devez produire vite, bien, et avec une inspiration divine… mais vous êtes humain.

Votre côté perfectionnisme : Vous voulez que tout soit parfait dès le premier jet. Spoiler : ce n’est jamais parfait du premier coup.

Il faut dormir ! (manque de repos) : Parfois, votre cerveau a juste besoin d’une pause. 

 

Comment s’en sortir ? (Parce que bon, faut avancer quand même) 

Acceptez l’imparfait : Le premier jet n’est jamais parfait. Et c’est OK. L’important, c’est de commencer.

Changez d’angle : Si une scène ou un passage vous bloque, attaquez un autre aspect du projet. Revenez-y plus tard avec un regard frais.

Laissez-vous inspirer : Regardez un film que vous aimez, écoutez une playlist inspirante, ou baladez-vous. Parfois, une idée naît au moment où on s’y attend le moins.

Fixez des limites de temps : Travaillez par tranches de 25 minutes avec une pause (la méthode Pomodoro). Cela crée un rythme et réduit l’angoisse du temps qui passe.

Partagez : Parlez à un·e collègue ou un·e ami·e de votre blocage. Parfois, expliquer un problème suffit à le résoudre.

ET SURTOUT MON PREFEREEEEEEEEE :

Dédramatisez : Ce n’est pas grave de bloquer. Cela arrive à tout le monde, même aux plus grands. (Oui, Spielberg aussi.) 

 

La maladie de la page blanche, ce n’est pas une fatalité. C’est juste une étape dans le processus créatif. Alors, respirez un bon coup, écrivez un mot (même si c’est « bonjour »), filmez une scène (même si c’est votre chat), composez une note… Bref, commencez quelque part. Parce que, comme disait un sage (probablement quelqu’un de très inspiré) : « Ce n’est pas le premier pas qui compte, mais celui que vous faites juste après. » 

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Publiée le 14 février 2025

 

Tu t’es déjà demandé comment naissent les musiques qui te donnent des frissons au cinéma ? Ces mélodies qui te transportent, qui te font pleurer, qui te font croire que tu peux soulever Mjolnir alors que t’as déjà du mal avec ton sac de courses ?  La magie de composer une musique de film !

 

 

 

Si ton rêve, c’est de composer une musique de film /une BO digne d’un Hans Zimmer (Interstellar), d’un John Williams (Star Wars), ou même d’un Jérôme Rebotier (Un Parfait Inconnu, Le comte de Monte-Cristo), voici le guide (alors euhh mon guide donc pas non plus LE guide non plus, ce sont plus des conseils) pour passer de l’idée à l’enregistrement. 

 

 

 

Lire le script et capter l’ambiance  

Avant de poser une seule note, faut comprendre l’histoire et l’ambiance du film. Ah ben oui, tu imagines si tu fais un son ultra dynamique sur l’enterrement de Iron Man…bof l’ambiance quoi.  “Tu bosses sur quoi ?” tel est la question : 

Un drame psychologique ultra-lent où le silence est presque plus important que la musique ? (Joker).  Un blockbuster spatial qui te met des étoiles plein les yeux ? (Interstellar). Ou encore un film biographique musical qui doit sonner réaliste ? (Bohemian Rhapsody). Bref, chaque film a son ADN sonore. Tu n’arrives pas avec une guitare électrique sur un film d’époque, sauf si le réal a vraiment une vision très particulière.

Trouver le thème principal

C’est LA mélodie qui va rester dans la tête du public. Un bon thème, c’est un peu comme un bon logo sonore : tu l’entends une fois et tu le reconnais immédiatement. 

Prenez Star Wars par exemple, dès que t’entends la fanfare, t’as envie de dégainer un sabre laser et tu sais directement que Dark Vador est proche. Le Seigneur des Anneaux c’est juste deux notes et direct t’as envie de partir en randonnée en Nouvelle-Zélande et puis Narnia, la musique “The Battle” donne envie de crier “POUR ASLAN” ou de partir manger des loukoum (à choisir). 

Pas besoin de 200 instruments, juste la bonne émotion au bon moment et vous toucher (même si on ne va pas se mentir un bon morceau au piano ou au violon rend quand-même pas mal). 

Composer une musique de film c’est…travailler avec le réalisateur 

Un bon travail d’équipe et surtout une bonne dose de communication. Le compositeur n’est pas en mode « Je fais ce que je veux, démerdez-vous ». Il doit collaborer avec le réal pour que la musique colle parfaitement aux images. Le challenge ? Trouver le bon équilibre entre ce que veut le réal et ce que ressent le compositeur. Spoiler : ça implique souvent des aller-retours et des « C’est bien, mais… ». Faites venir votre compositeur sur le tournage pour qu’il s’inspire de l’ambiance du film.

Enregistrer avec un orchestre… ou un laptop (eh oui composer une musique de film, c’est plusieurs méthodes)

Deux teams s’affrontent dans le monde des BO de films, la team orchestre symphonique. On parle de 100 musiciens, une acoustique de fou et des instruments qui vibrent en vrai (exemples : Harry Potter, Interstellar, Le Seigneur des Anneaux…) avec une ambiance épique garantie, mais bon, faut quand même un budget solide (aka pas celui de ton court-métrage étudiant). La team MAO (musique assistée par ordinateur). Ici, on bosse seul avec un clavier MIDI et des banques de sons (exemples : Stranger Things (avec ses synthés 80’s), The Social Network (BO ultra-minimaliste signée Trent Reznor & Atticus Ross). Une team parfaite pour une ambiance moderne, électro ou expérimentale… et carrément plus accessible niveau matos. 

 

Une bonne musique de film ne se contente pas d’accompagner l’image, elle la sublime. Elle guide l’émotion du spectateur, l’immerge dans l’univers du film et, dans certains cas, devient aussi culte que les scènes elles-mêmes (coucou Titanic et Pirates des Caraïbes). Alors, prêt à devenir le prochain Ennio Morricone ?

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Publiée le 24 février 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Parce qu’aimer, pleurer, et manger du Nutella, c’est aussi ça la vie. voilà notre Top 5 des films d’amour pour la Saint Valentin

 

Bon, je ne vais pas vous mentir, j’ai galéré à trouver ce top 5 des films d’amour pour la Saint Valentin, qui ne soient pas trop clichés, récompensés ou qui finissent bien (c’est rare, avouons-le). Alors, pour ce top 5, j’ai décidé de mixer les genres : des films pour tomber amoureux·se, pour pleurer avec son bol de Nutella et ses craquottes, ou juste pour profiter d’une belle histoire. Let’s go ! 

 La La Land (2016)

Ah, La La Land, comment ne pas parler de cette masterclass de Damien Chazelle ? Ce film, c’est un cocktail parfait : une histoire d’amour douce-amère, de la musique incroyable, des couleurs à couper le souffle, et des références cinématographiques en pagaille. 

Alors oui, la fin a un goût amer (et moi je pleure systématiquement, merci de ne pas juger), mais c’est aussi une ode à la passion, au rêve, et au soutien mutuel. Et côté technique, les plans-séquences sont juste incroyables. Bref, un film qui vous donnera un cours de ciné tout en vous brisant (doucement) le cœur. Bonus : si vous aimez La La Land, tentez Babylon du même réalisateur. 

 Brokeback Mountain (2005)

Pour continuer, j’ai hésité avec Call Me By Your Name (parce que Timothée Chalamet et à l’affiche du biopic Bob Dylan), cependant aujourd’hui, c’est Brokeback Mountain qu’on mets sous les projecteurs. Ce film, réalisé par Ang Lee, raconte l’histoire d’un amour interdit entre deux cowboys dans une société conservatrice. 

Au-delà de la romance, c’est un film qui remet en question les clichés sur les romances homosexuels et explore les conflits internes et externes de ses personnages. Tragique, certes, mais d’une intensité bouleversante. À voir absolument, avec des mouchoirs à portée de main. 

We Live In Time (2025)

Petit nouveau au cinéma, We Live In Time est une vraie pépite. Ce film joue avec nos émotions et nos sens, à la fois visuellement et narrativement. C’est une histoire d’amour profondément humaine, avec des personnages auxquels on s’attache facilement. 

Que vous soyez en couple, célibataire ou dans un statut “c’est compliqué”, ce film vous touchera. Il parle des problèmes quotidiens, des doutes de notre génération, et surtout de la beauté des instants partagés. Une douceur cinématographique à découvrir absolument. 

 Amélie (2001)

Un peu de cinéma français pour varier les plaisirs ! Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain n’est pas centré uniquement sur l’amour romantique, mais plutôt sur l’amour de soi et des autres. Amélie, timide et rêveuse, apprend à surmonter ses peurs pour s’ouvrir aux autres et se découvrir elle-même. 

Ce film, c’est une explosion de couleurs, des plans magnifiques et une ambiance qui donne envie de redécouvrir Paris. En février, c’est parfait pour se rappeler que l’amour commence souvent par soi-même. 

The Shape of Water (2017)

Une femme et un monstre ? Oui, vous avez bien lu. The Shape of Water de Guillermo del Toro est une histoire d’amour hors du commun, pleine de douceur et d’intensité. 

Malgré son apparence étrange, ce film raconte une histoire universelle : celle de l’acceptation et de la beauté qui réside dans nos différences. Et bonne nouvelle : ce film se termine bien ! (Enfin, une note d’espoir dans ce top.) Une œuvre qui ouvre les yeux sur l’amour au sens large, avec un grand A. 

 

En bref, voilà un top 5 des films d’amour (et de self-love) pour février, mais soyons clairs : pas besoin d’attendre la Saint-Valentin pour aimer ou s’aimer. Ces films peuvent être regardés à tout moment, parce qu’un bon film, ça fait du bien, peu importe la saison. Bon mois de février à toutes et tous, et surtout, prenez soin de vous !

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Publiée le 28 février 2025

 

 

« La musique m’a sauvé », confie Jérôme Rebotier. Lorsque, enfant, il perd ses parents, il se voit confié à une tante professeure de musique entre l’âge de 7 et 10 ans : elle lui fait découvrir Mozart et d’autres grands compositeurs, ce qui se révèle une véritable thérapie. Chez sa tante, qui lui apprend toutes les bases, la musique est omniprésente, mais Jérôme se considère avant tout comme un autodidacte. Plus tard, il racontera dans un roman, Dans la cour, l’histoire d’un jeune garçon qui s’affranchit de son enfance difficile grâce à la musique. Quand il découvre que Dany Elfman était lui aussi autodidacte, il se sent inspiré pour écrire des pièces pour orchestre.

 

 

 

 

Adolescent, il écoute beaucoup de country, de crooners et, plus généralement, de musique américaine des années 50. Sollicité par un étudiant de la Femis, il compose une partition country pour son film de fin d’études. Puis, il écrit un trio à cordes pour un court métrage, Le Modèle (1996) de Guillaume Deffontaines, étudiant de Louis-Lumière devenu chef-opérateur par la suite.

 

Mais c’est en travaillant dans un vidéo-club spécialisé dans le cinéma d’auteur qu’il se forge sa culture cinématographique. Il participe à plusieurs courts métrages avant d’avoir la chance de composer la partition de Laissons Lucie faire (1999) d’Emmanuel Mouret. Grâce au retentissement du film, il enchaîne avec Les Âmes câlines (2001) de Thomas Bardinet. Pourtant, c’est sa rencontre avec Matthieu Delaporte et Alexandre De la Patellière qui sera déterminante pour la suite de sa carrière. Après être devenu copain avec Matthieu en Terminale – « je recopiais sur lui et je lui faisais écouter les répètes de mon groupe de rock » –, il le retrouve à l’occasion de la projection d’un court métrage auquel il venait de participer. Quelques années plus tard, Delaporte et De la Patellière proposent à Jérôme de composer la musique de leur tout premier long métrage, La Jungle (2005). « J’ai tout donné sur ce film », raconte-t-il. « Du coup, comme ils étaient contents de mon boulot, ils m’ont de nouveau sollicité pour Le Prénom alors qu’au départ il n’était pas question que je le fasse. » Depuis, Jérôme Rebotier est devenu le compositeur attitré du binôme de réalisateurs.

 

Ce qui ne l’empêche pas de collaborer avec d’autres cinéastes, comme Tonie Marshall (Au plus près du paradis, Vénus et Apollon) ou Pierre Coré (Sahara, L’aventure des Marguerite). Vers la fin des années 2010, en constatant qu’il est beaucoup sollicité pour des comédies qui ne lui plaisent pas, il se tourne davantage vers le documentaire. « Je m’investis énormément dans ce que je fais et je me suis rendu compte qu’il vaut mieux garder son énergie pour les projets qui en valent le coup », dit-il encore. À l’image du Comte de Monte-Cristo (2024) pour lequel il compose une musique thématique en la mêlant à des codes plus modernes et en s’inspirant d’Ennio Morricone à qui il voue une vraie passion.

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