Logiciel de musique, de post-production audio et station audio-numérique à part entière : pourquoi et comment obtenir la certification Pro Tools ? 

Pro Tools : un incontournable de la production audio numérique ? 

Pro Tools est un logiciel de séquençage audio édité par la société Avid Technologies. En pratique, il s’agit d’une station de travail numérique complète (DAW), qui comprend plusieurs outils offrant de travailler en intégralité sur les supports de la même gamme, afin de gagner en productivité, en confort de travail et en qualité de production.  

On peut donc utiliser Pro Tools à toutes les étapes d’une production musicale : enregistrement, édition, mixage et mastering. 

Pro Tools est devenu un standard de l’industrie de la production musicale, un incontournable sur lequel il est presque devenu nécessaire de savoir travailler pour faire carrière. Afin de permettre aux recruteurs du secteur, aux maisons de disques et aux ingénieurs son de s’assurer des compétences de chaque technicien, Pro Tools propose une certification. 

Pro Tools : une certification pour faire valoir ses compétences 

Avid, l’éditeur de logiciels Pro Tools, propose une certification qui donne des informations sur le niveau de compétences des utilisateurs. Elle est très utile à la fois aux techniciens du son, qui peuvent mettre en valeur leur profil professionnel aux yeux des recruteurs, des maisons de disque ou de leurs propres collaborateurs. La certification Pro Tools permet également d’obtenir une reconnaissance de l’industrie audio. 

Il existe plusieurs niveaux de certification Pro Tools : PT101, qui consistent en les connaissances de base. Et PT 110 qui concerne Pro Tools II. Obtenir cette certification signifie que l’utilisateur est en parfaite maîtrise du programme Avid Pro et qu’il peut utiliser les logiciels Pro Tools de la conception jusqu’à la fin d’un projet. 

Comment obtenir la certification Pro Tools ? 

Il est possible de passer seul les tests Pro Tools et d’obtenir sa certification comme candidat libre. Sachez que la certification reste payante et qu’Avid Technologies propose des cours en ligne. En cas d’échec aux examens, les candidats doivent impérativement attendre 24 heures avant de se représenter. La certification n’a pas de date de péremption, néanmoins, il faut impérativement veiller à repasser les tests de validation à chaque nouvelle mise à jour du logiciel, afin de s’assurer de véritablement présenter un niveau de compétences actualisé. 

Néanmoins, maîtriser la production audio ne se résume pas à la maîtrise d’un seul et unique logiciel. Il est donc conseillé, pour ceux qui désirent obtenir la certification Pro Tools, de suivre une formation supérieure en production audio. 

L’ESIS propose à ce titre à ses étudiants de suivre un cursus complet en Son et Production Sonore, du Bachelor au Mastère. Au titre de la formation, les étudiants apprennent à manipuler tous les logiciels professionnels, dont Pro Tools et bénéficient d’un accompagnement afin de réussir les tests de la certification. 

À l’origine, Pro Tools fonctionnait uniquement sur MacOS. Sachez que désormais la suite de logiciels est accessible également sur Windows.

Image, montage, production, son, musique, cinéma, fiction, spectacle vivant, télévision, … : les possibilités d’emploi sont innombrables après un Bachelor à l’ESIS. Focus sur une partie de ces métiers de passion.

2023 : comment se porte le marché de l’emploi ? 

S’embarquer dans des études de cinéma, de VFX, de son ou de musique, c’est s’orienter vers un futur métier captivant et passionnant : c’est se destiner à une vocation. Mais comment se porte le marché de l’emploi dans ces secteurs ?

Si le cinéma a connu un coup dur avec la crise sanitaire, il finalise doucement sa reconstruction et affiche des chiffres encourageants, selon Jobteaser et le CNC (le Centre National du Cinéma) on compterait : 95.5 millions d’entrées en 2021 en France, 25 millions d’euros de budget pour le cinéma en Île-de-France, 40.6% de films français à l’affiche (au coude à coude avec les films américains : 43%), et 42% de femmes artistes et techniciennes employées pour la production de films de fiction (c’est presque paritaire, un vrai record).

De son côté, l’industrie musicale poursuit sa mutation vers le numérique, attirant un public toujours plus varié et favorisant les producteur indépendants grâce aux plateformes de streaming comme Deezer, Spotify, SoundCloud ou Apple Music.  

Pour s’assurer de pouvoir évoluer dans les métiers du cinéma, de la VFX, du son ou de la musique, il est important de savoir rester fluide. C’est très bien d’être calé dans un domaine, mais attention de ne pas vous enfermer dans un seul et unique métier. Plus vous accumulez d’expériences dans des domaines variés, plus vous vous ferez des contacts, plus vous montrerez votre passion pour ces différents corps de métiers.

La multiplicité garantit une employabilité optimale : et c’est bien cette diversité qui est mise sur le devant de la scène à l’ESIS. 

Au début de leur histoire, les studios d’enregistrement accueillaient de nombreux artistes, qui jouaient simultanément : chanteurs et musiciens. Depuis les années 70 et l’apparition de l’enregistrement multi-piste et de l’essor du numérique, les professionnels enregistrent séparément les éléments qui composent leurs fichiers audio. Pour ce faire, ils officient en studio d’enregistrement.

Comment fonctionne un studio d’enregistrement ? 

Un studio d’enregistrement comporte impérativement deux espaces distincts : la cabine de prise de son (ou cabine speak) et la régie, depuis laquelle travaillent les techniciens du son. 

C’est depuis cet espace que l’ingénieur du son peut communiquer avec l’artiste ou le doubleur qui enregistre depuis l’espace insonorisé de captation. Il peut lui transmettre des indications gestuelles (les deux espaces sont séparés par une vitre insonorisée) ou utiliser les micros pour communiquer oralement. La régie est toujours équipée de magnétophones (et autres systèmes de captation et d’enregistrement numérique) et de tables de mixage ou de contrôle. L’ingénieur du son dispose aussi d’enceintes professionnelles, qui lui restituent le résultat final des enregistrements. 

La cabine d’enregistrement est, quant à elle, nécessairement insonorisée afin de filtrer (et d’éliminer) les bruits néfastes et non-désirables. L’acoustique y est travaillée, c’est donc un espace qui restitue au mieux le son à enregistrer. Espace clos, il est équipé d’un système de filtration de l’air afin que l’artiste y respire confortablement. 

Studio d’enregistrement : le matériel de base 

Ainsi, les studios d’enregistrement comportent un certain nombre de matériel de base, comme : 

– Des ordinateurs. Il s’agit de la dépense la plus importante pour obtenir un studio d’enregistrement. Attention, les informations à propos de la vitesse du processeur, de la mémoire vive et de la quantité de ports USB (qui sont les données généralement fournies aux consommateurs) ne permettent pas de se rendre compte de la manière dont la machine fonctionnera dans un environnement d’enregistrement. C’est l’expérience des ingénieurs son qui leur permet de connaître les dispositifs adéquats pour bien travailler sur ordinateur. 

– Des interfaces audio et un ou plusieurs logiciels d’enregistrement. C’est le matériel qui assurera la connexion entre l’ordinateur et les équipements audio (micros, casques, instruments, etc.). Il faut donc s’assurer que l’interface soit compatible avec le logiciel d’enregistrement. 

– Une paire d’enceintes de monitoring. Il s’agit d’un équipement spécifique qui est muni d’une balance neutre et qui bénéficie d’une réponse en fréquence large. Leur qualité de signal est excellente et elles se branchent sur les sorties de l’interface audio. 

– Un casque de monitoring, qui ne correspond pas aux casques de téléphone ou de gaming. Conçus pour les professionnels, ces casques disposent d’une haute qualité de son et peuvent être portés pendant plusieurs heures sans abîmer l’appareil auditif. 

– Une table de contrôle, qui permet de composer le fichier final. 

Grâce aux équipements haut de gamme et dernière génération dont disposent les locaux de l’ESIS, les étudiants en audiovisuel de l’établissement peuvent s’entraîner sur du matériel professionnel tout au long de leur cursus. Parallèlement, ils sont invités à suivre des stages en alternance et découvrent les studios d’enregistrement des entreprises qui les accueillent. 

Un studio d’enregistrement, c’est un incontournable de l’ingénierie du son. Certaines sociétés de production mettent le leur en location, ce qui permet de réaliser seul son projet d’enregistrement dans des conditions optimales. 

C’est une histoire d’amour qui dure depuis presque 100 ans maintenant : les métros parisiens et le cinéma. Tous les ans, de nombreux films sont tournés dans les stations de la RATP. Ces plateaux de tournage sur roues sont pris d’assaut, en particulier sur la ligne de métro 11. Une ligne que les étudiants se rendant à l’ESIS peuvent être amenés à prendre pour se rendre en cours, sur le campus de la Grange-aux-Belles.

L’ESIS : vivre le cinéma au quotidien 

Vivre pour le cinéma, c’est une passion qui ne s’improvise pas. Au petit–déjeuner : un film. Au déjeuner : une série. Au dîner : une trilogie. À l’ESIS, on va encore plus loin. En plus d’avoir un campus au bord du canal Saint-Martin, un lieu de tournage culte de grands films français comme Lefabuleux destin d’Amélie Poulin, l’ESIS n’est qu’à quelques minutes à pied de la ligne 11 du métro parisien. Rien d’incroyable ? Et pourtant, cette ligne sert tous les ans de plateau de tournage plus vrai que nature pour de nombreux films. 

Ces tournages se font en partenariat direct avec la RATP, plus cinéphile qu’il n’y parait. En 2019 d’ailleurs, elle collabore à la création d’un livre qui retrace son histoire avec le cinéma. Rédigé par Fabienne Waks, “Les lignes du 7e art” est un recueil de photographies, d’archives et de témoignages qui retrace le parcours sinueux des lignes franciliennes et de l’art de la caméra. Les métros, les bus, les tramways, les RER et même le funiculaire : vous les avez déjà tous vus quelque part sur vos écrans.  

Des films emblématiques…et souterrains 

Lieux cultes de la vie parisienne, il n’est pas étonnant de retrouver les différentes lignes de transport en commun sur le grand écran. Les lignes de métro, ce sont les actrices qui vieillissent le mieux: sous l’œil avisé de la RATP, elles n’ont pas pris une ride depuis 1930.Le métro, un lieu de caractère bien frenchy qui accueille aussi bien des films noirs que de la comédie, des films d’actions et des drames sentimentaux. Rien que durant ces dernières décennies, la RATP peut se vanter d’avoir participé à de véritables pépites cinématographiques comme : 

Modalités de tournage 

À peine freinés par la crise sanitaire, les tournages se multiplient(une 60aine de production en 2018 et près de 28 films en 2020 selon le groupe RATP): un rythme néanmoins savamment surveillé. Pas question de perturbé le trafic plus que nécessaire, même au nom de l’art. Mais alors, tourner dans les locaux de la RATP, comment ça marche ? 

Premièrement, il faut bien veiller à transmettre sa demande à la direction de communication du groupe 3 à 4 semaines avant le début du tournage, 8 s’il s’agit d’une date pendant la période estivale de juillet et août. Tournage en service voyageur, tournage à la station cinéma RATP, en bus (modernes ou d’époque), sur les rames historiques Sprague-Thomson, sur les lignes aériennes 2, 5 et 6 : à chaque plateau ses horaires. Les tournages dépendent également tous de la faisabilité technique, à savoir, le matériel, les disponibilités du personnel et l’accord de la direction de communication. Un contrat complet donc, mais pas peu cher : certains tournages en station peuvent monter jusqu’à 20 000 € (c’est d’ailleurs le tarif d’une journée pleine à la station cinéma La Porte des Lilas). Mieux vaut ne pas manquer sa scène ! 

La station cinéma : la Porte des Lilas 

Parmi les lieux de tournage souterrains les plus connus, on retrouve la “station cinéma” de la RATP : la Porte des Lilas. Cette station, située sur la ligne 11, est fermée au public depuis 1930 mais pas inanimée pour autant. Chaque année, la station accueille autour de 5 films à elle toute seule. Passée une porte dérobée, des tunnels et des quais somme toute assez ordinaires s’enchaînent. À une exception près. Les panneaux publicitaires. Ceux-ci sont équipés de fonds bleus pour que les différentes équipes de tournage puisse mettre des éléments correspondant à l’univers de leur production. 

En tout, en partant de cette station, les réalisateurs et autres faiseurs de films disposent d’1km de tunnels et 1km de voie de circulation sur lesquels des conducteurs de métro peuvent faire rouler les wagons aux environs de 10km/heure. Équipes comprises, la station peut recevoir jusqu’à 200 personnes. Ce qui fait tout le charme de la Porte des Lilas, c’est qu’elle s’adapte facilement à toutes les époques, permettant ainsi des possibilités de tournage infinies. De même, la RATP s’applique à conserver les décors de chaque époque : depuis les années 1920 à nos jours, bancs en bois, costumes de conducteur et carreaux de mosaïque compris. 

La station de la Porte des Lilas n’est pas la seule dédiée au cinéma : elle a une acolyte, la station désaffectée Haxo, qui débouche sur un cul–de–sac. Paris regorge de lieux de tournage insolites et emblématiques, d’où le choix d’emplacement de l’ESIS. Grâce à ce cadre côtoyé des plus grands cinéastes, les étudiants baignent dès les premières années de formation dans leur futur milieu professionnel. 

Ableton Live, en raison de ses fonctionnalités premium, de sa fluidité et de ses performances en création musicale, s’est hissé en tête du podium des logiciels professionnels de l’industrie audio. Comment l’utiliser ? 

Utiliser Ableton live tout au long du processus de création 

Ableton live est conçu comme un logiciel de production audio intégral. On peut donc l’utiliser tout au long des étapes de création d’un projet sonore. Utiliser Live, c’est par exemple pouvoir profiter d’interfaces d’essai spécifiquement conçues pour faire des tests techniques hors d’une time line. Les idées des créateurs du son peuvent ainsi être mémorisées, modulées et modifiées selon des méthodes d’improvisation, même dans une ambiance numérique. Les ingénieurs du son peuvent ensuite reprendre leurs essais et les intégrer à une timeline afin de respecter leurs contraintes techniques. 

Naturellement, Ableton propose des fonctions Arrangement hautement techniques. Dans cette interface, on peut alors reprendre ses brouillons et les organiser en véritable flow musical. Sachez qu’Ableton Live dispose d’une bibliothèque de sons instrumentaux très riche et fournie. Les architectures de synthèse de ces éléments audio sont maniables et on peut donc, via le logiciel, créer de véritables sons complexes. 

Utiliser Ableton, c’est également se donner la possibilité de créer des effets, applicables aux brouillons comme aux versions Live. Les mix sont alors précis et les manipulations rendues très faciles grâce à une ergonomie de premier ordre. 

Enfin, utiliser Ableton Live, c’est pouvoir utiliser son logiciel de travail favori directement sur scène. Live permet en effet de piloter l’intégralité de son spectacle en contrôlant depuis l’interface ses appareils externes, ses effets ou même ses tables de mixage. On peut improviser en direct en solo ou resampler en temps réel. Très pratique à utiliser, Ableton propose d’ailleurs une technologie innovante : Link, qui permet de synchroniser plusieurs appareils sur un même réseau, et donc de jouer avec des applications musicales différentes. 

Utiliser Ableton : se former 

Ableton propose, sur sa plateforme en ligne, de nombreux tutoriels de prise en main et de perfectionnement du logiciel. Très fournis, clairs et techniques, ils ne remplacent pourtant pas une véritable formation en ingénierie et production audio. 

En effet, véritablement maîtriser Ableton requiert du temps, de la pratique et un retour constant sur ses erreurs (en vue de les corriger et de s’améliorer). C’est pour cette raison que la maîtrise du logiciel est un incontournable des formations des bonnes écoles d’audiovisuel.   

Il est préconisé d’apprendre à utiliser Ableton Live au cours d’une formation supérieure en audiovisuel, afin de bénéficier d’un apprentissage à l’utilisation des autres logiciels professionnels du secteur. En effet, la maîtrise de plusieurs outils est un gage d’indépendance et de performance pour les techniciens du son. Les recruteurs du secteur et les maisons de disques travaillent parfois sur plusieurs supports numériques dans le but de gagner en productivité et en confort de travail. Ils attendent donc de leurs futurs collaborateurs qu’ils sachent être autonomes sur plusieurs types de consoles audionumériques. 

L’ESIS propose à ce titre des formations de haut niveau académique et technique, dont son Mastère Réalisation et Production Sonore, qui permet de parfaitement utiliser Ableton Live. 

Utiliser Ableton fait partie du quotidien des ingénieurs des créateurs et des producteurs de l’industrie audio. Il ne faut donc pas négliger sa maîtrise de l’outil et privilégier un entraînement technique et professionnalisant.

La production sonore est un élément clef dans la narration de projets audiovisuels. Les étudiants formés au Mastère Réalisation et Production Sonore de l’ESIS sont spécialisés dans cet aspect de la production. Ils sont formés à collaborer avec d’autres professionnels de l’audiovisuel pour créer des projets innovants. 

La production sonore, élément clef de la narration

La production sonore est un élément clef dans la création de projets audiovisuels. Elle permet de créer des ambiances, des effets sonores et même de composer des musiques uniques qui participent à la narration de l’histoire et à la création d’une émotion qui sera transmise au public.  

Les futurs professionnels, formés grâce au Mastère Réalisation et Production Sonore de l’ESIS, sont préparés à développer des compétences spécifiques. Ces dernières les rendent à même d’utiliser le son de manière efficace dans la plupart des projets audiovisuels. Ce programme de formation permet aux étudiants de se spécialiser dans la production sonore et d’apprendre à travailler en collaboration avec d’autres professionnels de l’industrie multi médiatique. 

Publicité, documentaire, et film d’animation 

La production sonore est utilisée dans de nombreuses industries. On retrouve notamment la publicité, les documentaires et les films d’animation. Dans la publicité, le son est utilisé pour créer des ambiances et véhiculer des émotions qui incitent le public à acheter un produit ou un service. Dans les documentaires, le son est plutôt utilisé pour donner vie aux images ainsi que pour transmettre, cette fois-ci, des informations au public. Dans les films d’animation, le son est utilisé pour créer des univers sonores qui participent à l’immersion du public dans l’histoire. 
   
Les professionnels formés à la réalisation et à la production sonore sont capables de travailler dans ces différents contextes et de créer des productions sonores qui participent à la narration. Ils sont formés à la prise de son, à la création d’effets sonores et de musiques, ainsi qu’à la post-production sonore. 

Compétences acquises après un Mastère dans le Son 

A la fin de ce Mastère, les étudiants possèdent une solide compréhension de la théorie de la narration. Ils sont en mesure d’appliquer cette connaissance pour créer une ambiance sonore qui soutient la narration du projet. Ils savent comment utiliser la musique, les effets sonores, les dialogues mais aussi les silences pour créer une expérience sonore immersive qui permet au public de se plonger dans l’histoire. 

De plus, les futurs professionnels formés par l’ESIS sont capables de concevoir et de produire des éléments sonores de haute qualité, tels que des enregistrements de terrain, des voix off et des bandes sonores originales. Ils sont aussi formés à l’utilisation de logiciels professionnels comme Pro Tools, pour éditer et mixer des sons avec une qualité optimale. Ces logiciels sont étudiés en cours mais également directement en entreprise. En effet, ce Mastère est un cursus en alternance. De ce fait, les étudiants sont immédiatement plongés dans un environnement professionnel, ce qui permet une meilleure insertion dans le monde du travail. 

Collaboration interdisciplinaire 

Également très importante dans la production sonore, la collaboration avec d’autres professionnels de l’audiovisuel. Les réalisateurs, les scénaristes, les monteurs et les animateurs, sont de précieux collègues pour créer des projets multimédias innovants. La clef d’une production sonore réussie, c’est la communication. Elle permet de produire un projet cohérent et de haute qualité. 

La collaboration interdisciplinaire est bénéfique pour la production sonore, car elle permet aux professionnels du Son de mieux comprendre l’histoire et les intentions de la production. En travaillant en étroite collaboration avec les autres membres de l’équipe, le producteur Son peut créer l’ambiance la plus proche possible du projet du réalisateur. Cette collaboration entre métiers de l’image est hautement encouragée à l’ESIS. Les étudiants travaillent sur de nombreux projets communs tout au long de leur formation, les filières sont constamment mélangées et leurs rendus sans cesse mis en parallèle. 

Des projets multimédias qui intègrent la production sonore 

De nombreux projets multimédias innovants sont créés chaque année par des professionnels du son. Parmi les exemples les plus remarquables (et bien souvent les plus appréciés du grand public) on retrouve les jeux vidéo, les installations sonores, les expériences de réalité virtuelle et les spectacles en direct.  

Les jeux vidéo sont un exemple parfait de la façon dont la production sonore peut améliorer l’expérience utilisateur. Les professionnels du son peuvent créer des bandes sonores immersives qui permettent aux joueurs de se plonger pleinement dans l’histoire, tout en créant des effets sonores réalistes pour améliorer l’immersion. 

Les installations sonores sont également un exemple d’utilisation innovante de la production sonore. Grâce à elle, il est possible de concevoir des installations sonores pour des espaces publics comme les musées, les centres commerciaux ou les parcs, dans le but de créer des expériences sonores immersives et interactives. 

Les expériences de réalité virtuelle offrent également de nombreuses possibilités pour la production sonore. Les professionnels du son peuvent créer des environnements sonores réalistes pour compléter l’expérience visuelle de la réalité virtuelle, créant ainsi une immersive pleine, à 360 degrés.   

Un atout pour les professionnels 

La production sonore est donc un élément crucial de la narration dans les projets multi médias ou cinématographiques. Les professionnels formés au Mastère Réalisation et Production Sonore de l’ESIS sont spécialisés dans cet aspect de la production et acquièrent les compétences nécessaires pour travailler dans différents contextes de l’industrie audiovisuelle. Ils sont également formés à collaborer avec d’autres professionnels pour créer des projets multimédias innovants. 

Un Mastère Son, c’est une formation idéale pour ceux qui souhaitent se spécialiser dans la production sonore et la narration. Les compétences acquises lors de cette formation sont des compétences très recherchées dans le monde professionnel car elles permettent de travailler sur des projets ambitieux mais aussi très variés. 

La production sonore, c’est un domaine en constante évolution. Avec l’arrivée de nouvelles technologies et de nouveaux formats audiovisuels, les professionnels du Son sont constamment amenés à se former, se reformer et à s’adapter pour rester à la pointe de leur domaine et continuer à proposer des productions sonores innovantes et captivantes. 

Les débouchés 

Le séminaire d’écriture consiste en un module d’apprentissage et d’entraînement central pour tous les étudiants désireux de devenir scénariste ou écrivain. Pourquoi est-il si important et comment se déroule-t-il ? 

Le séminaire d’écriture : pour qui ? 

Selon les structures organisatrices, les séminaires d’écriture sont ouverts aux particuliers comme aux professionnels. Généralement, néanmoins, il s’agit de sessions d’exercices de groupe destinés aux scénaristes, aux écrivains ou aux professionnels de l’écriture artistique. 

Pour un scénariste, le séminaire d’écriture consiste en un atelier fondamental dans son travail de production artistique. Il permet de s’entraîner à produire des narrations encadrées par un thème, une problématique ou une consigne et de comparer ses idées avec celles d’autres individus. Riches en émulation et en dynamisme, les séminaires d’écritures consistent d’ailleurs en une modalité d’apprentissage classique des écoles d’audiovisuel et de cinéma. 

Attention, dans le cadre des études professionnelles d’écriture technique et scénaristique, les séminaires d’écritures ne consistent pas en de courts stages de quelques jours (c’est le cas des ateliers destinés aux particuliers). Les ateliers créatifs des étudiants scénaristes sont susceptibles de se dérouler sur plusieurs mois et couvrent généralement l’intégralité d’une année de formation, voire d’un cursus complet et sont divisés en des séquences d’une semaine ou plus. 

Quels sont les objectifs d’un séminaire d’écriture ? 

De par son aspect pratique, le séminaire d’écriture revêt des objectifs techniques de premier ordre. Le but, c’est en substance de produire un écrit et de : 

– Développer un scénario complet, adapté à une pièce de théâtre, un court ou un long-métrage. 

– Maîtriser l’écriture dramaturgique, la structure scénaristique, les besoins techniques d’une production, penser les liens avec la musique d’un film ou les coupes de plans, etc. 

– Développer sa propre méthode de travail. 

– S’entraîner à prendre conscience de la vision du spectateur. 

Séminaire d’écriture : exemple de structure 

Un séminaire d’écriture se divise en diverses séances de travail, chacune d’une ou plusieurs heures. Au sein de ces unités de temps, les participants sont d’abord invités à prendre connaissance du thème, de la consigne ou de la problématique à respecter dans leur production. Cette contrainte est essentielle pour guider le processus imaginatif et permet d’explorer toutes les potentialités de l’écriture scénaristique et créative. Par exemple, il est possible de proposer une écriture type hollywoodienne, classique ou futuriste. 

Pour produire leur écrit, ils peuvent (au choix du formateur) : travailler en collaboration ou devoir rester intégralement autonome. Après la phase de production suit une étape de découverte des productions du groupe et des retours critiques sur ce qui a été proposé. Notons que la phase d’analyse est essentielle pour tous les participants, qui doivent apprendre à poser un regard objectif et technique sur les autres écrits et à comprendre les retours sur leurs créations. 

Dans le cadre de leur apprentissage universitaire de haut niveau, les étudiants de l’ESIS sont régulièrement conviés à des séminaires d’écriture technique afin de développer leurs compétences pratiques. 

Les séminaires d’écriture proposés dans le cadre d’une formation scénaristique doivent être animés par des experts du secteur qui font preuve d’une fine connaissance de la rédaction artistique et technique. 

Pour se lancer dans une formation dans le son et la musique, mieux vaut miser sur la pratique. À ce titre, le Bachelor Son et Musique de l’ESIS propose une formation immersive dans ces métiers passionnants et en constante évolution afin de produire la nouvelle vague de professionnels de l’audio. 

Qu’est-ce qu’un Bachelor Son et Musique à l’ESIS ? 

Une expérience immersive 

L’une des caractéristiques les plus intéressantes du Bachelor Son et Musique de l’ESIS est l’expérience – très immersive – qu’il offre aux étudiants. Loin des salles de classe classiques et des longues heures de cours théoriques, tout l’enseignement de ce cursus repose sur la pratique : il s’agit de “learning by doing” (littéralement, apprendre en faisant).Dès le premier trimestre, ils sont plongés dans un environnement professionnel, avec un accès complet à des studios d’enregistrement et à des équipements de pointe. Cette immersion leur permet d’acquérir rapidement des compétences pratiques et de travailler sur des projets concrets. 

Festival de musique, captation en direct sur des projets de courts-métrages, cours de bruitage, enregistrement live de chanteurs et de musiciens… Tout est fait pour former les étudiants aux exigences de ces métiers.En plus d’être formés par des professionnels en activité du son et de la musique, les étudiants de l’ESIS bénéficient d’un programme qui allie des périodes de cours et des périodes de stage. Un rythme unique pour se former directement aux côtés de leurs futurs collègues. 

La pratique : obligatoire dans les métiers du Son et de la Musique 

Dans les métiers du son et de la musique, la pratique est indispensable. Les employeurs recherchent des professionnels capables de produire des résultats concrets, et le Bachelor Son et Musique de l’ESIS est conçu pour répondre à cette exigence. Tout au long de la formation, les étudiants travaillent sur des projets concrets à la difficulté croissante, sous la supervision d’enseignants expérimentés. C’est grâce à ces projets que les étudiants acquièrent compétences et expériences : c’est bon pour leur développement personnel mais également pour celui de leur CV. Chacun des projets réalisés apporte un crédit supplémentaire au parcours des étudiants. 

Ce type d’apprentissage est très formateur pour intégrer les métiers du son et de la musique. En effet, ce sont des domaines en constante évolution, toujours à la recherche de nouveaux talents. Il faut pratiquer encore et encore pour prendre l’habitude de se tenir au courant des dernières innovations techniques et, surtout, apprendre à manipuler ce nouveau matériel au plus tôt.Cela permet aux étudiants de l’ESIS de se maintenirau mieux des perspectives d’embauches.  

Focus sur le programme 

Le technicien du son est un professionnel de l’audiovisuel qui est chargé de capter, d’enregistrer, de modifier et d’organiser les pistes audio qui composent un projet. Il travaille aussi bien dans l’industrie musicale que dans le spectacle vivant ou la production de documentaires et de films. Zoom sur les compétences à acquérir et les formations à suivre pour devenir technicien du son. 

Que fait un technicien du son ? 

Qu’il s’agisse d’intervenir sur un projet en direct (pièce de théâtre, concert ou émission en direct) ou sur un contenu préenregistré (film de cinéma, documentaire, etc.), le technicien du son supervise tout ce qui a trait à l’audio sur son projet.

À ce titre, c’est lui qui réalise les branchements électriques nécessaires au fonctionnement de l’installation, qui capture les pistes audio au moyen des appareils d’enregistrement et qui, ensuite, nettoiera ses fichiers, les assemblera et leur apposera des effets sonores.

Le technicien du son peut donner son avis technique aux équipes d’élaboration et de réalisation. Il indique au réalisateur l’endroit où placer les équipements, ses besoins en termes de volume sonore du jeu d’acteurs, etc. Il peut également collaborer avec un ingénieur du son en cas de dysfonctionnement ou pour appliquer des effets sonores aux pistes audio ou produire des projets en sound design. 

Quel est le profil du technicien du son ? 

Le technicien du son est un passionné du spectacle, de l’audiovisuel et des nouvelles technologies. Les horaires variables ne sont pas un problème pour lui, au contraire, il apprécie les tâches variées et le travail en équipe. 

C’est également un fin expert de la technologie numérique du son. D’ailleurs, ce professionnel effectue une veille constante des innovations dans son secteur afin de se former à l’utilisation des derniers produits du son numérique et de constamment proposer des prestations qui garantissent un rendu de très haute qualité.   

Plus généralement, le technicien du son maîtrise les principes physiques de l’acoustique et de la musique live au même titre que le processus du mastering, du mixage et de la diffusion en radio. Il sait procéder aux traitements audio les plus judicieux sur une console professionnelle ou via les derniers logiciels du secteur. Il peut travailler à la diffusion du contenu au même titre qu’à son enregistrement ou son montage. 

Devenir technicien du son : privilégier un Bachelor 

Pour être certain de devenir technicien du son à l’issue de son cursus, il est fortement conseillé de s’orienter vers une formation post-bac de type Bachelor. Ces cursus spécialisés se déroulent en trois ans et permettent de véritablement apprendre un métier. Caractérisés par leur dimension hautement technique, les Bachelors Son sont pris en charge par les établissements spécialisés dans l’audiovisuel. 

À ce titre, le Bachelor Son de l’ESIS présente un très fort taux d’insertion professionnelle et offre de véritablement devenir technicien du son dès l’issue de son parcours en alternance. 

Un technicien son senior, qui justifie de cinq années d’expérience dans des structures reconnues du secteur, peut obtenir une rémunération proche des 5 000 euros mensuels. 

Poursuite d’études et débouchés 

Après un Bachelor Son à l’ESIS, les étudiants peuvent intégrer le tout nouveau Mastère Réalisation et Production Sonore. Ce cursus leur délivrera un titre RNCP de niveau 6 et reconnu par l’Etat. Parmi les nombreux débouchés sur lesquels aboutissent ces formations, on retrouve de nombreux secteurs comme la musique, le cinéma fiction, le spectacle vivant, la télévision, les reportages, le documentaire… 

Le script est un document technique et professionnel caractérisé par la simplification. Dans le milieu du cinéma, il reprend le scénario en lui apportant des informations techniques de premier ordre. Quelles sont les erreurs à ne pas commettre lors de l’écriture d’un script ? 

Le script : un document à destination des équipes techniques 

Pour ne pas faire d’erreurs au moment de l’écriture d’un script, il est important de garder à l’esprit que l’objectif du document est de fournir aux équipes des techniciens qui travaillent sur un projet de cinéma des informations leur permettant de bien mener leur travail. 

Le script est distribué à tous les intervenants d’un projet audiovisuel, qu’il s’agisse des comédiens, des techniciens, des professionnels de la réalisation ou de la production. Dans le script, il faut alors faire figurer toutes les informations nécessaires aux différents corps de métier du cinéma. Il comporte donc le numéro de la séquence, du plan, des indications de cadrage, du support ou du mouvement de la caméra ainsi que la mention d’éventuels effets spéciaux. 

La première erreur à éviter est par conséquent de ne pas mettre suffisamment d’informations dans son script. Lors de son écriture, il faudra en parallèle lister le nom des comédiens présents pour telle séance, tel jour, leur costume, leur coiffure ou leurs accessoires. Le script doit comprendre des informations à propos de tous les détails qui garantissent la qualité et la continuité du projet audiovisuel. Son écriture doit permettre d’éviter, par exemple, les faux raccords. Si un comédien prend son verre de la main droite, le script le mentionne en vue qu’au plan suivant, le comédien le tienne bien de la même main. 

1. Ne pas respecter la structure du script 

Puisqu’il s’agit d’un document de travail à visée technique, le script est encadré par une écriture très structurée. Chaque page est munie d’un en-tête horizontal avec le numéro de la séquence, du plan et les principales indications pour le personnel de cadrage, de gestion de la lumière ou des effets spéciaux. 

Le feuillet est ensuite divisé en deux colonnes. On inscrit à gauche une description succincte du jeu de scène (comme les didascalies) et le mouvement de la caméra qui l’accompagne. Dans la colonne de droite, on retrace les répliques des acteurs. 

2. Adopter une rédaction inappropriée dans l’écriture du script 

Attention, une des erreurs à ne surtout pas commettre, c’est de confondre script, œuvre littéraire et scénario. Le script est caractérisé par son écriture neutre et ses détails techniques. Le scénario retrace l’intégralité de l’histoire du film, il comprend une trame narrative et donne de nombreux détails sur l’histoire. 

Par ailleurs, le style d’écriture d’un script doit être technique, précis et incisif. Il faut donc privilégier les termes de l’audiovisuel, le présent simple et des adjectifs qualificatifs sans fioritures ni tournures de style. Dans le script, inutile d’en dire trop sur la psychologie des personnages ou même d’y faire référence si cela n’est pas nécessaire aux équipes des techniciens du son, de la lumière ou des images. 

3. Improviser l’écriture du script 

Pour réussir l’écriture d’un script, il est important de se former au métier. La scripte est responsable de l’écriture des documents permettant la continuité de la réalisation d’un projet audiovisuel. Lors de l’écriture de son script, c’est ce professionnel qui fait le lien entre le montage et la direction de production. 

Lors de son travail d’écriture, la scripte va en premier lieu lire le scénario, l’analyser et collecter toutes les informations techniques possibles auprès des intervenants de production. Dans cette phase d’écriture, la scripte doit être en mesure de fournir des informations quant à la durée de l’œuvre, au découpage de chaque scène ainsi que du nombre de comédiens nécessaires. 

Avant même l’écriture du script, il faut alors réaliser un pré-minutage du film en utilisant un chronomètre et en rejouant le scénario. Pour éviter les erreurs et fournir des indications réalistes, le script doit connaître le rythme que le réalisateur souhaite donner à son œuvre. 

Par ailleurs, en vue d’adapter son script à la réalité, d’éviter des erreurs et les improbabilités, il est important que la scripte participe aux répétitions. C’est pour toutes ces raisons que l’écriture du script intervient après une ou plusieurs réunions de préproduction. 

4. Ne pas s’entraîner à l’écriture de script 

Afin de réussir à tout prévoir et à ne pas commettre d’erreur lors de l’écriture de leur script, les professionnels s’entraînent le plus rapidement possible. Généralement, ils suivent des formations spécialisées en audiovisuel caractérisées par l’alternance. Grâce à de nombreux stages en immersion et à des projets pratiques, les étudiants commencent très tôt dans leur cursus à manipuler l’écriture de script. 

En multipliant leurs interventions sur les tournages, ils accumulent de l’expérience professionnelle, observent de très nombreuses manières de travailler et parviennent à anticiper tous les besoins d’informations techniques à faire figurer dans leur script. 

Pour éviter des erreurs importantes dans l’écriture du script et fournir un document véritablement technique, il est conseillé de participer à un maximum de projets audiovisuels possibles. C’est en observant le travail de tous les corps de métier du cinéma que l’on comprend mieux leurs contraintes, leurs exigences et leurs besoins en support technique. Par exemple, en suivant une bonne formation spécialisée en audiovisuel, les étudiants découvrent toutes les problématiques d’un tournage de cinéma : installation des rails, mouvement de la caméra, besoin de luminosité, etc. Ils se nourrissent de ces expériences et de ces apports pédagogiques en vue de proposer une écriture de script complète.

L’ESIS offre à ses étudiants de se former au plus haut niveau académique et technique dans le cinéma, le son et la musique. Les étudiants du Mastère Communication et Production Cinématographique ainsi que du cycle de spécialisation Réalisation et Production Sonore apprennent tout de l’écriture technique en vue de ne pas faire d’erreurs lors de l’écriture de leur script. 

Le ou la scripte junior peut obtenir une rétribution de 2500 € nette par mois en début de carrière. Selon son expérience professionnelle et les projets auxquels il ou elle a participé, ce salaire peut considérablement et rapidement augmenter.