Publiée le 28 January 2024

Quand on entreprend l’écriture d’un scénario, il est crucial de concevoir des personnages mémorables et captivants afin de susciter l’intérêt du public et insuffler de la vie à l’intrigue. Un bon personnage est celui qui évolue au fil de l’intrigue, qui suscite l’empathie du public et qui contribue à rendre le récit crédible et stimulant.

L’ESIS, l’École Supérieure du Cinéma, du Son et de la Musique te donne quelques conseils pratiques pour écrire des personnages riches et authentiques qui marqueront les esprits.

 

 

 

 

 

 

Une psychologie profonde

Un personnage bien développé possède une psychologie complexe et nuancée. L’ESIS vous conseille de prendre le temps de comprendre les motivations, les peurs, les désirs et les conflits internes de votre personnage. Quelles sont ses aspirations profondes ? Quels événements de son passé ont façonné sa personnalité ? En explorant ces aspects, vous créerez des personnages plus réalistes et plus intéressants pour votre histoire.

 

Des objectifs clairs et motivants

Il est préférableque chaque personnage soit poussé avoir des objectifs clairs et motivants qui le poussent à agir tout au long du récit. Ces objectifs peuvent être externes (comme sauver le monde) ou internes (comme surmonter une peur ou une faiblesse personnelle). Les objectifs bien définis donnent à votre personnage un but à atteindre et créent des conflits captivants qui alimentent l’intrigue de l’histoire

 

Des personnages complexes et multidimensionnels

Les personnages les plus mémorables sont souvent ceux qui possèdent des traits contradictoires et qui évoluent au fil de l’histoire. Par exemple, un héros courageux peut également avoir des moments de doute ou de faiblesse, ce qui le rend plus humain et plus accessible pour le public.

 

Le dialogue pour révéler la personnalité des personnages

Le dialogue est un outil puissant pour révéler la personnalité des personnages. Vous pouvez l’utiliser pour montrer leur style de langage, leur sens de l’humour, leurs valeurs et leurs croyances. Les répliques,authentiques et cohérentes avec la personnalité du personnage, permettront de renforcer les caractérisations et les rendront plus mémorables pour le public.

 

Intégrer des Défis et des Conflits

Les meilleurs personnages sont souvent confrontés à des défis et des conflits qui mettent à l’épreuve leurs compétences, leurs valeurs et leur résilience. Ces épreuves permettent de révéler leur véritable nature et de montrer leur évolution au cours du récit. Les défis auxquels vos personnages sont confrontés sont à la fois crédibles et significatifs, afin de maintenir l’intérêt du public.

 

Rendre les Personnages Humains et Imprévisibles

Les humains sont complexes et imprévisibles, et les personnages peuvent donc l’être aussi. L’intégration de moments de vulnérabilité, d’ambiguïté et de surprise pourra rendre vos personnages plus authentiques et plus captivants. Il est possible de défier les attentes du public et de prendre des risques narratifs pour créer des personnages inoubliables.

 

Désirez-vous créer votre propre scénario ?

L’ESIS propose un Mastère Scénario réalisation de deux ans en alternance ouvert aux titulaires d’un titre de niveau Bac +3 (ou équivalent). Deux autres Mastère sont proposés dont un Mastère Réalisation et Production Sonore et un Mastère Communication et Production Cinématographique. Il est également possible d’intégrer l’école après le Bac en BTS Métiers de l’Audiovisuel avec quatre options au choix dont l’Option Montage et Post-Production, l’Option Gestion de Production, l’Option Image et l’Option Son. L’ESIS propose également un Bachelor Cinéma et VFX ainsi qu’un Bachelor Son et Musique.

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Publiée le 4 March 2025

 

 

 

Si tu veux flexer en soirée ou impressionner, lâche cette phrase : 

 « George Lucas a révolutionné les effets spéciaux en 1977 avec Star Wars. » 

Entre les maquettes des X-Wings et les Na’vis en 3D ultra-réaliste d’Avatar 2, y’a une sacrée différence… Retour sur l’évolution des effets spéciaux (VFX) qui ont changé le game.  

 

 

 

 

 

1977 : Star Wars : Un Nouvel Espoir 

Quand George Lucas décide de donner vie à Star Wars : Un Nouvel Espoir, il sait qu’il ne pourra pas compter sur des images de synthèse qui se voit en pleine essort dans les années 80-90) pour ses batailles spatiales. La solution ? Direction Monsieur Lucas Bricolage ! 

Avec son équipe d’ILM (Industrial Light & Magic, aka les magiciens de la post-prod), il met au point la motion control photography. Cette technique révolutionnaire consiste à filmer des maquettes de vaisseaux avec des mouvements de caméra ultra-fluides et programmés, permettant ainsi des séquences dynamiques et réalistes. Contrairement aux effets rudimentaires de l’époque où les objets flottaient bizarrement à l’écran, ici, tout est calculé au millimètre près pour donner l’illusion parfaite du vol spatial. 

Le résultat ? Une bataille intergalactique qui envoie du lourd, et tout ça sans le moindre pixel généré par un ordinateur, juste avec des maquettes, des caméras robotisées et un savoir-faire bluffant. On peut clairement dire que Lucas et son équipe ont inventé le DIY version Hollywood… et ça marche du tonnerre. 

 

1993 : Jurassic Park – « IL VOUS REGARDE… »  

Steven Spielberg débarque dans les années 90 avec une question qui va révolutionner le cinéma (et ouvrant la porte à une avalanche de suites et de remakes) : 

« Et si on ramenait les dinosaures à la vie ? » 🦖 

Face à ce défi technique colossal, deux options s’offrent à lui : 

• Tenter de louer un Vélociraptor sur LeBonCoin (bof, ça risque de finir en drame au service compta). 

• Mélanger des animatroniques réalistes avec les premières images de synthèse vraiment convaincantes. 

Heureusement, Spielberg choisit la deuxième option, et avec l’aide des équipes de Stan Winston Studio (pour les animatroniques) et ILM (pour les effets numériques), il réussit l’impossible : donner naissance aux dinosaures les plus crédibles jamais vus à l’écran.  

Résultat ? Une claque monumentale pour le public : des créatures qui bougent avec un naturel bluffant, un réalisme encore impressionnant aujourd’hui et une immersion totale dans un monde où l’on croit vraiment que ces monstres préhistoriques marchent parmi nous. Grâce à Jurassic Park (1993), Hollywood comprend enfin que le numérique n’est pas juste un gadget pour faire joli, mais bien l’avenir du cinéma. Et ça, c’est un pas de T-Rex dans l’histoire des effets spéciaux. (Vous avez compris la blague…non…Ah…bon ben pas grave…Continuons)  

 

2009 : Avatar – James Cameron et son joujou bleu  

James Cameron débarque à Hollywood, observe les avancées en images de synthèse (CGI) et se dit : 

 « Ok, c’est sympa, mais on peut faire BEAUCOUP mieux. » 

Plutôt que de se contenter des techniques existantes, il décide de tout repenser de zéro (ou sinon, ce n’est pas drôle) et d’imposer de nouveaux standards à l’industrie. Il claque alors : 

• Une motion capture révolutionnaire : Contrairement aux précédents films qui se contentaient de capturer les mouvements corporels des acteurs, Cameron pousse la technologie un cran plus loin en enregistrant chaque micro-expression faciale. Grâce à un système de capteurs ultra-précis, chaque émotion se retranscrit fidèlement sur les Na’vis. Résultat ? Avatar devient le premier film où des créatures numériques paraissent aussi expressives que des humains réels. 

• Une caméra 3D inédite : Cameron ne voulait pas d’un simple film avec des effets rajoutés en post-prod. Il conçoit alors une toute nouvelle génération de caméras 3D, capable de capturer directement des images immersives en relief, sans tricherie ni conversion approximative. L’effet est saisissant : pour la première fois, on a l’impression d’être plongé dans un autre monde, et non juste de regarder un film en 3D. 

• Un budget astronomique : Faire tout ça, ça coûte cher. Très cher. Très très cher. Avatar devient alors l’un des films les plus coûteux de l’histoire, dépassant les 300 millions de dollars (soit plus que le PIB de certains petits pays).  

Résultat ? Pandora, la planète fictive du film, est tellement crédible et immersive qu’elle donne envie de booker un billet pour aller s’y promener (spoiler : ce n’est pas possible, désolé). L’univers est d’une richesse visuelle incroyable, et chaque plante, chaque animal, chaque… (Vous l’avez vu je ne vais pas refaire l’éloge qualitatif).  

 

2022 : Avatar : La Voie de l’Eau, le patron est de retour  

James Cameron, toujours en quête de perfection visuelle, ne compte pas s’arrêter. Pour La Voie de l’Eau, il double la mise et pousse les limites technologiques encore plus loin, au point d’inventer des procédés jamais encore vus au cinéma. 

• Première prouesse : la motion capture sous-marine. 

 Jusqu’ici, la performance capture se faisait sur terre, en studio, avec des acteurs bardés de capteurs et filmés sous des dizaines de caméras. Mais sous l’eau ? Jamais fait avant. Cameron et son équipe développent donc un système inédit permettant d’enregistrer les mouvements des acteurs en pleine immersion, tout en capturant la distorsion et le comportement de la lumière sous l’eau. Donnant des mouvements fluides et un réalisme saisissant dans toutes les scènes aquatiques du film. 

• Des effets visuels ultra-précis. 

Les reflets, la lumière qui se diffuse sous l’eau, la transparence… Tous ces détails, qui paraissent naturels en conditions réelles, sont un cauchemar à reproduire numériquement. Pourtant, l’équipe de Weta Digital (les maîtres du CGI derrière Le Seigneur des Anneaux) réussit un exploit : chaque goutte, chaque éclat lumineux semble authentique. 

• Cameron ne rigole pas avec l’immersion. 

Pour amplifier encore plus cette sensation, il s’appuie sur une caméra 3D révolutionnaire, spécialement conçue pour Avatar 2, et qui améliore la profondeur de champ et le relief de chaque image. Ajoute à ça un taux de rafraîchissement de 48 images par seconde (au lieu des 24 standards), et tu obtiens un film où tout semble plus net que le monde réel. 

 

Et demain ?  

Les VFX, c’est une course sans fin. Aujourd’hui, on parle d’IA, de réalité virtuelle, de 4D…Dans 10 ans, tu pourras peut-être ACTUELLEMENT jouer dans ton propre blockbuster depuis ton salon.  Le cinéma, c’était une fenêtre sur l’imaginaire.  Bientôt, ce sera une porte ouverte. 

Mais attention, l’IA n’est pas (encore) Spielberg… 

Alors oui, l’IA, c’est fascinant, ça peut générer des décors ultra-réalistes en quelques secondes, doubler des acteurs sans qu’ils ouvrent la bouche, et même créer des visages humains à partir de rien. Mais y’a des hic… 

Un film sans humain, ça sonne faux. Les IA créent des images, mais sans une vraie direction artistique derrière, ça reste un algorithme qui balance des pixels. 

Le syndrome du “too much”. Trop de CGI tue le CGI (coucou les films Marvel en full fond bleue). Quand tout est artificiel, le spectateur sent qu’un truc cloche. L’exemple parfait ? The Flash (2023) et ses CGI qui ressemblent à un jeu PS3. 

Hollywood flirte avec la flemme. Certains studios se disent « Pourquoi embaucher des artistes VFX quand une IA peut le faire plus vite et moins cher ? ». Moins de jobs pour les artistes et un risque de standardisation du cinéma où tous les films finiraient par se ressembler. 

Donc oui, l’IA, c’est un outil ultra-puissant… mais pas un réalisateur. Un bon film, c’est avant tout une vision humaine, une intention artistique, et une alchimie qu’aucun algorithme ne pourra reproduire. Vous pouvez dormir tranquilles… pour l’instant.  

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Publiée le 12 August 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On a eu la chance d’être invités aux Trophées Clarins 2025, cet événement où le sport rencontre la transpiration et où l’on crie “Allez !” comme si notre vie en dépendait. Entre raquettes et passion, ça nous a donné envie de parler du tennis au cinéma, et surtout de célébrer les femmes qui ont frappé fort sur grand écran. Parce que oui, dans le tennis comme dans le cinéma, les joueuses ne sont pas là pour faire de la figuration.

🎬 Challengers : le film qui fait monter la température sur le court

Sorti en 2024, Challengers est un film réalisé par Luca Guadagnino, connu pour ses œuvres sensuelles et esthétiques. Le film met en scène Tashi Duncan (interprétée par Zendaya), une ancienne prodige du tennis devenue coach, qui se retrouve au cœur d’un triangle amoureux avec son mari Art Donaldson (Mike Faist) et son ancien petit ami Patrick Zweig (Josh O’Connor). Le tout se déroule dans l’univers compétitif du tennis, avec des matchs tendus et des émotions à fleur de peau.

Zendaya apporte à Tashi une intensité rare : chaque regard, chaque mouvement est chargé de sens. Elle ne se contente pas de jouer une sportive ; elle fait vibrer la fragilité, les doutes et la rage intérieure de son personnage. Sa prestation a été saluée pour son authenticité, prouvant qu’elle peut porter un film entier sur ses épaules, avec finesse et puissance. Le personnage de Tashi a marqué les esprits car elle est vraie. Pas un cliché de la femme “forte” invincible, mais une femme avec des contradictions, qui doute, qui aime, qui se bat. Tashi, c’est aussi la représentation d’une nouvelle génération de femmes dans le sport et au cinéma, qui refuse les cases et les limites.

Le film a été salué pour sa direction artistique et sa bande-son électro signée Trent Reznor et Atticus Ross, qui ajoute une dimension supplémentaire aux scènes de match. Cependant, certains critiques ont estimé que le film manquait de profondeur émotionnelle et se contentait de survoler les thèmes abordés.

🎾 Le tennis au cinéma : une histoire de passion et de rivalité

Le tennis a inspiré de nombreux films au fil des ans. Parmi les plus célèbres, on peut citer :

• Battle of the Sexes (2017) : ce film raconte le match historique entre Billie Jean King et Bobby Riggs, mettant en lumière les enjeux de genre dans le sport.
• Borg vs McEnroe (2017) : un drame psychologique qui explore la rivalité intense entre les deux légendes du tennis.
• King Richard (2021) : l’histoire inspirante de Richard Williams, le père des célèbres sœurs Williams, qui a guidé ses filles vers le sommet du tennis mondial.

Ces films montrent que le tennis n’est pas seulement une question de raquette et de balle, mais aussi de stratégie, de psychologie et de détermination.

Invitation aux Trophées Clarins 2025

Et maintenant, imaginez-vous sur le terrain en terre battue des Trophées Clarins 2025, un événement prestigieux qui célèbre le tennis féminin. C’est l’occasion rêvée de croiser des stars du tennis, de discuter stratégie de jeu et de partager des anecdotes croustillantes sur les matchs mémorables.

Les Trophées Clarins ne célèbrent pas seulement les performances, ils soutiennent aussi la promotion du tennis féminin et encouragent la prochaine génération à se dépasser, avec passion et fair-play. Que vous soyez fan, joueuse, ou simplement curieux·se, c’est une occasion unique de plonger dans l’univers du tennis avec style et bonne humeur.

En résumé, le tennis au cinéma, c’est bien plus que des échanges de balles : c’est une métaphore de la vie, avec ses hauts, ses bas, ses rebonds et ses smashs. Alors, que vous soyez fan de tennis ou de cinéma, n’hésitez pas à vous laisser emporter par la passion et l’émotion que ces films ont à offrir.

Lelia Tostivint

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Publiée le 4 February 2024

L’industrie cinématographique est en constante évolution, cherchant toujours à repousser les limites de l’immersion et de l’expérience sensorielle pour le public. Parmi les nombreuses avancées technologiques, la spatialisation audio émerge comme un outil puissant pour enrichir l’expérience cinématographique et transporter les spectateurs au cœur de l’action de manière plus immersive que jamais.

L’ESIS, l’École Supérieure du Cinéma, du Son et de la Musique vous démontre dans cet article comment rendre le cinéma plus immersif avec la spatialisation audio.

 

 

 

 

 

 

QU’EST-CE QUE LA SPATIALISATION AUDIO ?

La spatialisation audio, également connue sous le nom de son 3D, permet de créer un environnement sonore tridimensionnel qui enveloppe littéralement le spectateur. Contrairement au son stéréo traditionnel, qui est projeté en deux dimensions, la spatialisation audio donne l’impression que les sons proviennent de différentes directions et distances, créant ainsi un effet de profondeur et de réalisme saisissant.

 

UNE UTILISATION INNOVANTE : LE SON AMBIOPHONIQUE

Une utilisation innovante de la spatialisation audio est le son ambiophonique, qui utilise une configuration de haut-parleurs surround pour diffuser le son dans toutes les directions, y compris au-dessus et en dessous du spectateur. Cela permet de recréer des environnements sonores complexes et immersifs, comme le bruit d’une forêt dense ou le fracas des vagues s’écrasant sur une plage, avec une précision et une fidélité remarquable.

 

RENFORCER L’IMPACT ÉMOTIONNEL

La spatialisation audio peut être utilisée pour renforcer l’impact émotionnel des scènes clés. Par exemple, en amplifiant les sons environnants lors d’une scène d’action palpitante ou en créant un sentiment d’isolement dans une scène de suspense. La spatialisation audio peut aussi intensifier l’expérience sensorielle du spectateur et le plonger encore plus profondément dans l’univers du film.

 

APPLICATIONS DANS D’AUTRES DOMAINES

Mais la spatialisation audio ne se limite pas seulement au cinéma. Elle trouve également des applications dans d’autres domaines, tels que dans les jeux vidéo, avec la réalité virtuelle ou encore avec la réalité augmentée, où elle est utilisée pour créer des environnements sonores immersifs et interactifs qui enrichissent l’expérience de l’utilisateur.

 

LES DÉFIS ET LES OBSTACLES

Cependant, malgré tous ses avantages présentés, la spatialisation audio présente aussi des défis techniques et artistiques. La création d’un environnement sonore tridimensionnel nécessite une planification minutieuse et une collaboration étroite entre les ingénieurs du son, les réalisateurs et les monteurs sonores. De plus, la compatibilité avec les différents systèmes de son et les salles de cinéma pose des défis supplémentaires, ce qui rend son adoption à grande échelle plus difficile.

 

L’AVENIR DE L’EXPÉRIENCE MULTIMÉDIA

Malgré ces défis, la spatialisation audio représente l’avenir du cinéma et de l’expérience multimédia. En offrant une immersion sonore inégalée et en repoussant les frontières de la créativité artistique, elle ouvre de nouvelles possibilités passionnantes pour les cinéastes, les développeurs de jeux vidéo et les créateurs de contenus, promettant ainsi de transporter le public vers des mondes encore plus captivants et immersifs pour le futur.

 

Etes-vous intéressé.e par le domaine du son et du cinéma ? L’ESIS, vous propose un BTS Métiers de l’Audiovisuel avec 4 options (Option Montage et Post-Production, Option Gestion de Production, Option Image et Option Son) et 2 Bachelors : le Bachelor Cinéma et VFX et le Bachelor Son et Musique. Si vous le souhaitez, vous pourrez continuer votre cursus en Mastère Réalisation et Production Sonore, en Mastère Communication et Production Cinématographique ou en Mastère Scénario Réalisation.

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Publiée le 11 March 2025

 

 

Rarement une série animée (tiré d’un jeu) aura eu un impact aussi colossal qu’ARCANE. Propulsée sur NETFLIX par RIOT GAMES et le studio français FORTICHE PRODUCTION (et non pas fortnite production !), cette adaptation de l’univers de League of Legends a captivé aussi bien les joueurs fans de Lore que les spectateurs néophytes (personne qui débute ou qui manque d’expérience dans un domaine spécifique). Avec un mélange parfait d’animation époustouflante, de personnages complexes et d’une bande-son mémorable, ARCANE s’est imposée comme un phénomène mondial.  

 

 

 

Mais pourquoi cette série fonctionne-t-elle si bien ?  

On vous explique tout (et promis, pas de spoilers pour les retardataires). 

 

Tout commence avec l’animation, Fortiche Production a mis huit ans à concevoir la série (saison 1 et saison 2 incluses), et cela se voit dans chaque détail. Le style visuel mélange habilement 2D et 3D, avec des décors peints à la main qui donnent vie aux villes de Piltover et Zaun. Inspirés par le steampunk, l’Art Déco et l’Art Nouveau, ces décors offrent un univers visuel unique et riche. Ajoutez à cela des textures incroyables et des expressions faciales qui capturent chaque émotion (les side-eyes de Viktor), et vous obtenez une animation qui flirte avec l’œuvre d’art. C’est du grand cinéma, mais en série. Et avouons-le : voir un studio français briller à ce niveau, c’est une fierté. ✨ 

Mais une belle image ne suffit pas à captiver. Si ARCANE fonctionne, c’est aussi grâce à ses personnages. Chaque figure est complexe, nuancée, et profondément humaine, qu’il s’agisse de Vi, Jinx, Ekko ou encore Viktor (dont la VO, entre nous, est si captivante qu’on veut l’entendre lire des livres audio 📚🎧). Ce qui frappe, c’est la profondeur des relations, en particulier les dynamiques mère-fille et père-fille, des thématiques rares dans l’animation. La tension entre Jinx et Silco, ou les confrontations entre Mel et sa mère, ajoutent une intensité dramatique qui résonne universellement. On ressent leurs conflits, leurs dilemmes, leurs choix, et c’est là que la série touche juste : ces personnages ne sont pas des héros ou des méchants, ce sont des êtres brisés essayant de survivre dans un monde impitoyable. (Et c’est peut-être pour cela qu’on s’identifie si bien à eux). 

 

Et comment parler d’ARCANE sans mentionner sa bande-son légendaire ?

Dès la première saison, Imagine Dragons avait marqué les esprits avec Enemy, et la saison 2 poursuit sur cette lancée. Le retour de Stromae (et Pomme) avec Ma Meilleure Ennemi a suscité une énorme vague d’émotions chez les fans, mais c’est The Line de Twenty One Pilots qui s’est imposé comme une véritable pépite (je sais, ce n’est pas vrai, mais c’est mon article ok! ). La version live des THE GAMES AWARDS a même transcendé le titre original (le crie !), prouvant à quel point cette bande-son est intimement liée à l’univers de la série. 🎶🔥

Cependant, tout n’est pas rose du côté des spectateurs. Beaucoup ont exprimé une certaine déception ou tristesse face à la conclusion de la saison 2. Sans entrer dans les détails, disons que certains arcs narratifs laissent des questions en suspens. Mais pas de panique ! RIOT GAMES a confirmé l’arrivée de spin-offs dans l’univers d’ARCANE. On peut donc espérer de nouvelles aventures, peut-être avec des héros d’autres régions de League of Legends. Piltover et Zaun ne sont que le début : imaginez une série sur Ionia ou Noxus… Les possibilités sont infinies. 🌌 

 

Et enfin, il faut souligner un autre point fort de la série : le doublage. La VO est magistrale, avec des performances intenses de Hailee Steinfeld (Vi) et Ella Purnell (Jinx). Mais la VF, brille ici comme l’une des meilleures traductions animées récentes. Chaque dialogue est soigneusement adapté, sans perdre l’essence émotionnelle des personnages. Une preuve de plus que le doublage, lorsqu’il est bien fait, peut transformer une expérience. 

 

Ce que RIOT et FORTICHE ont accompli avec ARCANE dépasse toutes les attentes : c’est une révolution visuelle, un enrichissement culturel, et un modèle pour l’avenir de l’animation. Mais avec des spin-offs à venir, le débat actuel sur l’importance du doublage… quel est l’avenir de l’animation mais aussi du doublage ? On en reparle très vite ! 😉 

 

 

Sur ce, foncez sur Netflix et laissez-vous emporter par ARCANE. Préparez-vous à voyager, rire, vous attacher, pleurer, ou peut-être, être un peu déçu… Mais quoi qu’il en soit, allez regarder cette série et faites-vous votre propre opinion. Et n’oubliez pas d’ajouter un article à votre dossier “Open” après visionnage ! 😉 

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Publiée le 8 July 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le Comte de Monte-Cristo

Alors oui, c’est un classique ! On en parle encore, mais franchement, qui n’est pas fier d’un excellent film français ? Avec Pierre Niney qui incarne à merveille Edmond Dantès, cet ange de l’injustice et de la vengeance, le jeu des acteurs.ices est tout simplement époustouflant.

La photographie, magnifiquement travaillée, et la bande-son qui vous coupe le souffle, ajoutent à l’intensité du film. Franchement, le film produit par Chapter 2 (les producteurs des Trois Mousquetaires) est une véritable œuvre authentique. On voyage non seulement avec les personnages, mais aussi à travers les paysages splendides de la France !

Anora

Un Pretty Woman revisité, mais dans une version plus réaliste et sombre. Un sujet qu’on connaît bien, mais qui, étonnamment, ne nous lasse jamais. Le film prend son temps, tout en étant dynamique, et ça, on adore. Un jeu de couleurs saisissant, oscillant entre euphorie et réalisme, amour et illusion, liberté et responsabilité. Ce film ne se contente pas de mélanger les couleurs, il fusionne aussi les langues, les univers, tout en offrant une direction artistique et un personnage principal profondément complexes. Un film qui a marqué le Festival de Cannes en 2024 et puis, il fallait bien inclure un film Le Pacte.

Thunderbolts*

Les anti-héros, ça fonctionne. Pourquoi ? Parce qu’ils sont humains, avec des défauts. Ce film aborde la santé mentale et est sorti pendant le mois dédié à cette cause. Thunderbolts* réunit plus qu’une équipe mais une famille. Avec des scènes d’action dignes des anciens Marvels, des personnages plus complexes, et une bande-son absolument folle (Bucky a enfin trouvé sa musique de super-héros). Alors oui, c’est un film de super-héros, mais c’est surtout un film qui fait du bien et nous rappelle que l’on n’est pas seuls.

La Plus Précieuse des Marchandises

Réalisé par Michel Hazanavicius, ce film est une œuvre d’animation bouleversant sur la Seconde Guerre mondiale. Adapté du roman de Jean-Claude Grumberg, il raconte l’histoire de deux êtres qui tentent de se protéger dans un monde dévasté. Il touche à l’innocence même, un enfant un être à protéger. Avec une cinématographie poignante et une bande-son inoubliable, le film nous touche profondément. Porté par des voix comme celles de Jean-Louis Trintignant et Dominique Blanc, il rappelle l’importance du souvenir. Un film essentiel, qui mérite sa place.

Mémoires d’un escargot (Memoir of a Snail)

Réalisé par Adam Elliot, ce film d’animation en pâte à modeler casse les codes. Ce long-métrage australien, destiné à un public adulte, raconte l’histoire de Grace Pudel, une jeune femme solitaire passionnée d’escargots, qui trouve un nouvel élan après la perte de son père et la séparation avec son frère jumeau, grâce à sa rencontre avec Pinky, une octogénaire excentrique. Le film se distingue par son esthétique unique, mêlant minimalisme et folie. Mémoires d’un escargot est une exploration touchante de la résilience humaine et de la quête de soi. Un film profondément émouvant, qui s’impose comme un chef-d’œuvre.

Dragons

Si vous avez aimé l’animation, vous allez adorer le live action. Il a été placé ici pour sa prouesse technique, avec des VFX et des effets spéciaux parfaitement réussis. Les dragons sont incroyablement réalistes. Visuellement époustouflant, le film nous plonge dans un univers où la mythologie nordique se mêle à l’amitié. La séquence de vol est parfaitement réalisée, offrant un bel hommage à l’original. La bande-son originale reste aussi puissante que jamais. Un excellent remake live action, fidèle à l’animation (en même temps même réalisateur, Dean DeBlois), qui parvient à séduire aussi bien les adultes que les enfants. Preuve qu’il est possible de réussir un remake tout en restant fidèle à l’œuvre d’origine.

Beetlejuice Beetlejuice

He’s back ! Que ce soit avec son univers déjanté ou sa direction artistique ultra-colorée, Tim Burton ne cache pas son talent. L’humour noir et les situations absurdes sont bien présents ! On retrouve des clins d’œil au premier film, une musique électro-gothique et, bien sûr, le style Burton qui nous fait vivre dans son monde décalé de morts-vivants. Les acteurs du premier film sont de retour, avec en prime la talentueuse Jenna Ortega. Michael Keaton est plus que parfait dans son rôle, et la magnifique Winona Ryder ajoute une touche magique. Un vrai délice, à la fois étrange et captivant. On a hâte de découvrir le prochain opus pour clore cette saga !

Partir Un Jour

Ce film d’Amélie Bonnin met l’accent sur l’aventure humaine et l’évasion. Partir Un Jour raconte l’histoire d’une jeune femme en quête de sens qui décide de tout quitter pour partir à l’aventure. Entre paysages désertiques et forêts luxuriantes, la caméra capte chaque émotion, chaque souffle de vent. Un appel à l’évasion et à la recherche de soi, soutenu par une bande-son envoûtante qui vous prend aux tripes. Un court-métrage devenu film, qui raconte plus qu’il en y parait, un film qui se fait se demander “Qu’est-ce que je veux vraiment ? “

Superman

Dans une version plus humaine et plus colorée du super-héros classique, James Gunn rend hommage aux comics de Stan Lee. Ce n’est pas seulement un super-héros américain, mais un être plus vulnérable, qui aspire à la paix pour tous. Lois Lane, avec son caractère bien trempé, apporte une vraie touche de fraîcheur. Le film est un véritable cri de liberté, un mélange de punk rock, d’espoir et d’humanité. Et si vous aimez les chiens, vous allez adorer Krypto. Quant à la musique de Hans Zimmer, elle transforme chaque instant en un moment intemporel !

L’Amour Ouf

L’Amour dans tous ses états, mais version 2025 ! Réalisée par Gilles Lellouche, L’Amour Ouf est une comédie romantique qui déconstruit les clichés. L’histoire est à la fois drôle et d’une sincérité qui touche profondément. Encore un film d’amour ? Non, un film avec une vraie cinématographie, une direction artistique soignée, des plans qui feront rêver certains d’entre vous, et des couleurs pleine de sens. Les plans-séquences sont d’une grande finesse et, surtout, le film respecte à la fois les spectateurs cinéphiles et ceux qui ne le sont pas.

Lelia Tostivint

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Publiée le 8 February 2024

Au cinéma, la machinerie lourde joue un rôle essentiel dans la création de prises de vue dynamiques, fluides et immersives. Des équipements tels que les grues, les rails, les steadycams et les automates permettent aux réalisateurs de donner vie à leur vision, en capturant des images d’une qualité exceptionnelle. L’ESIS, l’École Supérieure du Cinéma, du Son et de la Musique vous invite à découvrir comment ils contribuent à enrichir l’expérience cinématographique.

La machinerie lourde est un élément indispensable de la production cinématographique, offrant aux réalisateurs les outils nécessaires pour capturer des images de haute qualité et donner vie à leur vision artistique. Des grues aux steadycams en passant par les rails et les automates, ces cinq essentiels du cinéma permettent d’explorer une multitude de possibilités créatives, et donne aux spectateurs une expérience cinématographique immersive et inoubliable.

 

 

 

1. La Grue

La grue est un outil polyvalent utilisé pour capturer des prises de vue en mouvement, en hauteur ou en angle difficile d’accès. Elle permet des mouvements fluides de la caméra, des panoramiques aériens aux travellings verticaux, offrant ainsi une variété de perspectives et d’angles de vue uniques. La grue donne aux réalisateurs la liberté de créer des séquences visuellement époustouflantes et de donner vie à leur vision artistique avec élégance.

2. Les Rails

Les rails, également connus sous le nom de rails de travelling, sont utilisés pour des mouvements de caméra précis et fluides le long d’une trajectoire prédéfinie. Ils offrent une stabilité et une régularité dans les mouvements de la caméra, ce qui les rend idéaux pour les plans rapprochés et les séquences nécessitant une grande précision. Les rails permettent aux réalisateurs d’explorer différentes dynamiques de mouvement et d’ajouter une touche professionnelle à leurs productions.

3. Le Steadicam

Le steadicam est un système de stabilisation utilisé pour capturer des prises de vue fluides et sans tremblement tout en permettant une grande mobilité. Il est porté par un opérateur et utilise des contrepoids pour équilibrer la caméra, il permet ainsi une stabilité remarquable même lors de mouvements rapides ou de changements de direction brusques. Le steadicam est largement utilisé pour les plans séquence et les scènes d’action, offrant une immersion totale au spectateur.

4. Les automates

Les automates, ou têtes motorisées, permettent des mouvements de caméra précis et contrôlés à distance. Ils offrent une grande souplesse d’utilisation, permettant aux réalisateurs de réaliser des prises de vue panoramiques, des travellings et des rotations en toute facilité. Les automates sont souvent utilisés pour les prises de vue complexes nécessitant une grande précision, offrant ainsi aux réalisateurs une plus grande flexibilité dans la réalisation de leur vision artistique.

5. Le Dolly

Le dolly est un chariot sur lequel la caméra est montée, permettant des mouvements fluides le long d’une surface plane. Il est souvent utilisé avec des rails pour des déplacements précis et réguliers, offrant ainsi une variété d’angles et de perspectives. Le dolly permet aux réalisateurs d’explorer différentes dynamiques de mouvement et d’ajouter une touche de sophistication à leurs prises de vue.

La machinerie lourde est un élément indispensable de la production cinématographique moderne, et les étudiants de l’ESIS, l‘école supérieure du cinéma, du son et de la musique sont préparés à en tirer pleinement parti. Grâce à des formations spécialisées. L’école vous propose un Bachelor Cinéma et VFX et si vous le souhaitez, il est possible de continuer votre cursus en Mastère Réalisation et Production Sonore, en Mastère Communication et Production Cinématographique ou en Mastère Scénario Réalisation.

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Publiée le 20 March 2025

 

 

 

Le cinéma, cet art qui allie IMAGE et SON pour créer une expérience immersive, n’aurait pas l’impact qu’il a aujourd’hui sans l’évolution constante de ces deux éléments. Le son, qui paraît aujourd’hui aussi essentiel que l’image elle-même, a vécu une transformation impressionnante depuis les débuts du cinéma. Vous l’ave compris on va parler de l’évolution du son au cinéma.

 

 

 

 

 

 

Les premiers films muets : l’ère du silence 

Au tout début du cinéma, les films étaient… muets. Je ne vous apprend rien ! Le tout premier film projeté dans une salle de cinéma, L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat (1895), avait… absolument aucun son. Pour pallier ce manque, les cinémas étaient accompagnés d’un pianiste, ou parfois même d’un orchestre, pour improviser une musique de fond. C’était une sorte de touche musicale pour rendre l’expérience un peu moins étrange. C’est peut -être pour ça que les ciné-concerts fonctionnent autant ? Mais il faut être honnête, ces premières musiques n’étaient pas spécialement impressionnantes. Imaginez : un film avec des combats, des courses-poursuites… mais avec une petite mélodie de piano en arrière-plan (même si ça peu être stylée, au final, mais imaginez une mélodie pas stylée pour l’exemple). On sentait clairement qu’on manquait quelque chose. 

Les premiers films sonores, apparus dans les années 1920, n’étaient pas vraiment meilleurs. Le son était souvent de mauvaise qualité, et les dialogues étaient enregistrés d’une manière presque maladroite. Par exemple, dans le film Le Chanteur de Jazz (1927), premier film parlant, les dialogues étaient clairement audibles, mais le son était tellement pauvre que ça ressemblait plus à un jeu de chuchotements qu’à une véritable conversation. Cependant, cette transition vers le son a permis d’introduire un nouvel élément fondamental : la musique de film. 

Le passage au son et l’impact de la musique 

Dans les années 1930, avec l’arrivée du son synchronisé et l’amélioration de la technologie, les compositeurs ont commencé à comprendre l’importance de la musique dans le cinéma. Au lieu de simplement accompagner les images, la musique a commencé à raconter l’histoire, à exprimer les émotions des personnages, et à guider les spectateurs dans leurs réactions. C’est dans les films de cette époque que des musiques iconiques ont vu le jour, comme celle de King Kong (1933) ou Autant en emporte le vent (1939). 

Puis, avec l’avènement du Dolby Surround et des systèmes de son stéréo dans les années 1970, la perception du son au cinéma a complètement changé. L’introduction du son Surround a permis d’immerger le spectateur, créant une expérience totalement nouvelle. On entendait des bruits de pas derrière nous, des voix qui semblaient venir de l’extérieur du cadre, des effets sonores qui renforçaient l’illusion d’un monde vivant. 

Aujourd’hui

Avec des technologies comme le Dolby Atmos, qui offre une expérience audio immersive à 360 degrés, le son est devenu aussi important que l’image. Les films de super-héros, par exemple, utilisent des effets sonores ultra-réalistes pour accentuer la sensation de puissance et de danger. Les bandes-son des films comme Inception ou Interstellar, composées par Hans Zimmer, sont devenues des éléments incontournables de l’expérience cinématographique, non seulement en tant que musique, mais aussi en tant que narration sonore qui guide l’émotion du spectateur à chaque instant. 

En 2025, les spectateurs peuvent désormais écouter les sons de manière spatialisée, ressentir les vibrations d’une explosion, entendre une conversation se faire derrière eux dans une salle de cinéma équipée de la technologie la plus moderne. Le son, dans le cinéma actuel, est aussi puissant que l’image. Il est un acteur à part entière de la narration. En somme, la technologie a permis de donner au son une place primordiale dans l’expérience cinématographique, jusqu’à en faire une dimension indispensable pour l’immersion totale du spectateur. 

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Publiée le 23 July 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On sait tous que le cinéma, les séries et même les vidéos qu’on regarde sur YouTube ont ce pouvoir incroyable de nous faire voyager. Mais au-delà du simple divertissement, l’image est un formidable outil d’apprentissage. C’est comme un super pouvoir que l’on ignore souvent. T’as déjà regardé un film et, après, tu t’es retrouvé à googler des choses randoms ? Genre, après avoir vu Les Dents de la Mer, tu t’es dit “Ok, mais c’est quoi un mégalodon ?”. Si ça t’est déjà arrivé, tu n’es pas seul. L’image a cette capacité de nous transporter dans des univers nouveaux, de nous apprendre des choses qu’on n’aurait jamais imaginé apprendre, juste en regardant un écran.

Regarde, c’est simple : si tu ne savais pas comment était la vie à Paris au début du XXe siècle, tu pouvais soit lire un livre, soit regarder Midnight in Paris de Woody Allen. Et boum, en une soirée, tu voyages dans le temps. (Bon après c’est quand même mieux de se renseigner car des fois c’est pas totalement ça !)

N’est-ce pas fascinant de découvrir des vies qu’on n’a jamais vécues, des luttes qu’on ne comprend pas forcément, mais qui nous parlent d’une manière ou d’une autre ? Cercle des Poètes Disparus ? Un film qui t’apprend la valeur de la liberté de pensée dans un monde d’autorité. La série Mixte, elle, te plonge dans les défis du passage au mixte dans les lycée, un sujet super actuel, qui traite des luttes sociales tout en étant accessible et bien ficelé.

Les films ne sont pas là juste pour te faire rêver, bien que, soyons honnêtes, rêver c’est déjà pas mal. Mais ils ouvrent aussi des pistes pour comprendre le monde. L’histoire devient vivante. C’est comme ça qu’on apprend, sans même s’en rendre compte. Chaque image, chaque scène, chaque mot sur un écran peut éveiller une réflexion profonde, t’amener à poser des questions sur ta propre vie, sur la société, ou même sur l’avenir.

Le Cinéma et la Formation : L’Avenir du Métier

Mais là où ça devient encore plus intéressant, c’est que le cinéma ne se contente pas de nous montrer des mondes imaginaires. Aujourd’hui, il devient un véritable terrain de formation :

Les avancées technologiques, comme les VFX, l’animation 3D ou les nouvelles techniques de prise de vue, transforment chaque film en une aventure visuelle. T’as vu les progrès de la motion capture, non ? C’est fou comment on peut rendre un personnage en effets spéciaux numériques, aussi vivant qu’un acteur réel !

Et puis, le rôle des coordinateurs d’intimité sur les plateaux, rôle important. Ce métier, qui veille à la sécurité des scènes de nudité ou de violences physiques, est un exemple de la manière dont le cinéma évolue pour être plus respectueux et responsable. Et pour ceux qui cherchent à entrer dans ce monde fascinant, sachez qu’il existe maintenant des formations spécifiques. C’est l’avenir de la profession qui se construit maintenant, et c’est pour notre génération.

Apprendre avec le Cinéma : Pourquoi ça fonctionne ?

Pourquoi est-ce que l’image est aussi un excellent moyen d’apprentissage ? Parce qu’elle capte notre attention. les cerveaux sont câblés pour réagir à ce qu’on voit. Que tu sois en train de regarder un documentaire sur l’écologie ou un film d’action, tu es connecté d’une manière que l’info écrite ou parlée n’arrive pas toujours à égaler. Regarde Les Misérables de Victor Hugo, un livre super épais, un peu dense parfois… Mais après l’adaptation cinématographique, t’as capté la dimension sociale du récit à fond. Le visuel est un raccourci vers la compréhension.

Et soyons réalistes, on apprend mieux quand c’est fun, non ? Un film te permet d’absorber des informations tout en étant diverti. Ce qui rend l’apprentissage plus digeste. Tu vois, même les blagues qu’on fait entre potes sur les films ont une place ici. Un bon film ou une série qui te fait réfléchir, c’est comme un cours de philosophie mais avec des explosions et des scènes d’action en bonus. On va pas se mentir, c’est plus captivant qu’un PowerPoint, non ?

Pourquoi il faut Rester Curieux ?

Outil d’apprentissage certe, mais il faut garder un esprit critique face à ce qu’on voit. Si les films nous captivent et nous offrent des récits fascinants, ils romancent souvent la réalité. Prenons F1, un film captivant mais rempli d’erreurs techniques que seuls les vrais passionnés de Formule 1 remarqueront. Ou Titanic, un drame historique qui, bien qu’inspiré d’un événement réel, invente l’histoire d’amour de Jack et Rose. Ces films peuvent nous enseigner des faits, mais ils les adaptent pour raconter une histoire. C’est là qu’intervient notre curiosité : après un film, il est essentiel de chercher à en savoir plus, de distinguer la fiction de la réalité. Le cinéma peut être une source d’apprentissage, mais il ne doit pas être la seule. Restez curieux et allez au-delà de l’écran pour découvrir la vérité !

Lelia Tostivint

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Publiée le 24 April 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Michael Gabrion, directeur du développement fiction chez Gaumont, a eu le plaisir de rencontrer nos élèves lors de notre dernière session professionnelle du 16 avril. Dans cet article, l’ESIS vous propose de découvrir le portrait de cet invité au parcours impressionnant, dressé par Franck Garbarz. 

 

Après deux ans d’études en psychologie à l’Université Paris Nanterre et un Master 2 de cinéma à l’Université Paris Cité, Michaël Gabrion devient journaliste cinéma, pendant près de dix ans, jusqu’en 2017, principalement pour Canal+ et France Télévisions. Il cherche ensuite à se réorienter vers le développement de films et séries et n’hésite pas, dans le même temps, à reprendre des études de droit, économie et gestion de l’audiovisuel dans le cadre du Master 2 D2A de la Sorbonne. Il témoigne : « Je doutais d’arriver à faire du développement dans l’immédiat, car il n’y a tout simplement pas d’offre d’emploi. Alors j’ai voulu acquérir de nouvelles compétences, tout en développant mon réseau. Ce n’est pas évident de reprendre les études à 35 ans, mais j’ai compris que pour faire du développement les chemins étaient multiples. »

Parmi ces chemins, il y a aussi celui de lecteur de scénario, autrement dit, faire des fiches de lecture pour des sociétés de production, diffuseurs ou organismes. Ce qu’il fait pour le CNC à l’Avance sur recettes, ainsi que pour TF1 Studio, Arte Fiction, Orange Studio, Radar Films et d’autres. De fil en aiguille, en 2018, il devient directeur littéraire chez Scarlett Production (Citoyens clandestins, Les sauvages, Clara Sheller, Cœur Océan). Puis en 2021, il rejoint Gaumont Télévision où il crée le pôle développement dont il prend la direction, avec pour mission de trouver de nouveaux projets, tout en accompagnant ceux déjà existants.

Parmi les séries sur lesquelles son équipe et lui-même travaillent, on retrouve L’art du crime (France Télévisions), Pamela Rose, la série (Canal+) Becoming Karl Lagerfeld (Disney+), ou encore Lupin et Pax Massilia (Netflix) qui ont triomphé mondialement. Plus surprenant, au sein de Gaumont Michael Gabrion a aussi assuré le développement d’un podcast, la mini-série 1 euro la minute, prix SACD de la meilleure fiction sonore en 2022. « Gaumont Télévision a également des bureaux aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Allemagne et depuis deux ans en Italie », précise-t-il. « L’idée est de s’implanter dans différents territoires, car les plateformes demandent des séries avec un fort ancrage local. En effet, les spectateurs regardent des fictions abordant des thèmes et des situations avec lesquels ils se sentent en empathie ».

En parallèle, Michael Gabrion a également été lecteur pour le Fond d’aide à l’innovation audiovisuelle (FAIA) du CNC, autrement dit, la commission d’aide aux séries ; ainsi que juré pour la commission TV de la bourse Beaumarchais accompagnant les auteurs émergents de séries. Il siège désormais à la commission TV de la PROCIREP, société des producteurs de cinéma et de télévision qui instruit les demandes et attribue les aides à la création d’œuvres.

Début 2024, il est nommé producteur au sein de Gaumont Télévision.

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