Publiée le 17 April 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le domaine du son a connu des avancées spectaculaires au fil des décennies, propulsant l’industrie de l’audio vers de nouveaux sommets en matière de qualité, de créativité et d’accessibilité. Ces avancées ont révolutionné la façon de percevoir et d’interagir avec le son, que ce soit dans le domaine de la musique, du cinéma, des jeux vidéo, ou encore de la réalité virtuelle. L’ESIS vous dévoile les 6 avancées majeures réalisées dans l’univers du son. 

 

1. Son Surround et Dolby Atmos 

 

L’une des avancées les plus significatives dans le domaine du son est l’avènement du son surround et du système Dolby Atmos. Ces technologies permettent de créer une expérience sonore immersive en reproduisant un champ audio tridimensionnel, enveloppant ainsi l’auditeur dans un son qui semble provenir de toutes les directions. Le son surround a révolutionné l’industrie du cinéma en offrant une expérience audio réaliste et captivante, tandis que Dolby Atmos a étendu cette immersion à d’autres domaines tels que les jeux vidéo, les concerts, et même les installations résidentielles. 

 

2. Révolution des Casques Audio 

 

L’évolution des casques audio représente également une avancée majeure dans le domaine du son. Des progrès technologiques tels que les transducteurs planaires, les systèmes de réduction de bruit actif et les algorithmes de spatialisation ont considérablement amélioré la qualité et la précision du son reproduit par les casques. Ces avancées offrent aux utilisateurs une expérience d’écoute immersive et personnalisée, que ce soit pour écouter de la musique, regarder des films ou jouer à des jeux vidéo. 

 

3. Intelligence Artificielle et Traitement du Son 

 

L’intégration de l’intelligence artificielle dans le traitement du son représente une autre avancée significative dans le domaine. Des algorithmes sophistiqués sont utilisés pour analyser, modifier et générer du son de manière automatisée, ouvrant de nouvelles possibilités créatives pour les compositeurs, les ingénieurs du son et les artistes. L’intelligence artificielle est utilisée pour améliorer la qualité audio en temps réel. 

 

4.Réalité Virtuelle et Son 3D

 

La réalité virtuelle a révolutionné notre façon d’interagir avec le son en introduisant des environnements sonores 3D immersifs. Grâce à des technologies telles que les casques de réalité virtuelle et les systèmes de suivi spatial, les utilisateurs peuvent explorer des mondes virtuels où le son est positionné de manière précise dans l’espace, créant ainsi une sensation de présence et d’immersion inégalée. Cette avancée ouvre de nouvelles perspectives dans des domaines tels que le divertissement, l’éducation et la formation professionnelle. 

 

5. Synthèse Vocale et Réalisme Sonore 

 

La synthèse vocale et le réalisme sonore ont également connu des avancées significatives grâce aux progrès de la technologie. Les algorithmes de synthèse vocale permettent de générer des voix humaines réalistes à partir de simples textes, ouvrant ainsi de nouvelles possibilités dans les domaines de la narration, de l’assistance virtuelle et de la création de contenu audio. Les techniques de réalisme sonore, telles que la capture et la reproduction fidèle des sons environnementaux, contribuent à créer des expériences audios plus immersives et authentiques. 

 

6. Compression et Diffusion Audio en Streaming 

 

Enfin, les avancées dans le domaine de la compression audio et de la diffusion en streaming ont révolutionné la manière dont nous accédons et consommons le contenu audio. Des technologies telles que les codecs audios avancés et les plateformes de streaming haute qualité ont permis de diffuser du son de haute résolution sur une variété de dispositifs, offrant ainsi aux auditeurs une expérience audio sans compromis où qu’ils se trouvent. Cette évolution a également stimulé l’essor de la musique en ligne, des podcasts et des services de streaming vidéo, transformant radicalement notre façon d’interagir avec le contenu audio. 

Pour se former dans le domaine du son, L’ESIS vous propose différentes formations en Bachelor Son et Musique. Cette formation de trois ans permet de découvrir tous les métiers liés au travail du son.         Si vous souhaitez poursuivre vos études à l’ESIS, il existe le Mastère Réalisation et Production Sonore. Pendant deux ans, vous serez formé à devenir de véritables professionnels polyvalents, prêts pour le monde professionnel.  

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Publiée le 7 April 2025

 

 

 

Les super-héros et le cinéma, c’est une histoire d’amour compliquée. Un peu comme un couple qui traverse les années avec des hauts, des bas et des phases de pure expérimentation. Aujourd’hui, le genre est omniprésent, mais il n’a pas toujours été aussi bien installé. Mini retour sur l’évolution du super-héros au ciné, des débuts sérieux aux dérives du multivers où tout est possible (pour le meilleur et parfois pour le pire). 

 

 

 

 

2002 : Spider-Man de Sam Raimi – Le début d’une ère 

Avant le MCU, les films de super-héros, c’était un pari risqué. Et puis Sam Raimi a débarqué avec son Spider-Man et Tobey Maguire en costume moulant. On y trouve des effets pratiques bluffants (à l’époque), une BO de Danny Elfman qui résonne encore dans nos têtes et surtout un Peter Parker hyper dramatique, tiraillé entre ses responsabilités et ses galères sentimentales. Les scènes d’action sont fluides, le Bouffon Vert de Willem Dafoe est iconique, et le film prouve que oui, un héros en costume peut cartonner au box-office. C’est le point de départ d’un nouveau chapitre du cinéma. 

2008 : The Dark Knight – Quand Batman devient sérieux 

Christopher Nolan prend Batman et décide de lui retirer tous ses gadgets un peu kitsch pour en faire une figure plus ancrée dans la réalité. Exit les super-pouvoirs, place à un thriller criminel sombre qui ressemble plus à un film de Scorsese qu’à un blockbuster Marvel ou DC. Mais la vraie star du film, c’est Heath Ledger en Joker. Il vole la vedette à tout le monde avec une performance hallucinante, devenant la version définitive du Clown Prince du Crime. À partir de là, le super-héros devient plus qu’un divertissement : il peut être une vraie œuvre cinématographique, acclamée par la critique et surtout il ouvre le monde aux anti-héros. 

2012 – 2019 : Le MCU prend tout et ne laisse que des miettes 

Le game change complètement en 2012 quand Avengers débarque. Bon il y avait aussi Iron Man en 2008 qui a vraiment lancé le MCU et puis Captain America et Thor mais on va plus se concentrer sur les Teams Up.  Donc avec “Avengers”, on assiste à un crossover épique où plusieurs héros issus de films différents partagent le même écran. Le public est en délire. Marvel Studios enchaîne ensuite avec une stratégie ultra-millimétrée : chaque film prépare le suivant, chaque scène post-générique tease une intrigue plus grande encore. Le point culminant de cette saga titanesque ? Avengers: Endgame, un véritable phénomène culturel qui a transformé les salles de cinéma en véritables arènes de supporters en délire. Le moment le plus iconique ? Lorsque tous les héros réunis surgissent à travers les portails pour affronter Thanos dans une bataille dantesque. Une scène gravée dans l’histoire du blockbuster moderne, où chaque apparition déclenchait des hurlements de joie. 

Petit fun fact : Anthony Mackie, alias Sam Wilson, a enregistré son légendaire “On your left” sous une simple couverture chez lui, à la demande des frères Russo, qui voulaient garder le secret jusqu’au bout. Comme quoi, derrière la plus grande réunion de super-héros du cinéma, il y avait aussi un bon vieux système D. 

2021 et après : le multivers en roue libre 

Mais malheureusement l’Age d’or des super-héros passe et le public commence à se lasser, Marvel et DC sortent l’arme ultime : le multivers. Là où tout devient possible. Dont ramener des personnages morts ? (easy).  Faire cohabiter trois versions de Spider-Man dans le même film ? Carrément.  Manipuler le temps, l’espace et les réalités alternatives ? C’est devenu la norme. Une astuce bien pratique pour ramener les visages iconiques qui ont forgé la légende de Marvel (et de DC aussi, même s’ils ont décidé de remplacer Superman… avouons-le, Henry Cavill restait le meilleur choix). Le problème, c’est qu’à force de tout rendre possible, le super-héros perd en impact émotionnel. Pourquoi pleurer la mort d’un personnage s’il peut revenir par un tour de passe-passe dimensionnel ?  

Actuellement, on sent que l’industrie cherche un nouveau souffle, peut-être plus proche des films des années 2000 : des récits plus personnels, moins d’explosions, plus d’émotions. Et si le super-héros de demain était moins une icône cosmique et plus un humain ordinaire avec des failles (Bucky? Yelena, Bob) ? Parce qu’au final, ce qu’on aime dans les super-héros, ce n’est pas leurs pouvoirs, c’est leur humanité. 

 

Thunderbolts, bientôt au cinéma !

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Publiée le 19 October 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Véritable symbole d’une Amérique libre et engagée, Robert Redford a incarné tout au long de sa carrière une multitude de personnages complexes. Journaliste aguerri pour Les Hommes du Président ou encore bandit controversé dans Butch Cassidy et le Kid, ses personnages ne manqueront pas de diversité. Le fil rouge cependant : des rôles intelligemment choisis pour lesquels ses interprétations font sens. Pour Robert Redford, il n’est pas question de s’engager dans une production qui ne respecte pas ses valeurs. Et finalement… il laisse chez le spectateur ce sentiment qu’il a toujours sa place à l’écran.

Icône du cinéma américain des années 70, Robert Redford est surtout un modèle et un appui pour les cinéastes indépendants. En 1981 il fonde le Sundance Institute dans l’Utah dans le but de soutenir de jeunes cinéastes et de promouvoir une économie locale, loin de la sphère hollywoodienne. Rebaptisé le « Sundance Film Festival » en 1991 en référence au rôle de Robert Redford dans Butch Cassidy et le Kid, le festival va révéler de nombreux réalisateurs tels que Quentin Tarantino avec Reservoir Dogs, Damien Chazelle avec Whiplash, Jonathan Dayton avec Little Miss Sunshine… et bien d’autres encore.

 

« Pour moi, le mot qu’il faut souligner, c’est “indépendance”. J’ai toujours cru en ce mot. […] Je voulais créer un espace qui soutienne les artistes indépendants à qui on ne donnait pas la chance de se faire entendre. »

Robert Redford pour l’Associated Press, 2018

Redford est aussi un acteur qui choisit minutieusement ses rôles, calqués en réponse aux évènements qui touchent l’Amérique des années 70/80. Il joue dans Jeremiah Johnson (réalisé par Sydney Pollack en 1972) un ancien soldat quittant la civilisation pour vivre en ermite dans les montagnes de l’Ouest américain. Le film nous évoque une querelle interne américaine ; un tiraillement entre le besoin d’une société construite et celui de l’émancipation dans la nature. Pour Sydney Pollack, « cela fait tellement parti de l’Amérique que c’est presque un cliché : le plus jeune pays du monde après Israël, qui se souvient encore des terres vierges et qui est déjà hyper-civilisé et au bord de la destruction. Il y a une tension et une dynamique américaines dans ces deux besoins contradictoires, celui de la solitude et celui d’une société chaleureuse. » Robert Redford n’a que trop bien vécu cette opposition ; quand les acteurs migrent vers Hollywood, lui part s’émanciper dans les terres de l’Utah.

Que dire de Les Hommes du Président (réalisé par Alan J. Paluka en 1974), retraçant l’enquête journalistique qui a permis de révéler le scandale du Watergate aux Etats-Unis. Sorti en salles deux ans après la démission de Richard Nixon, le film s’inscrit dans un contexte politique lourd. Robert Redford y incarne un journaliste d’investigation subtil et méthodique, mettant le doigt sur la paranoïa qui gagne les Etats-Unis à cette période. Il confiera lors d’une interview pour l’AARP : « Je voulais me concentrer sur quelque chose que d’après moi peu de gens savaient : comment les journalistes obtiennent l’histoire ? ».

Robert Redford laisse un héritage unique : acteur et réalisateur iconique, militant pour l’environnement et le cinéma indépendant, il a inspiré des générations par son intégrité, son engagement et son soutien aux jeunes talents.

Emma Lallemand

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Publiée le 17 June 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le doublage au cinéma est une composante essentielle de l’industrie cinématographique, qui permet de rendre les films accessibles à un public plus large à travers le monde. Cependant, un bon doublage ne se résume pas simplement à traduire les dialogues. C’est un art complexe qui exige des compétences techniques et artistiques pour transmettre avec précision les émotions et les intentions des acteurs originaux. L’ESIS vous présente ses conseils pour réaliser un doublage de qualité au cinéma. 

 

À L’ESIS, les étudiants ont l’occasion de mettre en pratique leurs compétences de doublage dans des projets de film et de médias audiovisuels réalisés au sein de l’école. Cela leur permet d’acquérir une expérience pratique et de perfectionner leurs compétences sous la supervision d’experts de l’industrie. 

 

1. Compréhension du Contexte et des Personnages :

Avant de commencer le doublage, il est essentiel de comprendre parfaitement le contexte du film ainsi que les traits distinctifs des personnages. Les comédiens de doublage doivent étudier attentivement le script, regarder les scènes originales et analyser les nuances des performances des acteurs. Cette compréhension approfondie permet aux comédiens de capturer avec précision les émotions, les tonalités et les intentions des personnages lors du doublage. 

 

2. Maîtrise de la Synchro-Labiale :

La synchronisation labiale est un aspect crucial du doublage, car les dialogues doivent correspondre étroitement aux mouvements des lèvres des acteurs originaux. Les comédiens de doublage doivent synchroniser leurs performances vocales avec les mouvements des lèvres à l’écran, en veillant à ce que les mots et les expressions faciales concordent de manière naturelle. Cela nécessite une grande précision et une compréhension intuitive du rythme et du timing. 

 

3. Utilisation appropriée de la voix :

Une bonne utilisation de la voix est essentielle pour donner vie aux personnages doublés. Les comédiens de doublage doivent être capables de moduler leur voix pour correspondre aux caractéristiques vocales des acteurs originaux, tout en ajoutant leur propre touche personnelle pour créer des performances authentiques. Cela peut impliquer de varier le ton, le volume, le débit et l’accentuation pour transmettre les émotions et les nuances du personnage. 

 

 4. Adaptation créative du texte :

Bien que le doublage implique souvent la traduction directe des dialogues, il peut parfois être nécessaire d’adapter le texte pour mieux correspondre à la langue et à la culture de la version doublée. Les adaptateurs de dialogue doivent être capables de trouver des équivalents appropriés pour les jeux de mots, les références culturelles et les expressions idiomatiques, tout en préservant l’intégrité et l’intention du dialogue original. 

 

 5.Collaboration étroite avec les réalisateurs :

Une collaboration étroite entre les comédiens de doublage, les adaptateurs de dialogue et les réalisateurs est essentielle pour garantir un doublage de qualité. Les réalisateurs peuvent fournir des indications précieuses sur les tonalités, les émotions et les intentions des personnages, guidant ainsi les performances des comédiens de doublage pour atteindre l’impact souhaité. Cette collaboration permet également d’assurer une cohérence globale avec la vision artistique du film. 

 

6. Enregistrement et mixage professionnels :

La qualité de l’enregistrement et du mixage audio est cruciale pour un doublage réussi. Les studios de doublage doivent être équipés de technologies de pointe pour garantir une qualité sonore optimale. Les ingénieurs du son doivent veiller à ce que les voix des comédiens de doublage soient claires et bien équilibrées par rapport aux autres éléments audio du film, tels que la musique et les effets sonores. 

 

Vous voulez exceller davantage dans le domaine du doublage ?  

L’ESIS vous propose, pour l’univers du son et du cinéma, un BTS Métiers de l’Audiovisuel avec 4 options (Option Montage et Post-Production, Option Gestion de Production, Option Image et Option Son) ainsi que deux Bachelors : Le Bachelor Cinéma et VFX et le Bachelor Son et Musique. Si vous le souhaitez, vous pourrez continuer votre cursus en Mastère Réalisation et Production Sonore, ou en Mastère Scénario Réalisation. 

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Publiée le 14 April 2025

 

 

 

Qui n’a jamais regardé un film et senti son cœur s’accélérer à la première note de musique, ou sa gorge se serrer à l’apparition d’une mélodie tristement familière ? La musique au cinéma ne se contente pas de remplir le vide sonore. Elle guide les émotions, soutient le rythme de la narration, et parfois même fait office de personnage à part entière. Mais au-delà de son aspect pratique, la musique dans un film est un outil puissant qui peut influencer la manière dont nous ressentons l’histoire, le message, et même les personnages. 

 

 

 

La musique : une traduction émotionnelle 

Imaginez un instant la scène d’ouverture de Star Wars sans la fameuse John Williams March. Plutôt qu’un appel à l’aventure, ce serait un simple générique de début, fade et sans âme. Ce thème musical est tellement lié à l’univers de Star Wars que dès que les premières notes résonnent, on sait exactement ce qui va suivre : une épopée de science-fiction épique, avec des batailles, des héros et des rebelles (et des Daddy Issues pour certains personnages). 

Dans des films comme Pulp Fiction de Quentin Tarantino, la bande-son est tout aussi déterminante. Tarantino utilise la musique non seulement pour accentuer l’impact des scènes, mais aussi pour construire l’identité de ses personnages. La musique dans ses films devient un moyen de communication, un langage que le spectateur comprend instantanément, souvent plus que les dialogues eux-mêmes. 

Les effets psychologiques de la musique sur le spectateur sont évidents. Un film d’horreur ne serait pas aussi effrayant sans une musique inquiétante (merci, Psycho), un drame romantique aurait du mal à toucher les cœurs sans une mélodie douce et émotive. C’est la puissance de la bande-son : elle manipule notre perception de l’image, renforce la tension, la tristesse, l’excitation, et même l’humour.  

Le lien avec le public

Un autre aspect intéressant de l’utilisation de la musique dans les films modernes est la manière dont elle crée un lien avec le public. Dans un blockbuster comme Guardians of the Galaxy, la bande-son est utilisée pour jouer sur la nostalgie des spectateurs. Chaque chanson, en plus de son rôle dans l’histoire, évoque un souvenir commun de l’époque où elle a été popularisée. La musique devient alors un pont entre les personnages du film et nous, les spectateurs, renforçant l’attachement à l’histoire. Cette technique est également utilisée dans L’Amour Ouf de Gilles Lellouche, qui joue avec la nostalgie à l’écran mais aussi avec le son et les musiques comme The Cure ou autres…. 

Les innovations technologiques ont aussi permis d’étendre l’impact de la musique. Avec des systèmes comme le Dolby Atmos, les bandes-son ne se contentent plus de remplir l’espace sonore en deux dimensions. Elles deviennent des éléments immersifs, englobant le spectateur dans l’univers du film. Vous ne regardez plus seulement un film, vous y êtes plongé. 

En conclusion, la musique au cinéma n’est pas qu’une simple touche de fond. Elle est essentielle pour la construction de l’atmosphère, la narration, et l’émotion. Elle transforme une simple scène en un moment inoubliable et renforce l’impact du film sur le spectateur. Les films modernes, avec leurs technologies innovantes, ont rendu la musique encore plus omniprésente et influente. C’est cette relation intime entre la musique et le spectateur qui rend l’expérience cinématographique si unique. Donc choisissais bien votre musique de court-métrage les copaings ! 

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Publiée le 20 November 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

François Ozon n’a jamais caché que L’Étranger d’Albert Camus le hantait depuis l’adolescence : relire le livre l’a « profondément ému », et quand les droits sont devenus disponibles il a décidé d’en faire son prochain film. Le projet, produit par la société FOZ en coproduction avec Gaumont et France 2 Cinéma (entre autres), a pris forme en 2025 :

 

Benjamin Voisin a été choisi pour incarner Meursault, aux côtés de Rebecca Marder, Pierre Lottin, Swann Arlaud et Denis Lavant, et la première mondiale a été programmée en compétition officielle à la Mostra de Venise 2025. Gaumont assure la distribution française avec une sortie en salles annoncée le 29 octobre 2025.

Le tournage, qui devait restituer l’Alger de la fin des années 1930, s’est finalement déroulé au Maroc : Ozon a tourné en avril 2025 à Tanger, ville utilisée pour représenter Alger à l’écran. Les premières images et la bande-annonce, diffusées à l’été 2025, traduisent un parti pris esthétique marqué, bande-annonce en noir et blanc et cadre très épuré qui annonce une transposition volontairement sobre et concentrée sur la matière du texte. La photographie est signée Manu Dacosse et la bande-son par la compositrice Fatima Al Qadiri, deux choix qui renforcent l’impression d’un film pensé comme un « objet littéraire » mis en images.

Fidélité ou réinterprétation ? Ozon joue depuis longtemps des deux registres : capable d’adaptations très libres comme de transpositions très maîtrisées, il a expliqué qu’il abordait L’Étranger avec le désir d’en respecter la puissance sans pour autant se mettre en posture d’exégète. Plusieurs maisons de production et notes de presse évoquent un parti pris plutôt « épuré » et fidèle au roman, mais débarrassé des facilités didactiques : Ozon veut rendre la sécheresse et l’étrangeté du texte à travers le regard, la lumière et le rythme du montage, un exercice d’équilibre entre la lettre du livre et la nécessité cinématographique. Ce choix se lit d’ailleurs déjà dans la mise en images et dans l’économie des dialogues de la bande-annonce.

Au-delà du défi formel, l’adaptation pose des questions politiques et morales : L’Étranger est ancré dans l’Algérie coloniale et interroge la rencontre entre des subjectivités, la violence et la justice. Adapter Camus aujourd’hui oblige à se confronter à ce contexte colonial, un terrain sensible qui peut transformer la lecture du roman. Les commentateurs soulignent que le film arrive à un moment où la littérature et le cinéma doivent affronter les héritages impériaux et la manière dont on met en scène l’Autre ; la sélection à Venise signale que les programmateurs estiment qu’Ozon a trouvé une façon pertinente d’ouvrir ces débats à l’écran.

Qu’attendre concrètement ? D’abord un film qui revendique la sobriété : casting jeune et attachant pour le rôle de Meursault (Benjamin Voisin), parti pris visuel en noir et blanc, et un montage qui semble privilégier la lenteur et l’ellipse plutôt que la démonstration. Ensuite, un déplacement du débat vers les questions d’époque et de légitimité : comment raconter l’indifférence sans la justifier, comment restituer la violence sans l’exploiter ? Enfin, la réception au festival de Venise donnera les premières clefs : critiques, polémiques éventuelles, mais surtout la possibilité de mesurer si Ozon a su faire parler Camus au cinéma d’aujourd’hui.

Mohamed Bensmati

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Publiée le 18 July 2024

 

 

 

© fdc 

Du 14 au 25 mai 2024 a eu lieu le Festival de Cannes. Au total, ce sont 8 films récompensés sur les 22 en lice. Retour sur les prix de la cérémonie.

Le samedi 25 mai s’est terminée la 77ème édition du Festival de Cannes, dont la Palme d’or fut décernée à Sean Baker pour Anora. Même si la parité hommes-femmes n’était pas au rendez-vous, avec seulement 4 femmes contre 18 hommes, ces premières ont tout de même marqué le Festival de Cannes avec deux d’entre elles au palmarès.

Palme d’or – Anora de Sean Baker

C’est la première palme d’or américaine depuis Tree of Life de Terrence Malik, en 2011.

Anora de Sean Baker relate la liaison d’une escort girl et du fils d’un oligarque russe. Durant son discours, le cinéaste de 53 ans a voulu rendre hommage à «toutes les travailleuses du sexe.» Il a également plaidé pour la survie des salles de cinéma : «Nous devons faire des films pour qu’ils sortent en salles.» 

Grand prix – All we imagine as light de Payal Kapadia

Le premier film indien depuis 30 ans. All we imagine as light, de l’Indienne Payal Kapadia, met en scène les pérégrinations d’un trio de femmes – Prahba, Anu et Parvaty – qui cherchent à échapper aux carcans de la société indienne.

 

Prix spécial du jury pour La Graine de la figue sacrée

C’est à cause de ce film que le réalisateur Mohammad Rasoulof a dû s’exiler clandestinement de son pays, l’Iran. Le prix récompense ainsi une œuvre décrivant une situation encore actuelle – le mouvement “Femme, vie, liberté”- à la manière d’une intervention politique, sur fond de thriller familial.

Prix du jury – Emilia Perez de Jacques Audiard

«Je pense que tout le monde sait dans cette salle ce que ça coûte de faire des films», a déclaré Xavier Dolan avant la remise du Prix du jury. Une deuxième victoire pour cette comédie musicale signée Jacques Audiard, déjà récompensée par le prix d’interprétation féminine. 

 Prix d’interprétation féminine décerné aux quatre actrices d’Emilia Perez de Jacques Audiard 

Une autre surprise du Festival, quand le réalisateur japonais Hirokazu Kore-eda a annoncé le nom des lauréates du Prix d’interprétation féminine, remis aux trois actrices du film Emilia Perez : Selena Gomez, Karla Sofia Gascon et Zoe Saldana.  Une deuxième distinction pour le film du réalisateur français, alors qu’un tel prix collectif est des plus rares dans l’histoire du Festival de Cannes. 

 

Prix d’interprétation masculine à Jesse Plemons pour sa prestation dans Kinds of Kindness de Yorgos Lanthimos

Prix du scénario pour The Lobster en 2015 et honoré de la même récompense en 2017 pour La Mort du cerf sacré, ainsi que le Prix Un certain regard en 2009 pour Canine, Yorgos Lanthimos se démarque à nouveau cette année avec le Prix d’interprétation masculineremis à son acteur Jesse Plemons.

Enfin, le Prix du scénario honore Substance de la réalisatrice française Coralie Fargeat, et la Caméra d’or distingue Armand, du réalisateur norvégien Halfdan Ullmann Tondel.

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Publiée le 21 April 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Si vous êtes un passionné de cinéma, vous avez sûrement remarqué un phénomène intéressant : les enfants d’acteurs célèbres (comme Belmondo) suivent parfois les pas de leurs parents dans l’industrie. Et cela n’est pas une simple coïncidence. Dans des familles où la scène et l’écran sont des éléments centraux, il est difficile de ne pas être attiré par ce monde. 

Victor Belmondo

Prenez l’exemple de Victor Belmondo, petit-fils du légendaire et aimé Jean-Paul Belmondo. Bien que la question du “né sous une bonne étoile” soit fréquemment soulevée, l’héritage familial joue un rôle fondamental dans le parcours de nombreux jeunes acteurs. Victor, qui a grandi sous l’œil du grand public, porte un héritage énorme (et peut-être pesant ?). Mais ce n’est pas seulement son nom qui attire l’attention. C’est sa capacité à incarner une forme de cinéma qui perpétue le style de son grand-père tout en y ajoutant sa propre touche personnelle. Le cinéma français a évolué, et la nouvelle génération d’acteurs comme Victor doit trouver son propre équilibre entre hommage et innovation et il le fait avec brio ! 

Ce phénomène d’héritage ne se limite pas à la famille Belmondo. Il touche aussi des enfants d’autres légendes comme Maya Hawke, fille d’Ethan Hawke et Uma Thurman. Maya a grandi dans un univers où le cinéma et les arts étaient omniprésents. Pourtant, elle n’a pas suivi un chemin tout tracé. Elle a su se faire un nom grâce à son talent, prouvant que même avec un nom aussi connu, il faut une bonne dose de travail acharné et de persévérance pour briller. Son parcours dans Stranger Things en est un exemple frappant : elle n’est pas seulement la fille de ses parents, elle est une actrice à part entière (et également une chanteuse à la voix divine). 

Patrick Schwarzenegger

Arnold Schwarzenegger, l’un des plus grands noms de l’action, a vu son fils, Patrick, se lancer également dans une carrière d’acteur et de modèle. Mais tout comme ses homologues, Patrick ne repose pas uniquement sur l’héritage familial. Bien qu’il bénéficie d’un nom, il doit également convaincre le public par son talent, prouvant que même les “enfants de” doivent se battre pour une place sous les projecteurs. 

Dans tous ces cas, l’héritage joue un rôle double. D’un côté, il sert de tremplin pour accéder à l’industrie, mais d’un autre côté, il porte un fardeau considérable. Les enfants de ces grandes stars doivent non seulement prouver qu’ils ont leur propre identité, mais aussi qu’ils respectent et transcendent l’héritage laissé par leurs parents. Dans l’industrie cinématographique actuelle, où la compétition est plus rude que jamais, l’héritage familial peut être à la fois un privilège et un défi. Mais au final, ce sont leurs talents qui feront leur succès ! 

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Publiée le 19 June 2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les étudiants de l’ESIS ont participé au World AI Film Festival 2026 à Cannes, un événement international dédié à la création audiovisuelle et cinématographique augmentée par l’intelligence artificielle. Entre captation, retransmission et immersion professionnelle, cette expérience leur a permis de se confronter aux nouveaux usages de l’IA dans le cinéma et les industries créatives, tout en valorisant la pédagogie innovante de l’école. 

 

Le World AI Film Festival 2026 : un événement majeur du cinéma et de l’IA 

Les 21 et 22 avril 2026, Cannes a accueilli la deuxième édition du WAIFF (World AI Film Festival), un rendez-vous international entièrement consacré aux nouvelles formes de création audiovisuelle générées ou augmentées par intelligence artificielle. 

Ce festival réunit chaque année réalisateurs, chercheurs, producteurs, étudiants et experts du monde entier autour d’une ambition commune : comprendre comment l’IA transforme profondément les métiers du cinéma, de la narration et de la production audiovisuelle. 

Au programme : 

• projections de films IA,  

• tables rondes professionnelles,  

• masterclass,  

• débats sur les enjeux juridiques, créatifs et techniques,  

• cérémonies de remise de prix.  

Les étudiants de l’ESIS en immersion professionnelle à Cannes 

Dans le cadre de ce festival international, les étudiants de l’ESIS ont été pleinement intégrés à l’organisation et à la couverture de l’événement. 

Leur mission a couvert plusieurs volets essentiels de production audiovisuelle : 

• captation des projections officielles au cinéma Les Arcades,  

• retransmission des tables rondes au Palais des Festivals et à l’Espace Miramar,  

• couverture des conférences et temps forts du festival,  

• présence terrain aux côtés de professionnels de l’industrie.  

Cette immersion leur a permis de travailler dans des conditions réelles de production événementielle, au cœur d’un festival international de référence dans le domaine de l’IA appliquée au cinéma. 

Skolae et ESIS : un engagement fort dans l’innovation et l’IA 

Le groupe Skolae, dont fait partie l’ESIS, s’est positionné comme un acteur clé du World AI Film Festival 2026 en tant que partenaire officiel. Dans ce cadre, les écoles du réseau ont été mobilisées autour de projets concrets mêlant production audiovisuelle, innovation technologique, création de contenus et réflexion sur les métiers de demain, tandis que l’ESIS a également été sponsor de l’événement, renforçant sa présence dans un environnement international dédié aux nouvelles écritures cinématographiques. 

Une pédagogie tournée vers les nouveaux métiers du cinéma 

Cette participation s’inscrit dans la philosophie pédagogique de l’ESIS, fondée sur l’apprentissage par la pratique et la confrontation directe aux réalités du terrain, le World AI Film Festival constituant un terrain d’expérimentation idéal pour comprendre les nouveaux outils de création assistés par IA, les enjeux de production hybride entre humain et intelligence artificielle, les mutations des métiers du cinéma et de l’audiovisuel, ainsi que les nouvelles formes de narration visuelle. 

Se former au cinéma et à l’intelligence artificielle à l’ESIS 

Cette immersion au WAIFF fait directement écho aux formations proposées par l’école, notamment le Mastère Cinéma et Gen AI, qui prépare les étudiants aux nouveaux métiers du secteur audiovisuel. 

Le Mastère Cinéma et Gen AI permet de développer des compétences avancées en : 

• réalisation et production audiovisuelle,  

• intelligence artificielle appliquée au cinéma,  

• VFX et post-production,  

• narration augmentée,  

• création de contenus innovants.  

Une expérience professionnalisante au cœur des industries créatives 

Au-delà de la dimension académique, le WAiFF a offert aux étudiants une véritable immersion professionnelle dans un environnement international exigeant, leur permettant de collaborer avec des équipes techniques professionnelles, de comprendre les enjeux de diffusion en direct, d’observer les nouvelles pratiques du cinéma augmenté et de développer leur réseau dans les industries créatives, une expérience concrète qui illustre la volonté de l’ESIS de former des professionnels capables d’évoluer dans un secteur en mutation permanente. 

La participation des étudiants de l’ESIS au World AI Film Festival 2026 montre simplement une chose : le cinéma est en train de changer, et les compétences nécessaires avec lui. Entre intelligence artificielle, nouvelles technologies et création audiovisuelle, une nouvelle génération se forme déjà aux outils de demain. Dans cette dynamique, l’ESIS prépare ses étudiants à évoluer dans un cinéma transformé par l’IA et les nouvelles façons de créer. 

 

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Publiée le 30 July 2024

 

 

 

 

© Photo Karim Daher/Hans Lucas

 

La Fête de la musique est le moment le plus attendu de l’année ! Célébrée le 21 juin dans plus de 120 pays, elle trouve ses origines chez France Musique. 

 

Avoir des racines musicales 

En 1976, Joël Cohen, musicien américain travaillant pour France Musique, propose des “Saturnales de la musique” le 21 juin et 21 décembre. L’objectif est de mettre en place une programmation musicale diffusée toute la nuit, pour fêter en chanson les deux solstices (le jour le plus long et le plus court de l’année). Cinq ans après, lorsque Maurice Fleuret (un ancien de France Musique) est nommé directeur de la Musique et de la Danse au Palais-Royal, une grande enquête révèle que 5 millions de Français pratiquent un instrument de musique. Le cabinet du ministre de la Culture, Jack Lang, Maurice Fleuret et Christian Dupavillon décident alors d’organiser le 21 juin 1982 la première fête de la musique.

 

Un succès interplanétaire

Au fil des années, cette célébration commence à s’exporter au-delà des frontières en 1985, lors de l’Année européenne de la Musique. En 1997, une “charte des partenaires de la Fête européenne de la Musique” est signée à Budapest par plusieurs villes européennes : Paris, Berlin, Budapest, Barcelone, Istanbul, Liverpool, Luxembourg, Rome, Naples, Prague… Un succès planétaire, au point qu’en 1982 on lui attribue un timbre unique en son genre… un timbre-poste, au même titre que les Jeux Olympiques et la reine d’Angleterre ! Aujourd’hui, la fête dela musique est célébrée dans plus de 120 pays, alors… “faites de la musique !”

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