Publiée le 12 décembre 2023

 

 

 

 

 

 

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Publiée le 4 février 2025

Vous connaissez cette sensation ? Vous êtes installé·e devant votre carnet, votre clavier, ou même une caméra, et… rien. Nada. Le vide intersidéral. Bienvenue dans l’univers terrifiant (et un peu relou) du syndrome de la page blanche. Spoiler alert : ce n’est pas que pour les auteurs de livres. Oui, chers scénaristes, réalisateurs, musiciens, et même techniciens, vous pouvez aussi tomber dans cet abîme créatif. Mais no panic : on va en parler, en rire, et surtout trouver comment en sortir. 

 

 

 

 

 

 

 

Mais qu’est-ce que c’est que cette histoire de « Page Blanche »? 

D’abord, posons les bases. La maladie de la page blanche, c’est ce moment où votre cerveau déclare forfait. Vous avez envie d’écrire cette scène incroyable, de composer cette mélodie, ou de visualiser ce plan magistral, mais… rien ne vient. Et vous restez là, à fixer le vide, comme si une solution allait sortir de votre cafetière (spoiler : elle ne sortira pas). 

Pour les scénaristes, c’est ce moment où vous vous demandez si votre personnage devrait vraiment ouvrir cette porte. Les réalisateurs, c’est le doute existentiel sur le choix d’un angle de caméra et pour les musiciens, c’est le désert harmonique où même le do ré mi refuse de coopérer. 

Le pire ? On se sent souvent seul dans cette galère. Mais je vous rassure, on est beaucoup dans le même bateau… qui rame. 

 

Suis-je atteint de la page blanche ?

Le syndrome du fichier vide : Vous ouvrez votre logiciel et il reste ouvert. Vide. Pendant des heures. Avec vous qui mangez des chips devant.

La sur-analyse : Vous passez 45 minutes à débattre avec vous-même sur un mot ou un détail insignifiant.

Le scénario catastrophe : Vous imaginez que tout ce que vous produisez sera critiqué, rejeté ou, pire, ignoré. (Merci l’anxiété.)

La procrastination : Vous avez soudain une envie irrésistible de ranger votre bureau ou de regarder des vidéos de chatons. Vous vous reconnaissez ? Alors félicitations, vous êtes officiellement un·e créatif·ve normal·e. 

 

Pourquoi ça arrive ? La page blanche a plein de coupables. Voici quelques suspects principaux : 

La peur de l’échec : Et si ce que je faisais était nul ? (Indice : c’est rarement aussi mauvais qu’on le pense.)

La pression : Vous devez produire vite, bien, et avec une inspiration divine… mais vous êtes humain.

Votre côté perfectionnisme : Vous voulez que tout soit parfait dès le premier jet. Spoiler : ce n’est jamais parfait du premier coup.

Il faut dormir ! (manque de repos) : Parfois, votre cerveau a juste besoin d’une pause. 

 

Comment s’en sortir ? (Parce que bon, faut avancer quand même) 

Acceptez l’imparfait : Le premier jet n’est jamais parfait. Et c’est OK. L’important, c’est de commencer.

Changez d’angle : Si une scène ou un passage vous bloque, attaquez un autre aspect du projet. Revenez-y plus tard avec un regard frais.

Laissez-vous inspirer : Regardez un film que vous aimez, écoutez une playlist inspirante, ou baladez-vous. Parfois, une idée naît au moment où on s’y attend le moins.

Fixez des limites de temps : Travaillez par tranches de 25 minutes avec une pause (la méthode Pomodoro). Cela crée un rythme et réduit l’angoisse du temps qui passe.

Partagez : Parlez à un·e collègue ou un·e ami·e de votre blocage. Parfois, expliquer un problème suffit à le résoudre.

ET SURTOUT MON PREFEREEEEEEEEE :

Dédramatisez : Ce n’est pas grave de bloquer. Cela arrive à tout le monde, même aux plus grands. (Oui, Spielberg aussi.) 

 

La maladie de la page blanche, ce n’est pas une fatalité. C’est juste une étape dans le processus créatif. Alors, respirez un bon coup, écrivez un mot (même si c’est « bonjour »), filmez une scène (même si c’est votre chat), composez une note… Bref, commencez quelque part. Parce que, comme disait un sage (probablement quelqu’un de très inspiré) : « Ce n’est pas le premier pas qui compte, mais celui que vous faites juste après. » 

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Publiée le 23 juillet 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Basée sur une série de livres écrite par Suzanne Collins, Hunger Games fait parler d’elle depuis plus de 10 ans… et oui, déjà ! Mais alors, pourquoi un tel phénomène ?

Eh bien non, ce n’est pas juste parce que Jennifer Lawrence tire à l’arc comme une reine ou parce que Peeta Mellark est LE book boyfriend adoré sur TikTok. Hunger Games, c’est bien plus que ça. C’est un univers qui frappe fort, un message qui tape là où ça fait mal, et surtout une leçon de courage que nous devrions revoir de temps en temps.

Avant d’écrire cette saga culte, Suzanne Collins bossait dans la télé jeunesse, notamment chez Nickelodeon (ouais pas super super). C’est en zappant entre une émission de guerre et une télé-réalité qu’elle a eu l’idée de Hunger Games. Comme quoi, regarder la télé peut parfois donner des vraies pépites. Fun/Sad fact : elle ne voulait pas que les acteurs des films soient trop jeunes, car elle connaissait les conditions parfois dures du milieu hollywoodien, alors elle a dit « nope » direct. Née en 1962 dans le Connecticut, fille d’un militaire, Suzanne a grandi avec une conscience aiguë de la guerre, des sacrifices et de la propagande. Nous, on a grandi avec Dora et Foot 2 Rue (pas la même ambiance, hein). Elle n’écrit pas pour le simple divertissement, mais pour qu’on se pose les bonnes questions :

• Pourquoi regarde-t-on la souffrance des autres comme un spectacle ?
• Pourquoi suit-on les règles même quand elles nous détruisent ?
• À quel moment choisissons-nous de désobéir ?
• Quand la peur devient-elle moins forte que l’espoir ?

Donc nous avons une autrice engagée, avec des personnages…réalistes

Katniss n’est pas une héroïne lisse et parfaite. Pourquoi le serait-elle ? Elle est humaine, avec ses doutes, ses colères, ses failles. Collins ne veut pas de héros irréels, parce que la perfection, ça n’existe pas, et ce n’est pas identifiable. Katniss est traumatisée, froide, parfois injuste, mais surtout lucide. Elle a 16 ans (rappel important, surtout quand Hollywood fait parfois passer les ados pour des adultes). Elle n’a pas besoin d’être sexy ou souriante pour être puissante. Katniss est brute, là pour survivre, protéger et se battre, pas pour faire un tuto Morning routine avant chaque scène. Bref, Katniss, c’est la fille du feu du District 12, paumée mais qui se porte volontaire pour sauver sa sœur. Elle doute, râle, s’énerve et agit… Et malgré tout ça, elle devient un symbole. Parce que parfois, dire “non”, c’est déjà une révolution.

Peeta, le king des discours et l’anti-mâle toxique ! Le petit blond, doux, stratège et charmant, Peeta est l’opposé parfait de Katniss. Il ne veut pas juste sauver Katniss, il veut qu’elle survive en restant fidèle à elle-même. Il la soutient même quand elle lui rentre dedans (et franchement, elle ne manque pas une occasion). Après un petit passage par un lavage de cerveau et quelques séances de torture, Peeta reste droit dans ses bottes… et retombe amoureux de Katniss. Les filles, prenez-en de la graine, parce que les “Peeta” dans la vraie vie, ça ne court pas les rues, surtout avec autant de “Snow” à côté.

En parlant du Loup, Coriolanus Snow, le président-tyran, passif-agressif et machiavélique. Sans doute le meilleur méchant écrit de ces dernières années. Froid, raffiné, méthodique, il crée l’illusion du choix pour mieux écraser la rébellion. Dans La Balade du serpent et de l’oiseau chanteur, on découvre un jeune Snow ambitieux, cruel, qui deviendra le monstre politique qu’on déteste. Snow ne tue pas pour tuer, il tue pour l’exemple. Son idée géniale ? Transformer la punition en spectacle : tu te rebelles ? On fait tuer tes enfants en direct, avec sponsors et costumes (vous avez dit déjà-vu ?). C’est le dictateur moderne qui fait peur sans jamais hausser la voix. Il manipule, anticipe, politise tout.

 

Bon la saga ne se résumait pas qu’à son autrice et ses personnages incroyables, même si c’est déjà ce qui pèse dans la balance. La saga a aussi marqué la pop culture, car avec son univers, ses personnages Hunger Games ont changé la donne. Depuis, on ne compte plus les dystopies qu’elle a inspirées : Divergente, Le Labyrinthe, The 100… Et voilà que, quelques années après le 4e Hunger Games, on pensait que c’était fini… Mais non !

 

La Balade du serpent et de l’oiseau chanteur est sortie en livre puis en film, relançant la saga avec une nouvelle vision, plus sombre, plus politique. Et alors qu’on croyait que c’était la fin, un nouveau livre débarque : celui de Haymitch, notre mentor sarcastique préféré, The Hunger Games : Sunrise on the Reaping prévu pour une sortie le 20 novembre 2026. Ce nouveau roman, plus dark que jamais, va bientôt être adapté au cinéma avec un casting annoncé récemment sur les réseaux sociaux : Joseph Zada dans la peau de Haymitch Abernathy, Maya Hawke incarnera Wiress, Ralph Fiennes qui jouera non pas Voldemort mais bien notre magnifique et cruel Coriolanus Snow. Et puis on retrouvera toujours Lionsgate à la production, Francis Lawrence à la réalisation et Billy Ray (qui a fait l’adaptation du premier Hunger Games). On ne change pas une équipe qui gagne ! Et n’oublions pas que Suzanne Collins ne se contente pas d’écrire, elle gère aussi la production des films, assurant que lecture et cinéma servent à faire passer des messages forts, à dire tout haut ce que beaucoup pensent tout bas.

Parce que oui, quand tout semble parfois partir en feu, Hunger Games nous rappelle qu’il suffit d’une flamme pour allumer une révolte.

Lelia Tostivint

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Publiée le 11 janvier 2024

L’univers du cinéma a connu une évolution constante depuis sa naissance au début du XXe siècle. Cependant, aucune période n’a été aussi marquante que les dernières décennies en termes d’innovation technologique.

Les avancées dans le domaine de l’image ont transformé le paysage cinématographique en offrant des expériences visuelles de meilleure qualité, une interactivité accrue et de nouvelles possibilités créatives dans la production et la diffusion de contenu.

L’ESIS te présente les 6 avancées majeures réalisées dans le domaine de l’image.

 

 

 

 

 

LA POST-PRODUCTION ET LES EFFETS VISUELS

Les avancées dans la post-production et les effets visuels ont permis de créer des mondes virtuels, des créatures fantastiques et des environnements extraordinaires dans les films et les émissions de télévision. Ces techniques ont également amélioré la correction des couleurs et la retouche d’image. Qu’est-ce que la post-production et les VFX?

• • Post-production : La post production est la dernière phase de création d’une vidéo, après le tournage. Elle rassemble tous les éléments tout en les peaufinant.
  • Les VFX : Les effets spéciaux peuvent être filmés directement lors du tournage ou alors ils peuvent être ajoutés numériquement en post-production.

Le film « Inception » de Christopher Nolan est un exemple emblématique de l’utilisation innovante des effets visuels pour créer une réalité alternative.

 

PHOTOGRAPHIE NUMÉRIQUE

L’avènement de la photographie numérique a changé la donne pour les photographes amateurs et professionnels ! Eh oui, l’appareil photo numérique a remplacé l’appareil photo argentique, offrant des avantages tels que la visualisation instantanée, la retouche facile et la possibilité de stocker un grand nombre de photos sur de petits supports.

 

LA PHOTOGRAPHIE À HAUTE DYNAMIQUE (HDR)

La photographie HDR combine plusieurs images prises à différentes expositions pour créer des images avec une gamme dynamique étendue, préservant ainsi les détails dans les zones sombres et lumineuses.

 

L’INTELLIGENCE ARTIFICIELLE ET LA RECONNAISSANCE D’IMAGE

L’intelligence artificielle (IA) a révolutionné la façon de traiter les images. Les algorithmes de reconnaissance d’image sont devenus incroyablement précis, permettant aux ordinateurs de détecter et d’identifier automatiquement des objets, des visages, et même des émotions humaines dans les images.

 

LA VIDÉO À 360 DEGRÉS

La vidéo à 360 degrés permet aux spectateurs d’explorer une scène à partir de différents angles en utilisant des casques de réalité virtuelle ou des lecteurs vidéo interactifs. Cela crée des expériences immersives uniques pour le divertissement, le tourisme et l’éducation.

 

LA HAUTE DÉFINITION (HD) ET L’ULTRA HAUTE DÉFINITION (UHD)

L’introduction de la technologie HD a considérablement amélioré la qualité de l’image résolutions plus élevées. L’UHD (également appelée 4K et 8K) a poussé les limites de la qualité visuelle, permettant des images encore plus nettes et détaillées.

 

LA RÉALITÉ VIRTUELLE ET AUGMENTÉE

La réalité virtuelle (VR) et la réalité augmentée (AR) ont ouvert de nouvelles dimensions dans le monde de l’image. La réalité virtuelle permet aux utilisateurs de plonger dans des environnements numériques immersifs, tandis que la réalité augmentée superpose des éléments virtuels au monde réel. Le simple affichage tête haute d’une voiture comme une forme de réalité augmentée. Ces technologies sont largement utilisées dans les jeux, la formation, la conception et le divertissement, offrant des expériences visuelles, incroyablement riches.

 

LA DIFFUSION EN CONTINU

Les plateformes de diffusion en continu, telles que Netflix, Amazon Prime Vidéo et Disney+, ont révolutionné la façon dont nous consommons le contenu audiovisuel en offrant un accès instantané à une vaste bibliothèque de films et d’émissions de télévision, avec une qualité d’image exceptionnelle.

 

LE DOMAINE DE L’IMAGE VOUS INTÉRESSE ?

En définitif, les avancées technologiques dans le domaine de l’image ont transformé le cinéma, ouvrant de nouvelles perspectives créatives pour les cinéastes et offrant des expériences visuelles inoubliables aux spectateurs.
L’ESIS a été créée pour former des professionnels de l’image et du son avec des formations professionnalisantes dès la 1e année en image, son et post-production, en proposant une expertise à la fois dans le domaine cinématographique et de la production sonore.

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Publiée le 14 février 2025

 

Tu t’es déjà demandé comment naissent les musiques qui te donnent des frissons au cinéma ? Ces mélodies qui te transportent, qui te font pleurer, qui te font croire que tu peux soulever Mjolnir alors que t’as déjà du mal avec ton sac de courses ?  La magie de composer une musique de film !

 

 

 

Si ton rêve, c’est de composer une musique de film /une BO digne d’un Hans Zimmer (Interstellar), d’un John Williams (Star Wars), ou même d’un Jérôme Rebotier (Un Parfait Inconnu, Le comte de Monte-Cristo), voici le guide (alors euhh mon guide donc pas non plus LE guide non plus, ce sont plus des conseils) pour passer de l’idée à l’enregistrement. 

 

 

 

Lire le script et capter l’ambiance  

Avant de poser une seule note, faut comprendre l’histoire et l’ambiance du film. Ah ben oui, tu imagines si tu fais un son ultra dynamique sur l’enterrement de Iron Man…bof l’ambiance quoi.  “Tu bosses sur quoi ?” tel est la question : 

Un drame psychologique ultra-lent où le silence est presque plus important que la musique ? (Joker).  Un blockbuster spatial qui te met des étoiles plein les yeux ? (Interstellar). Ou encore un film biographique musical qui doit sonner réaliste ? (Bohemian Rhapsody). Bref, chaque film a son ADN sonore. Tu n’arrives pas avec une guitare électrique sur un film d’époque, sauf si le réal a vraiment une vision très particulière.

Trouver le thème principal

C’est LA mélodie qui va rester dans la tête du public. Un bon thème, c’est un peu comme un bon logo sonore : tu l’entends une fois et tu le reconnais immédiatement. 

Prenez Star Wars par exemple, dès que t’entends la fanfare, t’as envie de dégainer un sabre laser et tu sais directement que Dark Vador est proche. Le Seigneur des Anneaux c’est juste deux notes et direct t’as envie de partir en randonnée en Nouvelle-Zélande et puis Narnia, la musique “The Battle” donne envie de crier “POUR ASLAN” ou de partir manger des loukoum (à choisir). 

Pas besoin de 200 instruments, juste la bonne émotion au bon moment et vous toucher (même si on ne va pas se mentir un bon morceau au piano ou au violon rend quand-même pas mal). 

Composer une musique de film c’est…travailler avec le réalisateur 

Un bon travail d’équipe et surtout une bonne dose de communication. Le compositeur n’est pas en mode « Je fais ce que je veux, démerdez-vous ». Il doit collaborer avec le réal pour que la musique colle parfaitement aux images. Le challenge ? Trouver le bon équilibre entre ce que veut le réal et ce que ressent le compositeur. Spoiler : ça implique souvent des aller-retours et des « C’est bien, mais… ». Faites venir votre compositeur sur le tournage pour qu’il s’inspire de l’ambiance du film.

Enregistrer avec un orchestre… ou un laptop (eh oui composer une musique de film, c’est plusieurs méthodes)

Deux teams s’affrontent dans le monde des BO de films, la team orchestre symphonique. On parle de 100 musiciens, une acoustique de fou et des instruments qui vibrent en vrai (exemples : Harry Potter, Interstellar, Le Seigneur des Anneaux…) avec une ambiance épique garantie, mais bon, faut quand même un budget solide (aka pas celui de ton court-métrage étudiant). La team MAO (musique assistée par ordinateur). Ici, on bosse seul avec un clavier MIDI et des banques de sons (exemples : Stranger Things (avec ses synthés 80’s), The Social Network (BO ultra-minimaliste signée Trent Reznor & Atticus Ross). Une team parfaite pour une ambiance moderne, électro ou expérimentale… et carrément plus accessible niveau matos. 

 

Une bonne musique de film ne se contente pas d’accompagner l’image, elle la sublime. Elle guide l’émotion du spectateur, l’immerge dans l’univers du film et, dans certains cas, devient aussi culte que les scènes elles-mêmes (coucou Titanic et Pirates des Caraïbes). Alors, prêt à devenir le prochain Ennio Morricone ?

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Publiée le 21 janvier 2024

La musique joue un rôle essentiel dans le cinéma. Elle peut renforcer l’émotion, créer une atmosphère et même raconter une histoire à elle seule. Trouver la meilleure bande-son pour votre film est donc une étape cruciale dans le processus de création cinématographique. ESIS te présente les 9 manières de trouver la meilleure bande–son pour un film.

Avant de plonger dans le processus de recherche de musique, il est essentiel de comprendre pourquoi la musique est si importante dans le cinéma. La musique peut évoquer des émotions, créer des tensions, soutenir la narration et donner une identité à votre film. Elle peut transformer une scène ordinaire en un moment mémorable. Une bande–son bien choisie peut être l’élément clé pour captiver un public. Le film « DRIVE » de Nicolas Winding Refn est un exemple emblématique de l’utilisation exceptionnelle d’une bande–son pour créer une sensation plus que vivante.

 

 

 

 

1. LE COMMENCEMENT

Idéalement, tu peux commencer à réfléchir à la musique de ton film dès le début du processus de production. Tu peux impliquer si besoin un compositeur ou un superviseur musical dès que possible. Cela permettra une meilleure collaboration et te donnera plus de temps pour explorer différentes options musicales.

 

2. LE TON DE VOTRE FILM

Avant de rechercher de la musique, il est important de comprendre le ton et l’atmosphère que tu souhaites créer dans ton film. Quelle est l’émotion que tu voulais transmettre ? Est-ce un film romantique, un thriller, une comédie ? La réponse pourra influencer le choix de la musique. Par exemple, un film d’horreur aura besoin d’une musique différente de celle d’une comédie romantique.

 

3. L‘IMPORTANCE DU MIXAGE AUDIO

Le mixage audio est une étape cruciale dans la création de la bande–son d’un film. Il faut s’assurer que le son est correctement équilibré et que la musique ne couvre pas les dialogues ou les effets sonores essentiels. Le recours à un professionnel du mixage audio peut être une bonne idée pour obtenir une qualité sonore optimale.

 

4. LES DROITS DE LA MUSIQUE

Lorsque tu choisis de la musique préexistante, il est important d’obtenir les droits d’utilisation. Tu devras peut-être négocier avec les artistes ou les maisons de disques, ou acheter une licence d’utilisation. A savoir que l’utilisation illégale de musique peut entraîner des problèmes légaux coûteux.

 

5. LE TEST DE LA MUSIQUE AVEC DES SÉQUENCES

Une fois que tu as sélectionné quelques pistes potentielles, tu peux les tester avec des séquences de ton film, regardez comment elles s’intègrent dans l’action et dans l’émotion de la scène. La musique n’accompagne pas simplement l’image, elle peut la renforcer.

 

6. LA RÉVISION

Il faut être prêt à apporter des ajustements et s’adapter si besoin. En effet, des révisions à la bande–son peuvent être nécessaire. L’expérimentation est clé pour trouver la combinaison parfaite entre l’image et la musique.

 

7. L‘IMPORTANCE DU MIXAGE AUDIO

Le mixage audio est une étape dans la création de la bande–son de d’un film. Il faut s’assurer que le son est équilibré correctement et que la musique ne couvre pas les dialogues ou les effets sonores essentiels.

 

8. DES CHOIX ÉCLAIRÉS

Le choix de la meilleure bande–son d’un film dépendra de la vision artistique, du budget et des ressources.

 

9. L’EXPLORATION DES BIBLIOTHÈQUES DE MUSIQUE

Si le budget est limité, il existe de nombreuses bibliothèques de musique en ligne où l’on peut trouver des pistes musicales préexistantes à des tarifs abordables.

 

Vous souhaitez vous orienter dans le milieu du son et de la musique, l’ESIS vous propose une formation complète, en immersion totale dans ce domaine pendant trois ans grâce au Bachelor Son et Musique. L’ESIS propose aussi un Mastère Réalisation et Production Sonore.

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Publiée le 24 février 2025

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Parce qu’aimer, pleurer, et manger du Nutella, c’est aussi ça la vie. voilà notre Top 5 des films d’amour pour la Saint Valentin

 

Bon, je ne vais pas vous mentir, j’ai galéré à trouver ce top 5 des films d’amour pour la Saint Valentin, qui ne soient pas trop clichés, récompensés ou qui finissent bien (c’est rare, avouons-le). Alors, pour ce top 5, j’ai décidé de mixer les genres : des films pour tomber amoureux·se, pour pleurer avec son bol de Nutella et ses craquottes, ou juste pour profiter d’une belle histoire. Let’s go ! 

 La La Land (2016)

Ah, La La Land, comment ne pas parler de cette masterclass de Damien Chazelle ? Ce film, c’est un cocktail parfait : une histoire d’amour douce-amère, de la musique incroyable, des couleurs à couper le souffle, et des références cinématographiques en pagaille. 

Alors oui, la fin a un goût amer (et moi je pleure systématiquement, merci de ne pas juger), mais c’est aussi une ode à la passion, au rêve, et au soutien mutuel. Et côté technique, les plans-séquences sont juste incroyables. Bref, un film qui vous donnera un cours de ciné tout en vous brisant (doucement) le cœur. Bonus : si vous aimez La La Land, tentez Babylon du même réalisateur. 

 Brokeback Mountain (2005)

Pour continuer, j’ai hésité avec Call Me By Your Name (parce que Timothée Chalamet et à l’affiche du biopic Bob Dylan), cependant aujourd’hui, c’est Brokeback Mountain qu’on mets sous les projecteurs. Ce film, réalisé par Ang Lee, raconte l’histoire d’un amour interdit entre deux cowboys dans une société conservatrice. 

Au-delà de la romance, c’est un film qui remet en question les clichés sur les romances homosexuels et explore les conflits internes et externes de ses personnages. Tragique, certes, mais d’une intensité bouleversante. À voir absolument, avec des mouchoirs à portée de main. 

We Live In Time (2025)

Petit nouveau au cinéma, We Live In Time est une vraie pépite. Ce film joue avec nos émotions et nos sens, à la fois visuellement et narrativement. C’est une histoire d’amour profondément humaine, avec des personnages auxquels on s’attache facilement. 

Que vous soyez en couple, célibataire ou dans un statut “c’est compliqué”, ce film vous touchera. Il parle des problèmes quotidiens, des doutes de notre génération, et surtout de la beauté des instants partagés. Une douceur cinématographique à découvrir absolument. 

 Amélie (2001)

Un peu de cinéma français pour varier les plaisirs ! Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain n’est pas centré uniquement sur l’amour romantique, mais plutôt sur l’amour de soi et des autres. Amélie, timide et rêveuse, apprend à surmonter ses peurs pour s’ouvrir aux autres et se découvrir elle-même. 

Ce film, c’est une explosion de couleurs, des plans magnifiques et une ambiance qui donne envie de redécouvrir Paris. En février, c’est parfait pour se rappeler que l’amour commence souvent par soi-même. 

The Shape of Water (2017)

Une femme et un monstre ? Oui, vous avez bien lu. The Shape of Water de Guillermo del Toro est une histoire d’amour hors du commun, pleine de douceur et d’intensité. 

Malgré son apparence étrange, ce film raconte une histoire universelle : celle de l’acceptation et de la beauté qui réside dans nos différences. Et bonne nouvelle : ce film se termine bien ! (Enfin, une note d’espoir dans ce top.) Une œuvre qui ouvre les yeux sur l’amour au sens large, avec un grand A. 

 

En bref, voilà un top 5 des films d’amour (et de self-love) pour février, mais soyons clairs : pas besoin d’attendre la Saint-Valentin pour aimer ou s’aimer. Ces films peuvent être regardés à tout moment, parce qu’un bon film, ça fait du bien, peu importe la saison. Bon mois de février à toutes et tous, et surtout, prenez soin de vous !

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Publiée le 26 janvier 2024

L’industrie cinématographique a toujours été à la pointe de l’innovation, cherchant constamment à repousser les limites de la créativité et de la technologie pour offrir au public des expériences cinématographiques inoubliables.
l’ESIS, l’École Supérieure du Cinéma, du Son et de la Musique vous présente les 6 tendances cinématographiques pour l’année 2024.

 

 

 

 

 

 

 

L’INTELLIGENCE ARTIFICIELLE (IA) AU SERVICE DE LA CRÉATIVITÉ

L’intelligence artificielle fait des percées majeures dans l’industrie cinématographique de 2024. Des algorithmes d’Intelligence artificielle sont utilisés pour analyser d’énormes ensembles de données cinématographiques, aidant les scénaristes à développer des intrigues captivantes et des personnages complexes. Cette innovation accélère le processus créatif et ouvre la porte à de nouvelles expérimentations narratives.

 

EXPÉRIENCES CINÉMATOGRAPHIQUES HOLOGRAPHIQUES

La technologie holographique transforme la manière dont les spectateurs interagissent avec les films en 2024. L’introduction de salles de projection holographique permet aux spectateurs de plonger dans des récits tridimensionnels, qui brouillent les frontières entre la réalité et la fiction. Les cinéastes exploitent cette innovation pour créer des mondes cinématographiques aussi surréalistes qu’inoubliables.

 

DISTRIBUTION CINÉMATOGRAPHIQUE BASÉE SUR LA BLOCKCHAIN

Une blockchain est une technologie de stockage et de transmission d’informations sans autorité centrale, et cette technologie perturbe le modèle traditionnel de distribution cinématographique. En 2024, les cinéastes commencent à utiliser des plateformes basées sur la blockchain pour distribuer et monétiser leurs œuvres directement auprès du public, éliminant ainsi les intermédiaires. Cette innovation offre un plus grand contrôle aux créateurs tout en garantissant une rémunération équitable.

 

EXPÉRIENCES CINÉMATOGRAPHIQUES INTERACTIVES

Le cinéma interactif prend son envol en 2024. Les cinéastes explorent des expériences narratives basées sur le choix du spectateur, où ce dernier peut prendre des décisions cruciales tout au long de l’histoire. Cette innovation transforme les spectateurs de simples observateurs en participants actifs, renforçant l’engagement et la possibilité de revoir le film pour explorer différentes voies narratives.

 

DÉCORS VIRTUELS HYPERRÉALISTES

Grâce aux avancées de la réalité augmentée et des graphismes générés par ordinateur, les décors virtuels atteignent un niveau de réalisme inégalé en 2024. Les cinéastes peuvent désormais tourner des scènes dans des environnements fantastiques sans quitter le studio, économisant ainsi du temps et des ressources. Cette innovation élargit les possibilités de narration et de création de mondes cinématographiques uniques.

 

L’ÉVOLUTION DES PLATEFORMES DE STREAMING

L’évolution des plateformes de streaming est en constante évolution et domine de plus en plus le marché. L’une des tendances les plus marquantes de l’évolution du streaming en 2024 est la montée en puissance des productions originales exclusives, allant des films aux séries télévisées en passant par les documentaires. Cette stratégie vise à fidéliser les abonnés en offrant un contenu exclusif et de qualité, tout en renforçant l’identité et la marque de chaque plateforme. En contrepartie, les salles de cinéma cherchent aujourd’hui à se réinventer en offrant des expériences cinématographiques uniques et immersives.

 

SE FORMER AUX MÉTIERS DU CINÉMA

Vous souhaitez intégrer une formation dans le domaine du cinéma ? L’ESIS propose diverses formations comme un BTS Métiers de l’Audiovisuel en alternance. Ce BTS propose 4 Options avec une Option Montage et Post-Production, une Option Gestion de Production, une Option Image et une Option Son.

L’ESIS propose aussi un Bachelor Cinéma et VFX ainsi que trois Mastères dont un Mastère Scénario et Réalisation et un Mastère Communication et Production Cinématographique.

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Publiée le 28 février 2025

 

 

« La musique m’a sauvé », confie Jérôme Rebotier. Lorsque, enfant, il perd ses parents, il se voit confié à une tante professeure de musique entre l’âge de 7 et 10 ans : elle lui fait découvrir Mozart et d’autres grands compositeurs, ce qui se révèle une véritable thérapie. Chez sa tante, qui lui apprend toutes les bases, la musique est omniprésente, mais Jérôme se considère avant tout comme un autodidacte. Plus tard, il racontera dans un roman, Dans la cour, l’histoire d’un jeune garçon qui s’affranchit de son enfance difficile grâce à la musique. Quand il découvre que Dany Elfman était lui aussi autodidacte, il se sent inspiré pour écrire des pièces pour orchestre.

 

 

 

 

Adolescent, il écoute beaucoup de country, de crooners et, plus généralement, de musique américaine des années 50. Sollicité par un étudiant de la Femis, il compose une partition country pour son film de fin d’études. Puis, il écrit un trio à cordes pour un court métrage, Le Modèle (1996) de Guillaume Deffontaines, étudiant de Louis-Lumière devenu chef-opérateur par la suite.

 

Mais c’est en travaillant dans un vidéo-club spécialisé dans le cinéma d’auteur qu’il se forge sa culture cinématographique. Il participe à plusieurs courts métrages avant d’avoir la chance de composer la partition de Laissons Lucie faire (1999) d’Emmanuel Mouret. Grâce au retentissement du film, il enchaîne avec Les Âmes câlines (2001) de Thomas Bardinet. Pourtant, c’est sa rencontre avec Matthieu Delaporte et Alexandre De la Patellière qui sera déterminante pour la suite de sa carrière. Après être devenu copain avec Matthieu en Terminale – « je recopiais sur lui et je lui faisais écouter les répètes de mon groupe de rock » –, il le retrouve à l’occasion de la projection d’un court métrage auquel il venait de participer. Quelques années plus tard, Delaporte et De la Patellière proposent à Jérôme de composer la musique de leur tout premier long métrage, La Jungle (2005). « J’ai tout donné sur ce film », raconte-t-il. « Du coup, comme ils étaient contents de mon boulot, ils m’ont de nouveau sollicité pour Le Prénom alors qu’au départ il n’était pas question que je le fasse. » Depuis, Jérôme Rebotier est devenu le compositeur attitré du binôme de réalisateurs.

 

Ce qui ne l’empêche pas de collaborer avec d’autres cinéastes, comme Tonie Marshall (Au plus près du paradis, Vénus et Apollon) ou Pierre Coré (Sahara, L’aventure des Marguerite). Vers la fin des années 2010, en constatant qu’il est beaucoup sollicité pour des comédies qui ne lui plaisent pas, il se tourne davantage vers le documentaire. « Je m’investis énormément dans ce que je fais et je me suis rendu compte qu’il vaut mieux garder son énergie pour les projets qui en valent le coup », dit-il encore. À l’image du Comte de Monte-Cristo (2024) pour lequel il compose une musique thématique en la mêlant à des codes plus modernes et en s’inspirant d’Ennio Morricone à qui il voue une vraie passion.

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Publiée le 28 janvier 2024

Quand on entreprend l’écriture d’un scénario, il est crucial de concevoir des personnages mémorables et captivants afin de susciter l’intérêt du public et insuffler de la vie à l’intrigue. Un bon personnage est celui qui évolue au fil de l’intrigue, qui suscite l’empathie du public et qui contribue à rendre le récit crédible et stimulant.

L’ESIS, l’École Supérieure du Cinéma, du Son et de la Musique te donne quelques conseils pratiques pour écrire des personnages riches et authentiques qui marqueront les esprits.

 

 

 

 

 

 

Une psychologie profonde

Un personnage bien développé possède une psychologie complexe et nuancée. L’ESIS vous conseille de prendre le temps de comprendre les motivations, les peurs, les désirs et les conflits internes de votre personnage. Quelles sont ses aspirations profondes ? Quels événements de son passé ont façonné sa personnalité ? En explorant ces aspects, vous créerez des personnages plus réalistes et plus intéressants pour votre histoire.

 

Des objectifs clairs et motivants

Il est préférableque chaque personnage soit poussé avoir des objectifs clairs et motivants qui le poussent à agir tout au long du récit. Ces objectifs peuvent être externes (comme sauver le monde) ou internes (comme surmonter une peur ou une faiblesse personnelle). Les objectifs bien définis donnent à votre personnage un but à atteindre et créent des conflits captivants qui alimentent l’intrigue de l’histoire

 

Des personnages complexes et multidimensionnels

Les personnages les plus mémorables sont souvent ceux qui possèdent des traits contradictoires et qui évoluent au fil de l’histoire. Par exemple, un héros courageux peut également avoir des moments de doute ou de faiblesse, ce qui le rend plus humain et plus accessible pour le public.

 

Le dialogue pour révéler la personnalité des personnages

Le dialogue est un outil puissant pour révéler la personnalité des personnages. Vous pouvez l’utiliser pour montrer leur style de langage, leur sens de l’humour, leurs valeurs et leurs croyances. Les répliques,authentiques et cohérentes avec la personnalité du personnage, permettront de renforcer les caractérisations et les rendront plus mémorables pour le public.

 

Intégrer des Défis et des Conflits

Les meilleurs personnages sont souvent confrontés à des défis et des conflits qui mettent à l’épreuve leurs compétences, leurs valeurs et leur résilience. Ces épreuves permettent de révéler leur véritable nature et de montrer leur évolution au cours du récit. Les défis auxquels vos personnages sont confrontés sont à la fois crédibles et significatifs, afin de maintenir l’intérêt du public.

 

Rendre les Personnages Humains et Imprévisibles

Les humains sont complexes et imprévisibles, et les personnages peuvent donc l’être aussi. L’intégration de moments de vulnérabilité, d’ambiguïté et de surprise pourra rendre vos personnages plus authentiques et plus captivants. Il est possible de défier les attentes du public et de prendre des risques narratifs pour créer des personnages inoubliables.

 

Désirez-vous créer votre propre scénario ?

L’ESIS propose un Mastère Scénario réalisation de deux ans en alternance ouvert aux titulaires d’un titre de niveau Bac +3 (ou équivalent). Deux autres Mastère sont proposés dont un Mastère Réalisation et Production Sonore et un Mastère Communication et Production Cinématographique. Il est également possible d’intégrer l’école après le Bac en BTS Métiers de l’Audiovisuel avec quatre options au choix dont l’Option Montage et Post-Production, l’Option Gestion de Production, l’Option Image et l’Option Son. L’ESIS propose également un Bachelor Cinéma et VFX ainsi qu’un Bachelor Son et Musique.

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