Publiée le 21 December 2023

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Publiée le 19 December 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Après des études de sciences économiques, de communication d’entreprise et de sociologie, Laurence Arné s’installe à Paris où elle se consacre à sa vraie passion : la scène. Elle suit des cours de chant, de danse et de théâtre et même de one-man-show ! En 2006, à seulement 24 ans, elle se lance sur scène avec un spectacle solo, intitulé Quelle conne, où elle révèle un style énergique et un vrai talent pour croquer des portraits de femmes qui jouent sur les clichés. 

  

Très vite, elle fait ses premiers pas au cinéma dans L’Amour, c’est mieux à deux (2009), où elle campe la meilleure copine de Virginie Efira, sous la direction de… Dominique Farrugia ! Elle enchaîne avec Moi, Michel G, milliardaire, maître du monde (2010), toujours réalisé par Farrugia. Mais c’est avec son rôle de DRH un rien nymphomane dans la série humoristique WorkinGirls, sur Canal Plus, qu’elle s’impose auprès du public. En 2015, elle crée – et interprète – une série de pastilles de 4 minutes, Filles d’aujourd’hui, qui pastiche les rubriques de magazines féminins détaillant la journée-type de femmes très à l’aise dans leur époque.  

  

Un an plus tard, elle partage l’affiche avec Dany Boon dans Radin !, puis, en 2018, dans La Ch’tite famille, où elle campe une architecte d’intérieur ultra-snob qui se retrouve confrontée à la famille un rien encombrante de son compagnon et associé. « On est tombés amoureux en travaillant », confie Laurence Arné en parlant de Dany Boon. « Il y a une vraie complicité artistique entre nous, et c’est formidable. Je suis très chanceuse. » 

  

On retrouve Laurence Arné dans Une affaire française, autour du meurtre du petit Grégory, puis dans 8 rue de l’Humanité, qu’elle coécrit, sous la direction de Dany Boon. Depuis longtemps taraudée par le désir de passer à la réalisation, elle s’inspire de sa propre histoire et de la problématique des familles recomposées, sous forme de comédie. « J’ai commencé à écrire le scénario seule pendant un an et demi, puis j’ai fait une consultation avec Sara Wikler qui a mené un travail analytique sur les personnages et les enjeux », raconte-t-elle. « Elle dit toujours qu’une comédie doit avoir la même intensité narrative qu’un thriller. J’ai donc quasiment effectué un travail thérapeutique sur chacun des personnages pour qu’il n’y ait rien d’artificiel et que les bascules de conscience soient toutes légitimes. J’aime le cinéma qui me raconte des histoires crédibles et contemporaines. Quand ce n’est pas suffisamment réaliste, je me détache de l’histoire. J’ai besoin de croire profondément au parcours des protagonistes. » Road-movie ébouriffant, La Famille Hennedricks parle aussi de musique qui soude les membres de cette famille aussi improbable qu’attachante. « En écrivant le film, j’ai souvent pensé que la famille était comme un groupe de rock. Chacun doit trouver son instrument, sa voix, faire ses gammes, se mettre au diapason des uns et des autres, trouver un tempo commun pour enfin créer l’harmonie. Mais il faut aussi accepter les fausses notes car elles donnent tellement de charme à une famille ! », conclut-elle. 

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Publiée le 3 February 2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Franzo Curcio s’est rendu au contact des étudiants au sein de l’école ESIS au campus de Paris.

D’origine italienne, Franzo Curcio vit à Paris depuis une vingtaine d’années et s’intéresse au cinéma depuis le lycée. Pendant ses études de sciences politiques, à Rome, il entreprend un mémoire autour de la propagande du fascisme pendant la Seconde Guerre mondiale et de l’instrumentalisation du cinéma comme outil de communication de masse. Quand il arrive en France, on lui propose de travailler sur le régime de Vichy, mais il comprend qu’il n’a pas vocation à rester enfermé dans une bibliothèque. Il commence à effectuer des stages dans le cinéma et, grâce à une rencontre avec une directrice de casting, il devient assistant casting pendant trois ans. « Je ne savais pas faire grand-chose », confie-t-il, « mais j’avais beaucoup de volonté et d’envie. » Au bout de trois ans, il travaille seul, d’abord sur Musée haut, musée bas (2007) de Jean-Michel Ribes, puis sur l’ensemble des réalisations de Mathieu Amalric et le dernier opus d’Alain Corneau, Crime d’amour en 2009. Il a également collaboré avec Paul Verhoeven (Benedetta, 2021) ou Xavier Giannoli (Illusions perdues, 2021, et son prochain film, Les Rayons et les ombres).

Très vite, Franzo Curcio se spécialise dans les seconds rôles. « Les premiers rôles m’intéressent moins car, avec les seconds rôles, on a un rapport direct avec le réalisateur », dit-il. « Pour les premiers rôles, il y a un grand nombre d’intervenants décisionnaires comme les chaînes de télé et la marge de manœuvre est beaucoup plus étroite. » Pour le directeur de casting, son métier ne se conçoit qu’en allant voir les comédiens au théâtre et au cinéma. « C’est une histoire de terrain », confirme-t-il.

S’il n’est pas fermé à la comédie, ses rencontres l’ont poussé à travailler surtout pour des films d’auteur. « Je n’ai pas de chapelle, et c’est le hasard qui m’a guidé sur ce chemin », reprend-il. « Ce sont des boîtes de production ou des réalisateurs qui me contactent et c’est comme ça que je me suis retrouvé à travailler sur une certaine typologie de films. » C’est ainsi que Franzo Curcio collabore régulièrement avec Edouard Baer, Valeria Bruni-Tedeschi ou Nadav Lapid. De même, il n’a participé qu’à deux séries, l’une signée Xavier Durringer et la seconde Laurent Tuel. « Il y a encore une séparation assez stricte entre le cinéma et la télévision », regrette-t-il. Ce qui ne l’empêche pas de rester extrêmement actif et sollicité…

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Publiée le 18 February 2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Guerre des mondes est un film qui me hante depuis des années. Pour cet article, une question se pose très vite : comment réussir à parler d’un film pareil ? Par quel bout le prendre ? La Guerre des mondes est un objet inouï, de ceux dont on sort sans trop savoir ce qu’on a vu, ni même si ce qu’on a vu a réellement existé. À partir du moment où l’on commence à douter de la possibilité même d’un tel film, vous imaginez bien que l’idée d’en écrire un article devient un gouffre.

Revoir le film aujourd’hui, presque vingt ans plus tard, c’est redécouvrir à quel point il condense les angoisses américaines du début des années 2000. Spielberg ne filme pas seulement une invasion extraterrestre ; il filme un monde qui s’effondre sans explication, un pays qui ne comprend plus ce qui lui arrive. La première apparition des Tripods surgissant d’un sol qui se fend comme une plaie est impossible à détacher des images du 11 septembre. La poussière grise, les buildings éventrés, les foules sidérées : tout renvoie à un imaginaire collectif traumatisé. Ce n’est pas un clin d’œil, c’est une empreinte. Ce qui frappe en revoyant La Guerre des mondes, c’est surtout sa capacité incroyable à inscrire chaque scène dans la mémoire du spectateur.

C’est peut-être ce que Spielberg maîtrise ici mieux que jamais : la faculté de créer des moments si sensoriels, si immédiats, qu’ils semblent imprimés en nous avant même que la scène ne se termine. La voiture qui s’arrête devant un carrefour déjà envahi ; la pluie de vêtements tombant du ciel comme un épouvantable écho des disparus ; le ferry pris d’assaut, basculant au-dessus d’une mer noire ; la cave où la lumière rouge des Tripods glisse sur les murs comme un organe vivant. Ce sont des images qui restent, non pas pour leur spectacle, mais pour leur charge viscérale. Chaque scène est un choc, chaque choc un souvenir. Au centre du film, il y a Ray Ferrier, interprété par un Tom Cruise étonnamment fragile. Ray n’a rien d’un sauveur spectaculaire que l’acteur incarne d’habitude : c’est un père un peu paumé, souvent maladroit, encore en apprentissage malgré son âge. Son divorce l’a laissé à distance de ses enfants, et chaque tentative pour les rassurer semble échouer avant même de commencer. C’est précisément cette fêlure qui rend le personnage si précieux : il ne sait pas comment être un bon père, mais il va devoir le devenir dans l’urgence la plus totale. Sa mission n’est pas de sauver la planète ; elle est plus difficile que cela : il doit garder ses enfants vivants, et surtout leur montrer qu’ils peuvent compter sur lui. C’est là que réside le véritable héroïsme du film. La relation de Ray avec Rachel et Robbie devient le cœur battant du récit. Chaque dialogue, chaque regard, chaque geste maladroit de protection raconte à quel point l’amour parental peut être imparfait mais profondément réel.

La scène du ferry condense à elle seule tout cela. C’est une séquence d’une virtuosité formelle, remarquable, mais aussi l’un des moments les plus amers du film. À l’instant où Ray et ses enfants tentent d’embarquer, la foule derrière eux se met à pousser, à hurler, à se battre pour quelques centimètres d’espace. Les Tripods sont là, menaçants, mais Spielberg montre autre chose : l’humain devient soudain un danger peut-être plus immédiat, plus incontrôlable que l’invasion elle-même. Le monstre, pour quelques minutes, n’a plus trois pattes métalliques, il a des visages humains, désespérés, écrasés par la panique. Le chaos ne vient plus du ciel, mais de la masse. Spielberg filme ce moment presque comme une Arche de Noé inversée : un radeau de survie qui, au lieu de protéger, menace de s’effondrer sous la pression des hommes eux-mêmes.

L’horreur du film est là : l’instinct de survie transforme parfois l’homme en un monstre plus dangereux que n’importe quelle créature venue d’ailleurs.

On reproche parfois au film sa fin abrupte, presque frustrante. Mais c’est précisément cette absence de catharsis qui fait sa force. Les extraterrestres ne sont vaincus ni par l’armée, ni par la bravoure humaine : ils tombent, soudainement, comme si leur puissance avait toujours été dérisoire. Et le monde, lui, reste cabossé. Il n’y a pas de grand discours, pas de célébration, pas de triomphe. Juste une famille qui se retrouve tant bien que mal. Comme après un traumatisme collectif, il n’y a pas de victoire, seulement une forme de survie.

C’est pour cela que La Guerre des mondes est un film si marquant. Au-delà du spectacle, il existe une lucidité brutale sur la fragilité du monde contemporain. Au-delà des Tripods, il y a l’idée d’un monde où tout peut basculer en un instant. Chaque souffle, chaque instant semble conçu pour s’imprimer durablement dans notre mémoire, comme une cicatrice sur notre visage. Un détail facinant est la façon dont Spielberg relie le film à son enfance : les grands-parents des enfants que l’on voit à la fin, étaients en réalité acteurs de l’adaptation filmique de 1953. Une boucle narrative incroyable : des témoins d’une invasion fictive des années 50 se retrouvent, cinquante ans plus tard, dans le rôle de figures familières, veillant sur la nouvelle génération. Comme si l’histoire de la peur, de la survie et de l’humanité se transmettait de façon tangible entre les générations, donnant au film une profondeur inattendue.

Romann Magnin

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Publiée le 12 December 2023

 

 

 

 

 

 

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Publiée le 4 September 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Depuis quelques années, le cinéma français connaît un engouement particulier pour les films adaptant des  de la littérature. Les scénarios créés pour ces derniers sont d’une qualité variable, mais ils posent une question très importante : qu’est-ce qu’une bonne adaptation cinématographique ? 

Il y a quelques semaines est sorti dans nos salles Le Comte de Monte-Cristo, la 14ème adaptation filmique de l’œuvre d’Alexandre Dumas depuis le début du XXème siècle. Avant Pierre Niney, d’autres acteurs ont incarné le rôle d’Edmond Dantès avec brio, comme Léon Mathot en 1918, dans une adaptation en 8 épisodes. La version de Jean Marais, réputée pour sa fidélité au roman, atteint les 8 millions d’entrées lors de sa sortie. Le film est même passé par Hollywood, avec Jim Caviezel pour interpréter le comte. Ces adaptations ont le point commun d’être globalement à l’image de l’œuvre originale et elles ont toutes connu le succès. La dernière en date est peut-être celle qui prend le plus de libertés artistiques, en risquant de faire plusieurs changements concernant le personnage d’Angèle, en supprimant de Noirtier et la famille d’Epinay. L’objectif était de faire tenir l’histoire en trois heures de film, d’où ces choix scénaristiques très bien pensés. 

Julie Anselmini, enseignante-chercheuse à l’Université de Caen et spécialiste de l’oeuvre d’Alexandre Dumas précise : “Il est toujours difficile de savoir ce qu’est une bonne adaptation, les dernières de Dumas [Les Trois Mousquetaires, Le Comte de Monte-Cristo] prouvent cette ambiguïté, le premier a moins bien marché que le dernier alors que c’est la même recette”. En effet, les réalisateurs sont les mêmes, mais le succès est plus retentissant pour le Comte que pour d’Artagnan. Les deux films cumulent tout de même à eux seuls un peu plus de 5 millions d’entrées. 

Le cas Eragon

Eragon : pour ceux qui l’auraient oublié, le roman a eu droit à une adaptation cinématographique en 2006, par Stefan Fangmeier. Le film devait suivre le roman et avoir plusieurs suites, un projet qui sera avorté après la diffusion du premier film. Pourquoi ? Déjà, parce que le film n’a pas rencontré (ou retrouvé) son public dans les salles, n’ayant atteint que les 3/4 de son budget (75 millions de dollars récupérés sur 100 millions investis) et surtout pour les trop grandes libertés prises par rapport aux livres de Christopher Paolini. Entre suppression de personnages, raccourcis scénaristiques et oublis majeurs empêchant la production d’une suite, Eragon s’est saboté tout seul en même temps qu’il a anéanti la carrière de certains acteurs, comme Edward Speleers, le détenteur du rôle éponyme. 

Le film pourrait servir de cas d’école car manifestement, le réalisateur ne connaissait pas l’œuvre d’origine et a commis des erreurs empêchant la poursuite du projet, notamment le retrait des Nains, cruciaux dans la suite du roman. Ce que nous montre ce raté, c’est que le film aurait dû prendre le temps de suivre les points importants du livre, comme Peter Jackson avec Le Seigneur des Anneaux, en retirant les parties jugées anecdotiques pour faire tenir la narration dans les trois opus qui lui ont été donnés. Il aurait pu au moins s’attirer la faveur des fans et s’assurer ainsi une base de visionnages solide, puisque le livre a été un immense succès lorsqu’il est sorti. 

Le contre-exemple 

A l’inverse de cela, il y a Shining. Pour ceux qui ont vu le film sans lire le livre, ils pourraient penser que c’est une œuvre tout à fait originale. Et pourtant, c’est un roman de Stephen King qui a servi de fondation à l’œuvre cinématographique. A sa sortie, le film a reçu un accueil mitigé, l’actrice Shelley Duvall et le réalisateur Stanley Kubrick ont été nommés aux Razzie Awards pour les catégories de la Pire actrice et du Pire réalisateur. Le succès ne viendra que plus tard, tant et si bien que le film est devenu un classique du cinéma d’horreur. Jack Torrance figure parmi les meilleurs “méchants” de l’histoire du cinéma, et le film est classé à la 29ème place des 100 meilleurs thrillers du cinéma américain. Pourtant, le film est un bel exemple d’adaptation très libre d’œuvre littéraire. Stephen King reproche à Stanley Kubrick la disparition de thèmes importants (par exemple, l’alcoolisme de Jack Torrance et sa transformation en père horrible à cause de l’abus d’alcool), à tel point que l’auteur prendra les commandes d’une nouvelle adaptation en un téléfilm de trois parties, pour rester fidèle à son histoire. Il refusera aussi que son nom apparaisse dans le générique du film, considérant ce dernier totalement détaché de l’ouvrage original. Alors, comment la popularité du film peut-elle s’expliquer ? Peut-être par l’interprétation magistrale de Jack Nicholson, qui rend à merveille la folie du personnage sur le grand écran, ou encore la vision géniale de Kubrick, qui tire des mots du livre une imagerie sublime et de très belles musiques.  

La question de l’adaptation cinématographique d’une œuvre littéraire est très complexe, notamment parce qu’elle ne dispose pas de cas types permettant de déterminer une sorte de norme analytique. Il est impossible de savoir ce qu’est une bonne adaptation, si elle doit coller le livre de la plus proche des manières, ou bien s’en détacher. Certains prennent la voie de l’entre-deux, comme les dernières adaptations des œuvres de Dumas, tandis que d’autres sortent du chemin tracé par le livre et créent quelque chose d’unique. Mettre des mots en images n’est pas chose facile, de même que traduire des pensées de personnages. Certains s’y cassent les dents, comme Stefan Fangmeier avec Eragon, œuvre dont on attend encore une adaptation digne de ce nom. 

Théo Tourneur 

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Publiée le 15 January 2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jessica Pallud s’est rendu au contact des étudiants au sein de l’école ESIS au campus de Paris

À 19 ans, Jessica Palud effectue un premier stage en régie sur Innocents (2003) de Bernardo Bertolucci. Ensuite, grâce à sa détermination et à l’aide de quelques rencontres, elle devient troisième, puis deuxième et enfin première assistante réalisation, à 25 ans, sur d’importantes productions comme Marie-Antoinette (2006) de Sofia Coppola, Astérix aux Jeux Olympiques (2008) de Thomas Langmann et Frédéric Forestier. Elle participe aussi à des films d’auteur signés Philippe Lioret, Eric Lartigau et Carine Tardieu et à plusieurs publicités. C’est à cette époque qu’elle commence à adapter un roman, L’Amour sans le faire de Serge Joncour. « Ce projet a pris beaucoup de temps car, même si l’écriture du livre est très belle, il était difficilement adaptable au cinéma », témoigne Jessica Palud. « Le sujet était très proche de Juste la fin du monde de Xavier Dolan si bien que j’ai décidé de changer mon fusil d’épaule et que j’ai fait un court métrage. » C’est dans ce contexte qu’elle s’attelle à Marlon, l’histoire d’une gamine qui va retrouver sa mère en prison : le film est sélectionné dans plusieurs festivals et remporte de nombreuses distinctions, dont le prix Grand Action au festival de Cannes et une nomination aux César. Grâce au succès de son court, la réalisatrice reprend son scénario de long métrage, intitulé Revenir, qu’elle réussit à financer. « Tout à coup, j’ai eu accès à des acteurs de premier plan comme Niels Schneider et Adèle Exarchopoulos, et le film a été sélectionné dans la section Orizzonti [l’équivalent d’Un certain regard au festival de Cannes] à la Mostra de Venise. Revenir a même obtenu le prix du scénario ! »

Pendant le montage de son premier film, Jessica Palud découvre Tu t’appelais Maria Schneider de Vanessa Schneider, qui retrace le parcours de l’actrice, sa cousine : passionnée par Maria Schneider, la cinéaste se met en tête de transposer l’ouvrage au cinéma. « J’ai rencontré Vanessa, qui avait reçu pas mal de propositions, et je lui ai expliqué que je voulais faire une adaptation très libre en adoptant le point de vue de Maria. Je crois que c’est ce parti-pris, cette volonté de faire un portrait introspectif, très près de Maria, qui lui a plu », complète Jessica Palud. Quand Vanessa Schneider découvre Revenir en salle de montage, elle est convaincue de donner son accord à la réalisatrice. Et si Maria a, une fois encore, été difficile à se monter, il a été présenté en sélection officielle à Cannes et, depuis, il est sorti dans une quarantaine de pays.

C’est pendant le montage de Maria que Jessica Palud est contactée par HBO qui souhaite créer une série à partir des Liaisons dangereuses de Laclos. « Leur idée, c’était de s’intéresser à Merteuil pour comprendre comment elle est devenue Merteuil », explique la cinéaste. « Ça m’a passionnée. » Pour elle, seule Anamaria Vartolomei, qui tenait le rôle-titre de Maria, s’impose pour le personnage de Merteuil. Là encore, après un cheminement complexe, la série, à la fois audacieuse et plastiquement somptueuse, est une totale réussite. « Elle est sortie dans les 70 territoires de HBO, elle s’est classée 2^ème sur la plateforme dans les premières semaines de sa diffusion, et elle est encore 4^ème à l’heure actuelle, y compris en Thaïlande, en Australie et au Moyen-Orient, alors qu’elle est sortie mi-novembre. Pour une série française, c’est un très beau succès », conclut Jessica Palud.

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Publiée le 11 June 2026

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Y a-t-il un groupe de musique britannique ayant plus marqué les esprits sur le long terme que Gorillaz ? Depuis le début du 21ème siècle, il offre une variété de styles sans précédent entraînée par de très nombreuses collaborations. Entre pop, rock, rap, électronique et musique du monde, autant de diversités qui font la richesse de ce groupe pour le moins insolite.

Mais qui est réellement Gorillaz ? Qui se cache derrière ces clips musicaux d’animation ? Qui sont ces personnages farfelus aux personnalités propres, aux histoires atypiques qui accompagnent l’image de Gorillaz depuis plus de 25 ans ?

L’histoire commence sur le canapé d’un petit appartement du quartier de Notting Hill, à Londres. Deux colocataires, Damon Albarn et Jamie Hewlett, portent ensemble un même coup de gueule. Ils sont lassés par l’industrie musicale britannique des années 90 qui glorifie davantage des profils de stars créés de toutes pièces par des labels. Et souvent au détriment de la musique… Damon Albarn, chanteur du groupe Blur, est alors un artiste britpop populaire avec des titres comme Girls and Boys (1994) ou la mythique Song 2 (1997) qui a traversé toutes les frontières. Jamie Hewlett lui, est dessinateur. Il a un univers décalé, futuriste, marginal. Engagé par le magazine Deadline en 1988, il crée la bande dessinée Tank Girl (1988-1995) qui devient un incontournable de la revue.

Naît alors la folle idée de créer un groupe musical entièrement fictif. Damon à la composition musicale et Jamie au dessin. Le duo est complémentaire.

Quatre personnages émergent. L’histoire se crée.

Gorillaz est né.

“Le culte de la personnalité N’est pas très intéressant. Ce qui compte, c’est juste la musique en elle-même.” Damon Albarn

POURQUOI “GORILLAZ” ?

Dans les années 90, Oasis et Blur sont les deux grands rivaux de la britpop. C’est la plus grande bataille musicale d’Angleterre depuis les Rolling Stones contre les Beatles 30 ans avant. Noel Gallagher aurait dit “We’re the Stones and the Beatles. They’re the fucking Monkees !“. Monkees, un groupe fictif créé dans les années 60 pour une série américaine. Certains disent que Damon en aurait fait une revanche avec Gorillaz. D’autres sources préfèrent une version plus efficace : les deux compatriotes sont nés en 1968, l’année du singe ! Ce qu’on sait, c’est que Jamie aurait proposé le nom “Chimpanzee”. L’idée n’a pas plu à Damon, qui a préféré “Gorilla” car, je cite : “ils sont plus imposants“.

Stuart “2D” Pot

Chanteur et claviériste du groupe, il doit son surnom “2D” (pour “Two Dents”) à Murdoc, en raison de ses deux dents manquantes.

Enfantin, naïf et manquant surtout d’intelligence, il doit à Murdoc bon nombre de ses peines.

NOODLE

Enfant-soldat japonaise, elle est arrivée en Angleterre dans un carton par la poste. Quand 2D et Murdoc ont ouvert le carton, elle a effectué un solo de guitare avant de pointer son ventre et de crier “Noodle !”. C’est le seul mot anglais qu’elle sait prononcer.

MURDOC NICCALS

Maltraité étant enfant, Murdoc devient par la suite bassiste. Il rencontre 2D en effectuant un cambriolage où ce dernier travaillait.

Arrogant, fou, égoïste, violent et sataniste, il en est pas moins le fondateur et le leader autoproclamé du groupe.

RUSSEL HOBBS

Russel, batteur, a été kidnappé par Murdoc. Plus jeune, il a été possédé par des esprits. Ces derniers s’expriment depuis à travers lui, lui offrant les talents de batteur, rappeur et danseur. Très proche de Noodle, il l’élève comme sa fille.

Les débuts du groupe – DES PREMIERS PAS DE Géant

Le premier album du groupe sort en 2001 et s’intitule Gorillaz. Ne comportant que quatre singles, il se vendra 7 millions d’exemplaires à travers le monde. Damon et Jamie ne figurent même pas dans les crédits. L’iconique morceau Clint Eastwood brise les codes : mélange de rock et de hip-hop, utilisation inattendue du mélodica qui devient un air signature, couplets du rappeur Del… Le morceau s’inspire de la bande originale du film Le Bon, la Brute et le Truand (1966) d’Ennio Morricone. Le clip aussi marque les esprits : les mythiques gorilles sortant du sol d’un cimetière deviennent un véritable symbole du groupe.

Jamie Hewlett accorde beaucoup d’importance aux visuels du groupe ; aux covers, aux clips… Un univers fictif très large se crée peu à peu. Cette vitrine va permettre à Damon Albarn de s’extraire de la britpop qui a longtemps bridé Blur. Grâce à ses personnages, Gorillaz va pouvoir devenir un moyen de collaborer avec des artistes aux genres nouveaux, et de dépasser les frontières. Cette variété de styles va devenir une marque de fabrique pour le groupe qui n’hésite pas à tester de nouvelles approches. Damon Albarn multiplie les voyages et expérimentations musicales. Il découvre notamment la scène malienne et va collaborer avec certains artistes comme Amadou et Mariam pour qui il compose le morceau Sabali.

DEMON DAYS – LE PROJET MYTHIQUE

Les voyages de Damon Albarn et les évènements des années 2000 ont profondément marqué le deuxième album de Gorillaz. L’image du groupe ne sert plus uniquement à raconter les aventures fictives des personnages de Murdoc, 2D, Noodle et Russel. Demon Days analyse le monde et ses travers. Ainsi la guerre contre le terrorisme, les attentats du 11 septembre, l’invasion de l’Irak, la peur, la violence, la désinformation sont autant de sujets qui marquent l’écriture et la composition de l’album. Sorti en 2005, Demon Days est depuis double disque de platine aux États-Unis, quintuple disque de platine au Royaume-Uni, cinq fois nominé aux Grammy Awards. C’est un succès planétaire. On y retrouve des featurings très variés : Neneh Cherry, De La Soul, Ike Turner, etc. ainsi que des titres indétrônables. Kids With Guns critique la banalisation de la violence et l’influence des médias sur la jeunesse. Dirty Harry dénonce les mensonges entourant la guerre en Irak. Feel Good Inc. s’attaque à la société de consommation et à l’illusion d’un bonheur factice. Ce morceau devient l’un des plus grands succès du groupe.

Demon Days est un album osé et ingénieux. Les clips accompagnant les morceaux sont visuellement superbes. Pour la petite histoire, le clip d’El Mañana montre Noodle se faire attaquer par des hélicoptères. Les fans ont longtemps pensé à la mort du personnage. De plus, l’album est truffé de références. Le morceau Dirty Harry en est un bon exemple. Il fait référence à L’Inspecteur Harry, un film de 1971 avec Clint Eastwood. La cover du single est un hommage à Full Metal Jacket, un film de Stanley Kubrick sorti en 1987. Dans le clip, les véhicules militaires du désert semblent tout droit sortis de la bande-dessinée Tank Girl de Jamie Hewlett.

UNE EXPLOSION MONDIALE – plastic beach et la révélation

Gorillaz devient un groupe majeur de la pop mondiale, et de la pop culture en général. On les retrouve partout : vêtements, coques, objets dérivés en tout genre, jeux vidéo… Il devient alors difficile pour Damon et Jamie de se cacher derrière leur groupe fictif. Jusque là, leurs concerts mettaient en scène les personnages de Gorillaz sur des écrans géants, les musiciens jouant cachés grâce à des jeux de lumière. Damon se révèle enfin comme l’artiste musical derrière Gorillaz.

Les propositions de featurings se bousculent. Snoop Dogg, Lou Reed, Mos Def et même Bruce Willis en acteur principal du clip Stylo (Plastic Beach, 2010)… les collaborations se développent. L’album Plastic Beach sort en 2010, imprégné d’un besoin de dénoncer les désastres environnementaux et la surconsommation. Le concept : une île en plastique formée par des déchets. L’album est mélancolique, avec une pointe d’exotisme et des instrumentales envoûtantes. On Melancholy Hill est probablement le titre le plus apprécié de l’album. Damon multiplie alors les concerts, cette fois à découvert. Il invite de nombreux artistes à se produire à ses côtés. Le groupe vit des années florissantes au sommet de sa carrière artistique : des morceaux percutants, des featurings de renom, une popularité sans précédent…

Mais un aspect de Gorillaz semble peu à peu s’essouffler : l’essence même du groupe, ce qui le caractérise depuis ses débuts… Que deviennent 2D, Murdoc, Russel et Noodle ?

“à la base, je rêvais d’être anonyme. Mais il y avait une vraie faille dans mon plan que mon ami Banksy a réussi à éviter, c’est que les gens me connaissaient déjà (avec blur).” Damon Albarn

JAMIE ET GORILLAZ – Le créateur oublié

Les fans savaient qui se cachait derrière Gorillaz ; la voix du chanteur de Blur était reconnaissable. Damon Albarn révèle officiellement son identité, et multiplie ses interprétations scéniques. Il s’épanouit de cette notoriété avec Gorillaz, vivant sa musique en direct avec le public.

Hélas, l’univers fictif des débuts est mis au second plan. L’aspect visuel et narratif de Gorillaz, guidé par les personnages de 2D, Murdoc, Russel et Noodle n’est plus au centre du projet. Pendant les tournées, des écrans, des animations et certains projets visuels se voient annulés faute de budget. Initialement, quatre clips doivent être créés par Jamie Hewlett pour l’album Plastic Beach. Seulement deux sont financés par le label. D’importants projets d’animations menés par Jamie n’ont jamais été finalisés. Alors qu’une monumentale tournée mondiale se déroule, le lore de Gorillaz disparait peu à peu.

Rhinestone Eyes, morceau emblématique de l’album, en est le triste exemple. L’animation du single devait raconter la bataille finale de Plastic Beach : l’effondrement de cet univers pollué, l’invasion de monstres marins, le retour de Noodle… Jamie Hewlett avait réalisé un storyboard animé complet pour un clip qui devait être l’un des plus ambitieux de toute l’histoire de Gorillaz. À cause des problèmes financiers et des tensions autour de la fin de l’ère Plastic Beach, le clip n’a jamais été terminé. Seuls des storyboards ont circulé sur Internet. Rhinestone Eyes représente ce que Plastic Beach aurait pu devenir si la vision de Jamie Hewlett avait été menée à son terme.

Un film sur l’univers de Gorillaz devait également voir le jour. Jamie et DreamWorks ont travaillé main dans la main pendant plusieurs mois mais ici aussi, le projet a été avorté. Ce qui aurait pu aboutir à un chef d’œuvre audiovisuel n’a malheureusement jamais vu le jour.

“Au final on est arrivé au fait qu’ils voulaient faire un film familial qui ferait un carton au box-office. Mais ce n’est pas vraiment notre spécialité, donc on s’est retiré du projet.” JAMIE HEWLETT

Peu à peu, les relations entre Damon et Jamie se détériorent. Damon s’intéresse davantage à la musique, et voit de moins en moins d’intérêt à développer l’univers visuel du groupe. S’ensuivent alors trois années de silence, où chacun des deux artistes privilégie sa carrière personnelle. Gorillaz est mis au second plan.

(Petite note personnelle : je vous invite bien sûr à visionner tous les clips qui existent de Gorillaz. Ce sont à mes yeux de vrais bijoux audiovisuels ! C’est passionnant de voir l’évolution de l’univers de Jamie Hewlett au fil des années.)

Et aujourd’hui ? – Le grand retour

Damon et Jamie n’ont pas vécu leurs années de silence comme une rupture définitive. Ils avaient besoin de souffler après avoir poussé Gorillaz à un niveau d’ambition énorme avec Plastic Beach. Les deux hommes ont peu à peu retrouvé l’envie de collaborer sur Gorillaz et c’est ainsi que sort un nouvel album : Humanz (2017). Il y avait beaucoup d’engouement autour de cette sortie, vécue par les fans comme un grand retour pour le groupe. L’album a cependant mitigé les auditeurs, qui trouvaient Damon trop absent de son propre projet. Les nombreux artistes invités empêchent de dégager un fil conducteur. Au final, l’album est très mainstream et on perd cette originalité propre au groupe.

Mais cela n’empêche pas un soulagement général auprès de tous les fans de Gorillaz : le duo Damon et Jamie est de retour !

D’autres projets voient le jour au fil des années, dont les albums The Now Now (2018), Song Machine : Season One – Strange Timez (2020) et Cracker Island (2023). Des titres comme Humility, Tranz et Fire Flies sont très appréciés. Damon reprend le contrôle de ses albums et le lore de Jamie se développe. Un nouveau personnage, Ace, fait son apparition (qui n’est autre qu’un méchant du dessin animé Les Supers Nanas !)

Il y a quelques mois, un nouvel album a vu le jour : The Mountain, sorti en février 2026. Contrairement aux autres projets sur lesquels les artistes ont majoritairement travaillé séparément (Jamie vivant à Paris, et Damon à Londres), The Mountain a réuni les deux hommes dans un même pays : l’Inde. Marqués par la perte de membres de leur famille, ils trouvent leur inspiration et consolation dans la culture indienne. On retrouve les quatre personnages emblématiques dans un univers tout nouveau, guidés par des musiques introspectives et spirituelles. Damon et Jamie ont eu envie de proposer une œuvre complète et cohérente. C’est un pari réussi : une vraie homogénéité se dégage du début jusqu’à la fin de l’album. Les morceaux explorent l’acceptation du deuil dans une ambiance étonnamment chaleureuse. En plus de l’anglais, on retrouve de l’hindi, de l’arabe et du yoruba.

De nombreux artistes indiens sont en collaboration sur le projet, mais également des artistes africains, ainsi que des chanteurs décédés. Des enregistrements d’ancienne collaborations ont été utilisés, apportant une dimension particulière à l’œuvre. Ainsi on peut entendre Tony Allen sur The Hardest Thing, Bobby Womack et De La Soul sur The Moon Cave ou encore Dennis Hopper sur The Mountain.

“C’est plus qu’un album pour nous, c’est comme un retour à un mood qu’on avait avec Gorillaz et qu’on avait pas vraiment réussi à retrouver depuis Plastic Beach.” – DAMON ALBARN

Après 25 ans de carrière, Gorillaz prouve qu’il est encore possible de surprendre et de repousser les limites de la pop. Né d’une imagination débordante, le groupe a toujours cherché à surprendre. D’une part avec les visuels riches et l’histoire passionnante de Jamie Hewlett, de l’autre avec l’amour brut de Damon Albarn pour la musique et la mixité des genres.

Gorillaz, c’est l’histoire d’une oeuvre en perpétuel mouvement. Portée par deux artistes passionnés, elle continue de s’écrire à travers le temps et les générations.

EMMA LALLEMAND

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Publiée le 28 December 2023

Une des tendances actuelles de notre société : le binge-watching est devenu un phénomène culturel omniprésent dans notre ère numérique. Si vous avez déjà passé des heures à regarder une série télévisée ou à visionner plusieurs épisodes d’une émission, vous avez fait du binge-watching. L’ESIS, l’école du cinéma, du son et de la musique t’explique tout ce que tu as à savoir sur ce phénomène.

 

 

 

 

 

 

 

QU’EST-CE QUE LE BINGE-WATCHING ?

Le binge-watching est le fait de regarder plusieurs épisodes d’une série télévisée, d’un programme, ou même de films en continu, leplus souvent sur une plateforme de streaming en ligne. Contrairement à la diffusion traditionnelle à la télévision, où les téléspectateurs attendent chaque semaine pour regarder un nouvel épisode, le binge–watching permet aux spectateurs de consommer du contenu à leur propre rythme, enchaînant les épisodes les uns après les autres.

 

POURQUOI LE BINGE-WATCHING EST-IL DEVENU SI POPULAIRE ?

Plusieurs facteurs expliquent la popularité croissante du binge-watching :

• • L’Accessibilité : Les services de streaming en ligne, tels que Netflix, Amazon Prime Video, Disney+, et d’autres, ont rendu plus facile que jamais l’accès à un vaste catalogue de séries et de films, disponibles à tout moment et sur n’importe quel appareil.
  • Intrigues complexes : De nombreuses séries télévisées contemporaines sont conçues avec des intrigues complexes et des personnages bien développés, ce qui incite les spectateurs à vouloir en savoir plus et donc de continuer à regarder.
  • L’absence de publicités : Contrairement à la télévision, les plateformes de streaming sont le plus souvent dépourvues de publicités, ce qui permet aux spectateurs de rester immergés dans leur contenu sans interruption.
  • La personnalisation : Les algorithmes des plateformes de streaming recommandent souvent du contenu similaire à ce que vous avez déjà regardé, ce qui peut vous inciter à explorer de nouveaux films ou de nouvelles séries et à prolonger votre expérience de binge–watching.

 

LES DANGERS DU BINGE-WATCHING

Bien que le binge-watching puisse être une activité divertissante, il peut aussi avoir des effets dangereux et néfastes sur votre bien-être :

• Dépendance : Pour certaines personnes, le binge-watching peut devenir une habitude compulsive, similaire à une addiction, et peut interférer avec d’autres aspects de leur vie.
• Sédentarité : Passer de longues heures devant un écran peut entraîner une vie sédentaire, ce qui peut avoir des conséquences néfastes pour la santé.
• Sommeil perturbé : Regarder des épisodes tard dans la nuit peut perturber votre sommeil, ce qui peut entraîner de la fatigue et des problèmes de concentration.
• Isolement social : Le binge-watching excessif peut parfois mener à un isolement social, car il peut remplacer les “réelles” interactions sociales.

En résumé, bien que le binge-watching puisse être une activité agréable et divertissante, il est essentiel de le pratiquer de manière équilibrée et consciente. En étant attentif à ses effets sur notre bien-être, nous pouvons profiter pleinement de cette activité tout en préservant notre santé physique, notre sommeil, nos relations sociales et notre équilibre dans la vie quotidienne.

 

L’UNIVERS DU CINÉMA VOUS INTÉRESSE ?

Avec le développement du numérique, de nouveaux métiers voient le jour notamment dans le monde du cinéma. Pour exercer dans le secteur, vous pouvez suivre une formation spécialisée au sein de notre établissement l’ESIS. Nous formons de Bac à Bac +5 aux métiers du cinéma et des vfx.

En effet, nous proposons un BTS Audiovisuel proposant 4 options :

• • Option Montage
  • Option Gestion de Production
  • Option Image
  • Option Son

L’ESIS propose également un Bachelor Cinéma et VFX ainsi que trois mastères dont un Mastère Scénario et Réalisation et un Mastère Communication et Production Cinématographique.

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Publiée le 19 September 2024

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le documentaire “Kaizen : 1 an pour gravir l’Everest” du youtubeur Inoxtag explore plus qu’une prouesse physique. À travers le prisme du kaizen, un concept philosophique japonais centré sur l’amélioration continue, Inoxtag nous plonge dans une réflexion profonde sur l’équilibre entre dépassement de soi, respect de l’environnement, et prise de conscience de l’impact de la surconsommation.  

Le concept philosophique du Kaizen : l’amélioration progressive

Kaizen signifie littéralement “changement bon” (“kai” = changement, “zen” = bon) et prône l’idée qu’il est possible d’améliorer constamment, par petites étapes, aussi bien son quotidien personnel que ses pratiques professionnelles, ou, globalement, son rapport à la vie. Popularisé par le milieu de la gestion d’entreprise au Japon, après la Seconde Guerre mondiale, le kaizen a évolué pour devenir un principe de vie, axé sur la constance dans l’effort et l’amélioration individuelle. 

Dans le cadre du documentaire, Inoxtag incarne cette philosophie en s’engageant dans une préparation d’un an pour gravir l’Everest, une transformation progressive et durable. Son évolution d’un jeune homme plongé dans les jeux vidéo à un alpiniste capable d’affronter l’une des montagnes les plus dangereuses du monde illustre bien le concept d’une amélioration graduelle, où chaque jour représente une nouvelle opportunité de progresser. 

Le kaizen, appliqué à l’ascension de l’Everest, ne se traduit pas par un exploit soudain ou un succès spectaculaire et immédiat. Il s’agit d’un processus qui implique d’accepter l’effort constant, les petits ajustements, et la détermination dans le temps. Cette philosophie trouve un écho significatif dans notre monde contemporain, où les solutions rapides sont trop souvent valorisées, tandis que la patience et la progression sont souvent sous-estimées.   

L’environnement : victime de notre surconsommation 

En parallèle de cette quête personnelle, le documentaire met en lumière un problème beaucoup plus large : l’impact du tourisme de masse sur l’Everest et, de manière générale, les questions liées à l’environnement. Depuis des décennies, l’Everest est victime de son propre succès. Chaque année, des centaines d’alpinistes affluent pour gravir le sommet, mais derrière cet engouement se cache une réalité inquiétante : la pollution. 

D’après un rapport de l’Himalayan Database, environ 50 tonnes de déchets sont laissées chaque année sur l’Everest, incluant des tentes abandonnées, des bouteilles d’oxygène, et autres détritus. Cette accumulation de déchets, dans un environnement aussi pur que celui de l’Himalaya, symbolise l’impact négatif du tourisme de masse sur les écosystèmes fragiles. Le défi environnemental ne se limite pas à l’Everest : le documentaire mène à une réflexion sur l’état de notre planète, qui subit de plein fouet les effets de la surconsommation. 

Le message de Kaizen est clair : si l’amélioration personnelle est importante, elle doit s’accompagner d’une prise de conscience écologique. Chaque action que nous menons, chaque défi que nous nous lançons, doit se faire dans le respect de la nature. Inoxtag, en gravissant l’Everest, montre que la quête du dépassement de soi ne doit pas être déconnectée de la nécessité de préserver la planète. 

L’addiction aux écrans : une nouvelle montagne à gravir 

Enfin, au-delà de l’aspect environnemental, Kaizen propose une réflexion sur la surconsommation d’écrans, un phénomène qui touche une grande partie des membres de la société moderne. Selon une étude de We Are Social en 2023, les Français passent en moyenne 6 heures et 59 minutes par jour devant un écran. Ce chiffre met en lumière l’ampleur de l’addiction au numérique, surtout chez les plus jeunes, souvent enfermés dans des habitudes qui nuisent à leur santé mentale et physique. 

Inoxtag, lui-même issu de cet univers numérique puisqu’il est streamer, témoigne à travers son ascension d’une forme de rejet de ce mode de vie sédentaire et virtuel. Le documentaire Kaizen devient ainsi un appel à sortir de l’enfermement digital pour renouer avec le monde réel, la nature, et l’effort physique. Cette prise de conscience est essentielle, car la surconsommation d’écrans n’est pas sans conséquences : elle peut provoquer des troubles du sommeil, des problèmes de concentration, et une diminution de l’activité physique. D’après l’OMS, près de 85 % des adolescents dans le monde ne pratiquent pas assez d’activité physique, une tendance amplifiée par l’addiction aux technologies. 

Kaizen : vers une amélioration durable 

Au final, le documentaire illustre la nécessité d’une “amélioration continue” à trois niveaux : personnel, environnemental, et sociétal. Inoxtag montre que le kaizen, en tant que philosophie, peut nous aider à sortir des schémas de surconsommation et de passivité numérique pour adopter un mode de vie plus actif et plus conscient. Cependant, ce processus ne se fait pas du jour au lendemain. Il faut des efforts progressifs, des prises de conscience, et une volonté de changer durablement.  

Face à des défis comme la pollution environnementale et la dépendance numérique, il est essentiel d’adopter un état d’esprit kaizen. En commençant par de petites actions : passer moins de temps sur nos écrans, réduire notre impact écologique, et chercher à progresser jour après jour, nous pouvons améliorer à la fois notre bien-être individuel et l’état de notre planète. 

Somme toute, “Kaizen : 1 an pour gravir l’Everest” n’est pas seulement un récit d’aventure, mais un appel à chacun d’entre nous pour prendre la voie du changement, un pas à la fois, avec pour objectif un avenir plus durable et équilibré. 

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