Comme son nom l’indique, la post-production a lieu après les étapes de production et de tournage d’un film. À quel moment les équipes ont-elles suffisamment de matière et de contenu pour passer à la post-production sur un projet cinématographique et en quoi cela consiste ? 

En quoi consiste la post-production cinématographique ? 

Dans le milieu de la production cinématographique, on considère que la post-production comprend deux grandes étapes. La première consiste en un processus créatif dans lequel les images sont montées, les bruitages créés, les ambiances sonores définies et réalisées (grâce notamment aux méthodes de sound design), les pistes audio et vidéo re-synchronisées, les doublages mis en place et le mixage son terminé. Selon les experts, la post-production cinématographique comprend également des opérations dites de « laboratoire », qui intègrent la création et l’intégration des effets spéciaux et l’étalonnage de l’image. 

En somme, ces phases concourent à la création d’une œuvre de qualité. Finalisé, le film se revêt de son ambiance et de son esthétisme. 

Quels sont les éléments nécessaires pour passer à la post-production ? 

La post-production est un processus long, technique et transdisciplinaire. Pour pouvoir commencer les étapes de post-production cinématographique, les techniciens ont besoin de regrouper l’intégralité des éléments qui composeront l’œuvre finale : images, musique, sons, effets spéciaux, story-boards, etc. Les composantes numériques du futur film vont être assemblés et mixés en studio afin de donner à l’œuvre son rythme, son sens et son esthétique finale. 

Plusieurs professionnels interviennent en post-production, les directeurs d’un film de cinéma ne peuvent alors entamer ces étapes que quand l’intégralité des techniciens sont prêts. Le monteur sera chargé de séquencer les images du film en un ensemble structuré, narratif et fluide. L’ingénieur son nettoiera les pistes, y appliquera des effets sonores et les assemblera. L’étalonneur reviendra sur certains supports visuels afin de les améliorer, etc. 

Qui dirige la post-production sur un projet cinématographique ? 

Si de très nombreux corps de métier interviennent lors des étapes de la post-production cinématographique, il est néanmoins nécessaire qu’un expert supervise le pilotage des activités de tous les techniciens. 

Le chargé de post-production est responsable de cette phase finale du projet et doit permettre la bonne communication entre le réalisateur, le producteur et les équipes techniques. Il établit à ce titre un cahier des charges résumant la vision du réalisateur, qu’il se charge de transmettre aux techniciens de la post-production et vérifie son bon respect. 

Les sociétés spécialisées dans la post-production cinématographie se chargent également du bon déroulé des opérations. Elles regroupent en leur sein l’intégralité des corps de métier du cinéma et disposent de leurs propres responsables qui gèrent les activités des techniciens. 

Ces experts de la post-production cinématographique ont tous suivi une formation spécialisée de niveau mastère au sein d’une école d’audiovisuel. Par exemple, l’ESIS  propose un excellent Mastère Communication et Production Cinématographique  en deux ans en alternance. 

On peut considérer que la post-production cinématographique comprend des activités comme la distribution du film, sa promotion et sa diffusion en salle.

Le technicien du son est un professionnel de l’audiovisuel qui est chargé de capter, d’enregistrer, de modifier et d’organiser les pistes audio qui composent un projet. Il travaille aussi bien dans l’industrie musicale que dans le spectacle vivant ou la production de documentaires et de films. Zoom sur les compétences à acquérir et les formations à suivre pour devenir technicien du son. 

Que fait un technicien du son ? 

Qu’il s’agisse d’intervenir sur un projet en direct (pièce de théâtre, concert ou émission en direct) ou sur un contenu préenregistré (film de cinéma, documentaire, etc.), le technicien du son supervise tout ce qui a trait à l’audio sur son projet.

À ce titre, c’est lui qui réalise les branchements électriques nécessaires au fonctionnement de l’installation, qui capture les pistes audio au moyen des appareils d’enregistrement et qui, ensuite, nettoiera ses fichiers, les assemblera et leur apposera des effets sonores.

Le technicien du son peut donner son avis technique aux équipes d’élaboration et de réalisation. Il indique au réalisateur l’endroit où placer les équipements, ses besoins en termes de volume sonore du jeu d’acteurs, etc. Il peut également collaborer avec un ingénieur du son en cas de dysfonctionnement ou pour appliquer des effets sonores aux pistes audio ou produire des projets en sound design. 

Quel est le profil du technicien du son ? 

Le technicien du son est un passionné du spectacle, de l’audiovisuel et des nouvelles technologies. Les horaires variables ne sont pas un problème pour lui, au contraire, il apprécie les tâches variées et le travail en équipe. 

C’est également un fin expert de la technologie numérique du son. D’ailleurs, ce professionnel effectue une veille constante des innovations dans son secteur afin de se former à l’utilisation des derniers produits du son numérique et de constamment proposer des prestations qui garantissent un rendu de très haute qualité.   

Plus généralement, le technicien du son maîtrise les principes physiques de l’acoustique et de la musique live au même titre que le processus du mastering, du mixage et de la diffusion en radio. Il sait procéder aux traitements audio les plus judicieux sur une console professionnelle ou via les derniers logiciels du secteur. Il peut travailler à la diffusion du contenu au même titre qu’à son enregistrement ou son montage. 

Devenir technicien du son : privilégier un Bachelor 

Pour être certain de devenir technicien du son à l’issue de son cursus, il est fortement conseillé de s’orienter vers une formation post-bac de type Bachelor. Ces cursus spécialisés se déroulent en trois ans et permettent de véritablement apprendre un métier. Caractérisés par leur dimension hautement technique, les Bachelors Son sont pris en charge par les établissements spécialisés dans l’audiovisuel. 

À ce titre, le Bachelor Son de l’ESIS présente un très fort taux d’insertion professionnelle et offre de véritablement devenir technicien du son dès l’issue de son parcours en alternance. 

Un technicien son senior, qui justifie de cinq années d’expérience dans des structures reconnues du secteur, peut obtenir une rémunération proche des 5 000 euros mensuels. 

Poursuite d’études et débouchés 

Après un Bachelor Son à l’ESIS, les étudiants peuvent intégrer le tout nouveau Mastère Réalisation et Production Sonore. Ce cursus leur délivrera un titre RNCP de niveau 6 et reconnu par l’Etat. Parmi les nombreux débouchés sur lesquels aboutissent ces formations, on retrouve de nombreux secteurs comme la musique, le cinéma fiction, le spectacle vivant, la télévision, les reportages, le documentaire… 

Le séminaire d’écriture consiste en un module d’apprentissage et d’entraînement central pour tous les étudiants désireux de devenir scénariste ou écrivain. Pourquoi est-il si important et comment se déroule-t-il ? 

Le séminaire d’écriture : pour qui ? 

Selon les structures organisatrices, les séminaires d’écriture sont ouverts aux particuliers comme aux professionnels. Généralement, néanmoins, il s’agit de sessions d’exercices de groupe destinés aux scénaristes, aux écrivains ou aux professionnels de l’écriture artistique. 

Pour un scénariste, le séminaire d’écriture consiste en un atelier fondamental dans son travail de production artistique. Il permet de s’entraîner à produire des narrations encadrées par un thème, une problématique ou une consigne et de comparer ses idées avec celles d’autres individus. Riches en émulation et en dynamisme, les séminaires d’écritures consistent d’ailleurs en une modalité d’apprentissage classique des écoles d’audiovisuel et de cinéma. 

Attention, dans le cadre des études professionnelles d’écriture technique et scénaristique, les séminaires d’écritures ne consistent pas en de courts stages de quelques jours (c’est le cas des ateliers destinés aux particuliers). Les ateliers créatifs des étudiants scénaristes sont susceptibles de se dérouler sur plusieurs mois et couvrent généralement l’intégralité d’une année de formation, voire d’un cursus complet et sont divisés en des séquences d’une semaine ou plus. 

Quels sont les objectifs d’un séminaire d’écriture ? 

De par son aspect pratique, le séminaire d’écriture revêt des objectifs techniques de premier ordre. Le but, c’est en substance de produire un écrit et de : 

– Développer un scénario complet, adapté à une pièce de théâtre, un court ou un long-métrage. 

– Maîtriser l’écriture dramaturgique, la structure scénaristique, les besoins techniques d’une production, penser les liens avec la musique d’un film ou les coupes de plans, etc. 

– Développer sa propre méthode de travail. 

– S’entraîner à prendre conscience de la vision du spectateur. 

Séminaire d’écriture : exemple de structure 

Un séminaire d’écriture se divise en diverses séances de travail, chacune d’une ou plusieurs heures. Au sein de ces unités de temps, les participants sont d’abord invités à prendre connaissance du thème, de la consigne ou de la problématique à respecter dans leur production. Cette contrainte est essentielle pour guider le processus imaginatif et permet d’explorer toutes les potentialités de l’écriture scénaristique et créative. Par exemple, il est possible de proposer une écriture type hollywoodienne, classique ou futuriste. 

Pour produire leur écrit, ils peuvent (au choix du formateur) : travailler en collaboration ou devoir rester intégralement autonome. Après la phase de production suit une étape de découverte des productions du groupe et des retours critiques sur ce qui a été proposé. Notons que la phase d’analyse est essentielle pour tous les participants, qui doivent apprendre à poser un regard objectif et technique sur les autres écrits et à comprendre les retours sur leurs créations. 

Dans le cadre de leur apprentissage universitaire de haut niveau, les étudiants de l’ESIS sont régulièrement conviés à des séminaires d’écriture technique afin de développer leurs compétences pratiques. 

Les séminaires d’écriture proposés dans le cadre d’une formation scénaristique doivent être animés par des experts du secteur qui font preuve d’une fine connaissance de la rédaction artistique et technique. 

Ableton Live, en raison de ses fonctionnalités premium, de sa fluidité et de ses performances en création musicale, s’est hissé en tête du podium des logiciels professionnels de l’industrie audio. Comment l’utiliser ? 

Utiliser Ableton live tout au long du processus de création 

Ableton live est conçu comme un logiciel de production audio intégral. On peut donc l’utiliser tout au long des étapes de création d’un projet sonore. Utiliser Live, c’est par exemple pouvoir profiter d’interfaces d’essai spécifiquement conçues pour faire des tests techniques hors d’une time line. Les idées des créateurs du son peuvent ainsi être mémorisées, modulées et modifiées selon des méthodes d’improvisation, même dans une ambiance numérique. Les ingénieurs du son peuvent ensuite reprendre leurs essais et les intégrer à une timeline afin de respecter leurs contraintes techniques. 

Naturellement, Ableton propose des fonctions Arrangement hautement techniques. Dans cette interface, on peut alors reprendre ses brouillons et les organiser en véritable flow musical. Sachez qu’Ableton Live dispose d’une bibliothèque de sons instrumentaux très riche et fournie. Les architectures de synthèse de ces éléments audio sont maniables et on peut donc, via le logiciel, créer de véritables sons complexes. 

Utiliser Ableton, c’est également se donner la possibilité de créer des effets, applicables aux brouillons comme aux versions Live. Les mix sont alors précis et les manipulations rendues très faciles grâce à une ergonomie de premier ordre. 

Enfin, utiliser Ableton Live, c’est pouvoir utiliser son logiciel de travail favori directement sur scène. Live permet en effet de piloter l’intégralité de son spectacle en contrôlant depuis l’interface ses appareils externes, ses effets ou même ses tables de mixage. On peut improviser en direct en solo ou resampler en temps réel. Très pratique à utiliser, Ableton propose d’ailleurs une technologie innovante : Link, qui permet de synchroniser plusieurs appareils sur un même réseau, et donc de jouer avec des applications musicales différentes. 

Utiliser Ableton : se former 

Ableton propose, sur sa plateforme en ligne, de nombreux tutoriels de prise en main et de perfectionnement du logiciel. Très fournis, clairs et techniques, ils ne remplacent pourtant pas une véritable formation en ingénierie et production audio. 

En effet, véritablement maîtriser Ableton requiert du temps, de la pratique et un retour constant sur ses erreurs (en vue de les corriger et de s’améliorer). C’est pour cette raison que la maîtrise du logiciel est un incontournable des formations des bonnes écoles d’audiovisuel.   

Il est préconisé d’apprendre à utiliser Ableton Live au cours d’une formation supérieure en audiovisuel, afin de bénéficier d’un apprentissage à l’utilisation des autres logiciels professionnels du secteur. En effet, la maîtrise de plusieurs outils est un gage d’indépendance et de performance pour les techniciens du son. Les recruteurs du secteur et les maisons de disques travaillent parfois sur plusieurs supports numériques dans le but de gagner en productivité et en confort de travail. Ils attendent donc de leurs futurs collaborateurs qu’ils sachent être autonomes sur plusieurs types de consoles audionumériques. 

L’ESIS propose à ce titre des formations de haut niveau académique et technique, dont son Mastère Réalisation et Production Sonore, qui permet de parfaitement utiliser Ableton Live. 

Utiliser Ableton fait partie du quotidien des ingénieurs des créateurs et des producteurs de l’industrie audio. Il ne faut donc pas négliger sa maîtrise de l’outil et privilégier un entraînement technique et professionnalisant.

Le phénomène d’influence du cinéma peut impacter plusieurs facettes de notre vie quotidienne et du monde dans lequel nous vivons : violence, manière de penser, idées politiques ou même principes religieux. Tour d’horizon de l’influence du cinéma sur la société. 

Influence du cinéma sur la société : éveiller les consciences 

Certains films jouent un rôle sensibilisateur et offrent une véritable prise de conscience sur certains éléments socio-économiques. Ils influencent la société car ils portent un message, des valeurs à défendre ou prennent des positions politiques. Ils font prendre conscience de l’importance de l’éducation, de l’art et de la culture ou donnent à voir la situation des autres populations du monde : famine, systèmes liberticides, etc. 

Ce rôle sensibilisateur, voire éducateur du cinéma, est attesté par les dernières recherches en neurosciences. Lorsqu’un spectateur perçoit une image qu’il n’avait jusqu’alors jamais vue, de nouvelles connexions synaptiques se forment dans son cerveau. En visionnant une scène et en comprenant ses implications (politiques, sociales, environnementales, etc.), le public accède à une toute nouvelle manière de penser. Le cinéma module le réseau qui compose nos synapses et fait véritablement évoluer les modes de penser. 

Attention, le pendant négatif de cette influence du cinéma sur les esprits, c’est son utilisation à des fins propagandistes. Les célébrissimes et malheureux exemples d’Hitler ou de Staline, qui avaient massivement recours aux films pour servir leurs intérêts, sont encore très vivaces dans les mémoires. 

L’influence économique du cinéma sur la société 

Le cinéma, c’est une puissante industrie très dynamique et qui génère de nombreux emplois sur le territoire de l’Hexagone (et à l’international). Pour créer des films de cinéma, il faut à la fois des réalisateurs, des techniciens audiovisuels et des promoteurs. Le cinéma dynamise également le tissu associatif local, en faisant travailler les associations culturelles, les cinémas de quartier, etc. 

Dans ce secteur, l’emploi se porte donc très bien : le cinéma embauche près de 1,3 % des travailleurs en France. Ainsi, le domaine se repend facilement après la pandémie de la Covid-19 avec plus de 150 000 emplois uniquement en région parisienne. Dans l’industrie, on dénombre près de 42 % de femmes, une autre influence du cinéma sur la société : montrer des situations plus inclusives qui impactent ensuite directement la réalité (en favorisant l’embauche d’une tranche de la population ou en changeant les regards sur le handicap ou la différence). 

Le cinéma : un pansement psychologique ? 

Le cinéma, c’est aussi une échappatoire pour qui souhaite s’éloigner d’un quotidien difficile. Il contribue à stimuler l’imagination et la créativité du public. Les spectateurs sont amenés à repenser à ce qu’ils ont vu et parfois à le reproduire. Souvent même, cette créativité décuplée est réinjectée dans l’industrie du cinéma, en faisant émerger de nouveaux talents qui œuvreront comme réalisateurs, directeurs artistiques ou encore ingénieurs son. 

Plus que le talent, c’est la formation professionnelle qui permet de travailler dans le cinéma. L’ESIS propose à ce titre des formations de très haut niveau académique qui bénéficient de la modalité de l’apprentissage en alternance. 

Très présent dans notre vie, le cinéma influence considérablement la société. La puissance de l’image et l’impact des productions audiovisuelles de qualité y sont pour beaucoup. 

Le directeur de casting, c’est un expert du cinéma reconnu pour son analyse technique du jeu d’acteur. Il intervient tout au long des étapes préparatoires d’un tournage en utilisant à la fois des méthodes d’analyse du jeu des comédiens et une sensibilité artistique forte. Comment fait-il pour remplir cette mission unique et essentielle ? 

Le directeur de casting : sélectionneur des comédiens 

Le directeur de casting est le responsable chargé de trouver les acteurs qui sauront incarner les personnages de l’œuvre sur laquelle il travaille. Pour remplir cette mission essentielle à la création d’une production de qualité, il doit travailler étroitement avec le réalisateur et le producteur. 

À ce titre, le directeur de casting est convié à toutes les réunions de préparation de son projet audiovisuel. Au sein de ces échanges, il lui faut comprendre finement la vision des créateurs de l’œuvre et savoir croiser ces éléments avec une connaissance technique du métier de comédien. 

Quelles sont les contraintes du directeur de casting ? 

Pour mener à bien avec succès sa mission principale, le directeur de casting est soumis à des contraintes de budget et de temps. Il doit donc adopter une méthode stricte et très technique, lui permettant de trouver les figurants et les premiers rôles dans les délais impartis. 

En pratique, le directeur de casting travaille généralement à partir de fichiers d’artistes, qui sont mis à jour consciencieusement par ses assistants. Après avoir contacté les acteurs qui l’intéressent et émis des annonces de recherche, il fait passer les essais aux candidats. Filmées ou non, ces séquences d’essai doivent ne pas être trop longues, mais permettre néanmoins une analyse approfondie des compétences des acteurs. 

Cette capacité à déterminer le potentiel de chaque comédien en quelques minutes est la qualité principale d’un bon chef de casting. Naturellement, c’est grâce à l’expérience et à une formation supérieure en réalisation cinématographique qu’il a fait évoluer cet œil naturel vers une compétence très technique. 

Le directeur de casting, un expert de la réalisation 

Les missions que remplit le directeur de casting sont en réalité essentielles pour la réussite d’un film. Sans bons acteurs, une œuvre audiovisuelle ne peut trouver le succès. Le directeur de casting est donc un expert de l’audiovisuel au sens large, c’est justement grâce à ses connaissances techniques de la réalisation qu’il est en mesure de trouver les comédiens qui conviendront à un rôle et à une création spécifique. 

C’est pour cette raison que le directeur de casting a suivi une formation en audiovisuel et cinéma spécialisée dans la réalisation. Il ne s’est pas contenté d’uniquement apprendre les méthodes du repérage et du suivi des auditions, il a bénéficié d’un véritable apprentissage structuré dans la direction des acteurs, l’histoire du cinéma, le montage ou encore les adaptations scénaristiques. 

Fort de ce bagage fondamental solide et complet, c’est l’expérience qui a amené le directeur de casting vers sa spécialité d’exercice. En effet, de bonnes études en cinéma et audiovisuel se déroulent selon la modalité de l’apprentissage en alternance. C’est donc en suivant de nombreux stages, en participant à plusieurs tournages variés et en découvrant toutes les branches de la réalisation audiovisuelle que le directeur de casting est devenu le responsable du choix des acteurs d’un film. Attention, sa décision est tout de même soumise à la validation du réalisateur et/ ou du producteur. 

Pour découvrir les rôles du directeur de casting, l’ESIS propose un Mastère Scénario et Réalisation qui permet de trouver rapidement un emploi et de relever les missions de cet expert de l’art dramatique. 

Un directeur de casting, c’est également un expert du cinéma reconnu, qui est recherché par les meilleures équipes de réalisation internationales. 

Logiciel de musique, de post-production audio et station audio-numérique à part entière : pourquoi et comment obtenir la certification Pro Tools ? 

Pro Tools : un incontournable de la production audio numérique ? 

Pro Tools est un logiciel de séquençage audio édité par la société Avid Technologies. En pratique, il s’agit d’une station de travail numérique complète (DAW), qui comprend plusieurs outils offrant de travailler en intégralité sur les supports de la même gamme, afin de gagner en productivité, en confort de travail et en qualité de production.  

On peut donc utiliser Pro Tools à toutes les étapes d’une production musicale : enregistrement, édition, mixage et mastering. 

Pro Tools est devenu un standard de l’industrie de la production musicale, un incontournable sur lequel il est presque devenu nécessaire de savoir travailler pour faire carrière. Afin de permettre aux recruteurs du secteur, aux maisons de disques et aux ingénieurs son de s’assurer des compétences de chaque technicien, Pro Tools propose une certification. 

Pro Tools : une certification pour faire valoir ses compétences 

Avid, l’éditeur de logiciels Pro Tools, propose une certification qui donne des informations sur le niveau de compétences des utilisateurs. Elle est très utile à la fois aux techniciens du son, qui peuvent mettre en valeur leur profil professionnel aux yeux des recruteurs, des maisons de disque ou de leurs propres collaborateurs. La certification Pro Tools permet également d’obtenir une reconnaissance de l’industrie audio. 

Il existe plusieurs niveaux de certification Pro Tools : PT101, qui consistent en les connaissances de base. Et PT 110 qui concerne Pro Tools II. Obtenir cette certification signifie que l’utilisateur est en parfaite maîtrise du programme Avid Pro et qu’il peut utiliser les logiciels Pro Tools de la conception jusqu’à la fin d’un projet. 

Comment obtenir la certification Pro Tools ? 

Il est possible de passer seul les tests Pro Tools et d’obtenir sa certification comme candidat libre. Sachez que la certification reste payante et qu’Avid Technologies propose des cours en ligne. En cas d’échec aux examens, les candidats doivent impérativement attendre 24 heures avant de se représenter. La certification n’a pas de date de péremption, néanmoins, il faut impérativement veiller à repasser les tests de validation à chaque nouvelle mise à jour du logiciel, afin de s’assurer de véritablement présenter un niveau de compétences actualisé. 

Néanmoins, maîtriser la production audio ne se résume pas à la maîtrise d’un seul et unique logiciel. Il est donc conseillé, pour ceux qui désirent obtenir la certification Pro Tools, de suivre une formation supérieure en production audio. 

L’ESIS propose à ce titre à ses étudiants de suivre un cursus complet en Son et Production Sonore, du Bachelor au Mastère. Au titre de la formation, les étudiants apprennent à manipuler tous les logiciels professionnels, dont Pro Tools et bénéficient d’un accompagnement afin de réussir les tests de la certification. 

À l’origine, Pro Tools fonctionnait uniquement sur MacOS. Sachez que désormais la suite de logiciels est accessible également sur Windows.

Sur un plateau de tournage, de nombreux techniciens professionnels interviennent et contribuent à donner vie à des œuvres de qualité. Parmi eux, les acteurs : en fonction de leur rôle et des scènes à tourner, divers comédiens entrent en action au sein d’un plateau de tournage. Zoom sur trois catégories d’acteurs qui sont susceptibles d’intervenir sur un plateau de tournage. 

L’interprète principal : l’acteur vedette 

Généralement une célébrité du cinéma, il fait preuve d’un talent inégalé. Il peut avoir passé un casting ou avoir été directement contacté par les équipes de réalisation. Il peut aussi y avoir sur un plateau de tournage des Guest Star, des acteurs très connus qui interviennent pour un rôle très concis. 

Les acteurs de complément : au cœur du tournage 

Ces comédiens jouent un rôle moindre, ni premier ni second rôle. Ils sont néanmoins très importants et contribuent à très grande échelle à rendre une œuvre de qualité. 

La doublure 

C’est un acteur de complément qui viendra remplacer l’interprète principal dans des scènes spécifiques où le visage du personnage n’est pas visible, ou quand il est filmé de loin. Les doublures interviennent quand le personnage principal est dans un véhicule ou, parfois, lorsqu’il apparaît de dos ou capuchonné. 

Il existe aussi les doublures lumières, qui interviennent lorsque les techniciens du plateau de tournage paramètrent les éclairages (luminosité, position, etc.). Elle prend alors la place de l’acteur principal pendant que le chef opérateur règle la lumière. Pour endosser ce rôle, elle doit avoir le même costume, la même carnation et une couleur de cheveux identique à l’acteur principal. 

Les figurants  

Ils constituent l’ensemble des acteurs, souvent muets et utilisés en fond de scène. Selon qu’ils apparaissent dans un film historique, individuellement ou en foule, il en existe une grande variété. Les régisseurs de tournage sont les professionnels en charge de trouver les figurants nécessaires à leur œuvre, dans le cadre de leur activité d’organisation du tournage. Ils reportent sur la feuille de service le nombre de figurants journaliers : ils indiquent la proportion d’hommes, de femmes et d’enfants de chaque groupe et donnent des indications quant à leur placement : numéro du plateau de tournage, loge de maquillage, etc. Ils doivent aussi penser à organiser la restauration de tous les figurants et parfois, en cas de météo extrême par exemple, leur fournir un hébergement. 

Le cascadeur 

C’est un acteur spécialisé dans la réalisation d’actions spectaculaires. La cascade au cinéma comprend tous les exercices physiques possibles : monter à cheval, sauter d’un toit ou simplement chuter. Dans les passages acrobatiques et dangereux, qui requièrent une véritable maîtrise des techniques de cascade, le cascadeur peut remplacer à la fois les comédiens principaux et/ ou les figurants. Généralement, les cascadeurs sont rémunérés à la journée, sauf sur les grandes productions qui impliquent de nombreuses cascades, où ils sont rétribués au forfait. 

Grâce à l’enseignement d’exception de l’ESIS, les étudiants sortants de l’établissement bénéficient d’une solide culture générale du monde du cinéma. Ils connaissent parfaitement le fonctionnement d’un plateau de tournage, tant sur le plan technique que de la typologie des acteurs qui y interviennent. 

Acteur sur un plateau de tournage, c’est un métier technique du cinéma, au même titre qu’ingénieur du son, réalisateur ou technicien monteur. 

Au Réseau GES comme à l’ESIS, c’est la pratique avant tout. Grâce aux cursus en alternances et aux différents stages réalisés tout au long des formations, les étudiants sont indépendants et force d’idées. De quoi leur proposer un petit challenge, au coude à coude avec plus de 14 500 étudiants GES / Eductive, répartis dans toute la France. 

EngrainaGES, c’est quoi ? 

Concours d’entreprenariat depuis 2013, EngrainaGESs’adresse aux étudiants du Réseau GES / Eductive. Le défi ? Monter son propre projet d’entreprise, seul.e ou en groupe, en 5 mois : de l’idéation  à la concrétisation. Sont concernés pour participer au concours : les étudiants de 3e, 4e, et 5e année ainsi que les diplômés des 3 dernières promotions.Plus qu’un concours, EngrainaGES créer aussi une véritable communauté d’entreprenariat GES / Eductive. 

Concrètement, le concours se déroule autour de 5 étapes :  

Les nouveautés EngrainaGES 

Pour sa 11 saison, EngrainaGES a mis en place des nouveautés. Premier point : les rendus ont été adaptés pour offrir un défi optimal aux étudiants. Second point : le site du concours a été repensé entièrement. Il est fraîchement optimisé pour offrir un maximum de confort aux étudiants, que ce soit pour gérer leur dossier ou remettre leurs livrables. Enfin, la finale de cette année se déroulera à Paris, à Station F. Il s’agit d’un campus de startups (créé en 2017). En tout, la Station F compte 34 000 mètres carrés dans la Halle Freyssinet (Paris 13), entre Bibliothèque François Mitterrand et Paris Austerlitz. 

En résumé, EngrainaGES c’est un concours qui permet de passer d’une idée abstraite à un projet concret. C’est aussi choisir une équipe pluri-établissements au sein du Réseau GES / Eductive, dans le but de mélanger les compétencesdes étudiants. C’est suivre une formation accélérée de pitch, pitchdeck, entreprenariat, et mediatraining. C’est développer sa visibilité auprès d’un public d’expert, garnir son carnet d’adresseset gagner en confiance. Pour les gagnants, c’est encore mieux : ils reçoivent du matériel, ainsi quedes aides financières. Alors, pour tenter sa chance, c’est par là : inscription à la saison 11.